奥尔夫音乐(高等职业教育十三五规划教材) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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张思瑶 编

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• 音乐实践

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出版社： 科学

ISBN：9787030515629

商品编码：29777416220

开本：16

出版时间：2017-02-01

基本信息

• 商品名称：奥尔夫音乐(高等职业教育十三五规划教材)
• 作者：编者:张思瑶
• 定价：32
• 出版社：科学
• ISBN号：9787030515629

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2017-02-01
• 印刷时间：2018-02-01
• 版次：1
• 印次：2
• 开本：16开
• 包装：平装
• 页数：180
• 字数：241千字

内容提要

张思瑶主编的《奥尔夫音乐(高等职业教育十三 五规划教材)》以理论阐述与课堂教学训练相结合为 原则，全面、系统地介绍了奧尔夫音乐教育的原理及 本土化的音乐教育实践，包括奧尔夫音乐节奏训练、 奥尔夫音乐身体动作训练、奧尔夫音乐乐器演奏训练 、奥尔夫音乐听力训练、奧尔夫音乐综合训练。本书 旨在提高和完善学生的音乐素养和音乐教学能力。
     本书既可作为高职高专学前教育专业教材，也可 作为幼儿园一线教师参考用书。
    

目录

项目一 奧尔夫音乐节奏训练
任务一 语言的节奏训练
子任务一 字的节奏训练
子任务二 词的节奏训练
子任务三 句的节奏训练
任务二 歌唱的节奏训练
任务三 语气变化的节奏训练
任务四 声响变化的节奏训练
项目二 奧尔夫音乐身体动作训练
任务一 指挥的动作节奏训练
任务二 声势的动作节奏训练
任务三 形体动作节奏训练
子任务一 律动动作节奏训练
子任务二 舞蹈动作节奏训练
任务四 音乐游戏的动作节奏训练
项目三 奧尔夫音乐乐器演奏训练
任务一 打击乐器训练
子任务一 打击乐器伴奏训练
子任务二 打击乐器演奏训练
任务二 音条乐器训练
子任务一 音条乐器伴奏训练
子任务二 音条乐器演奏训练
任务三 其他乐器训练
子任务一 弦乐器演奏训练
子任务二 管乐器演奏训练
项目四 奧尔夫音乐听力训练
任务一 儿童歌曲的听力训练
任务二 世界名曲的听力训练
项目五 奧尔夫音乐综合训练
任务一 音乐戏剧表演训练
任务二 音乐欣赏训练
子任务一 儿歌欣赏训练
子任务二 名曲欣赏训练
参考文献

音乐教育的广阔天地：几部重量级音乐理论与实践著作导读 本导读旨在介绍几部在音乐教育、理论研究及实践领域具有深远影响力的著作，它们共同构筑了理解和发展音乐艺术的坚实基础。这些书籍各有侧重，从宏观的音乐史脉络到微观的演奏技巧，从严谨的乐理分析到富有创意的音乐实践，为学习者和教育者提供了多维度的视角和深入的探索空间。 --- 一、《西方音乐史纲：从古代到20世纪末》 作者： [虚构一位权威音乐史学家，例如：阿诺德·冯·海德勒] 出版社： [虚构一家知名学术出版社，例如：古典之声出版社] 内容简介： 本书是一部气势恢宏、内容详实的西方音乐发展通史，旨在为读者提供一个清晰、连贯且富有洞察力的音乐历史图景。作者以扎实的学术功底和细腻的笔触，系统梳理了自古希腊音乐理论的萌芽，历经中世纪的宗教音乐垄断、文艺复兴的人文主义觉醒、巴洛克时期对结构与情感的精妙把握、古典主义的典雅与平衡，直至浪漫主义的激情澎湃和20世纪以来音乐风格的极大拓展与流派纷呈。 本书的独特之处在于其对历史背景与音乐本体的深度结合。它不仅罗列了重要的作曲家及其代表作，更深入探讨了不同历史时期社会结构、哲学思潮、宗教信仰乃至技术革新（如乐器制造）如何深刻地塑造了音乐的形态、功能与审美取向。 在叙述中，作者对关键的音乐形式——如奏鸣曲式、赋格、交响曲、歌剧等——进行了深入的结构解析，配以大量的乐谱实例分析，使读者能够超越纯粹的文本描述，直接进入音乐的内部逻辑。对于20世纪的复杂局面，本书采取了审慎而包容的态度，详细介绍了序列主义、偶然音乐、极简主义以及电子音乐的诞生与发展脉络，力求客观呈现现代音乐家们在打破传统藩篱过程中的探索与挣扎。 全书结构严谨，叙述流畅，既可作为高等音乐院校历史专业的标准教材，也是对音乐文化抱有浓厚兴趣的普通读者提升素养的绝佳读物。它强调的不仅是“发生了什么”，更是“为什么会发生”，从而培养读者对音乐现象进行批判性思考的能力。 --- 二、《和声学原理与实例分析：基于功能和声体系》 作者： [虚构一位严谨的音乐理论家，例如：伊丽莎白·克劳斯] 出版社： [虚构一家专业音乐教材出版社，例如：音符精研社] 内容简介： 《和声学原理与实例分析》是系统学习西方传统和声学体系的权威指南。本书严格遵循十八、十九世纪功能和声理论的逻辑框架，从最基本的音程、三和弦概念入手，逐步深入到复杂的导七和弦、副属和弦、变音和弦的运用，直至调式外和声的处理。 本书的教学设计极其注重实践性与分析性。每一章节都清晰地阐述了和声进行背后的“功能”——即和弦在解决与导向中的作用，而非仅仅是规则的堆砌。作者通过大量精心挑选的巴赫、莫扎特、贝多芬等大师作品中的真实乐段作为范例，引导学生进行“听觉辨识”与“书写实践”的同步训练。 特别值得一提的是，本书在“和声分析”部分提供了极为详尽的方法论指导，包括如何准确标记和弦、如何识别和声的“色彩”变化，以及如何理解特定作曲家在突破既有和声语法时的创新之处。对于如何处理不协和音的解决、如何运用转调技巧以丰富音乐语言，本书均提供了清晰的图解和大量的练习题。 本书的特点在于其对“准确性”的执着追求，它确保学习者能够牢固掌握传统和声的语法结构，为日后从事作曲、配器、音乐分析或更前卫的和声探索打下不可动摇的基础。它不仅是一本工具书，更是一部引导学生理解音乐“骨架”如何搭建的深度教科书。 --- 三、《管弦乐队配器法：色彩、质感与平衡的艺术》 作者： [虚构一位资深配器专家，例如：皮埃尔·德拉库瓦] 出版社： [虚构一家注重实践的音乐技术出版社，例如：织体工坊] 内容简介： 配器法是连接音乐创作与实际演奏之间的关键桥梁。本书《管弦乐队配器法》聚焦于如何有效地利用管弦乐队的音色资源，以实现作曲家的音乐构思。本书突破了传统仅罗列乐器音域和演奏技巧的局限，将配器视为一门关于“色彩”和“质感”的艺术。 全书结构清晰地分为三个主要部分： 第一部分：乐器家族的个体解析。 详细介绍了木管组、铜管组、打击乐组和弦乐组中每一种乐器的物理特性、音色特点（从最柔和到最尖锐）、独特的演奏技法（如泛音、拨奏、弱音器使用等），并特别关注了乐器在不同把位和动态范围下的音质差异。 第二部分：色彩的混合与织体构建。 这部分是本书的核心。作者通过大量的实例，系统性地阐述了不同乐器组合所产生的音响效果——如何创造“透明的”织体（如长笛与双簧管的交织），如何塑造“厚重的”音响（如铜管的齐奏），以及如何利用“乐器间的对话”来推动音乐叙事。书中对“音域重叠”与“音色平衡”的讲解尤其精辟，指导读者如何避免不必要的音响浑浊。 第三部分：实例与应用。 包含了对古典时期、浪漫主义时期及现代管弦乐作品的配器案例的深度剖析，重点解析了如德彪西对木管色彩的运用、马勒对铜管力量的驾驭等大师手笔。此外，书中还包含了针对学生练习的配器作业，涉及从小型室内乐到大型交响段落的改编与创作。 本书旨在培养读者建立“听觉想象力”，使他们能够在心中“听到”配器完成后的最终音响，是所有作曲、指挥及音乐技术专业学生不可或缺的实践宝典。 --- 四、《二十世纪音乐分析：结构与语汇的转型》 作者： [虚构一位现代音乐研究者，例如：林恩·哈珀] 出版社： [虚构一家专注于前沿研究的学术机构，例如：新声理论研究所] 内容简介： 面对二十世纪以来音乐语言的爆炸性发展与风格的剧烈分化，传统的分析方法常常显得力不从心。本书《二十世纪音乐分析：结构与语汇的转型》正视了这一挑战，为深入理解非传统音乐提供了系统的分析工具箱。 本书不再固守以调性为中心的分析框架，而是将重点放在了对“新的组织原则”的挖掘上。内容涵盖了对以下关键领域的系统梳理与分析： 1. 无调性与十二音体系（Dodecaphony）： 深入解析了勋伯格、贝尔格、韦伯恩的作品，不仅关注音列的排列规则，更着重于分析音列在音乐结构（如动机发展、形式组织）中的实际作用。 2. 序列音乐与全面序列化： 探讨了从皮埃尔·布列兹到斯托克豪森等作曲家如何将音高、时值、力度、音色等所有参数纳入序列控制的尝试，并分析了由此产生的音乐结构特性。 3. 极简主义（Minimalism）： 对赖利、史蒂夫·莱奇等人的过程音乐进行了分析，重点研究了相位技术（Phasing）、节奏的重复与渐变如何构建出催眠性的听觉体验。 4. 偶然音乐与空间性： 分析了卡特和约翰·凯奇等人的作品，探讨了不确定性（Chance Operations）在音乐结构中的地位，以及如何分析那些强调空间布局和表演者自由度的作品。 本书为每一种新的音乐语汇都提供了相应的分析模型和术语，例如“音块”（Tone Cluster）的密度分析、“过程”（Process）的清晰度量化等。通过对大量不同流派音乐的细致解构，本书旨在帮助读者建立起一套灵活的、能够适应后调性音乐复杂性的分析思维。它不仅教人“如何听”，更教人“如何系统地理解”二十世纪音乐家们为人类听觉经验所开辟的新疆界。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版和印刷质量着实令人称赞，每一页纸张的质感都非常舒服，墨迹清晰，长时间阅读也不会觉得眼睛疲劳。我特别喜欢它在内容组织上所体现出的那种务实精神，它似乎非常清楚高等职业教育的培养目标是什么，并没有一味地追求理论的宏大叙事，而是将重点放在了如何将理论知识转化为实际的教学技能上。书中对于如何设计一堂生动的奥尔夫课堂，提供了大量详实的操作步骤和案例分析，这对于未来要走上讲台的职校生来说，简直是教科书级别的指导手册。我记得有几个章节专门讨论了如何利用简单的打击乐器进行即兴创作和合作表演，这些内容不仅有趣味性，更重要的是培养了学生的动手能力和团队协作精神，这在当前的职业教育体系中是尤为宝贵的。阅读过程中，我能明显感受到作者在努力搭建一座理论与实践之间的坚固桥梁。

评分☆☆☆☆☆

我得说，这本书在内容广度与深度上拿捏得非常到位，它不仅仅是一本单纯的乐理教材，更像是一部融合了教育哲学和实践智慧的工具书。尤其是它对于奥尔夫教学法中“体验先行”这一核心思想的阐述，我感觉自己仿佛被带入了一个充满探索乐趣的音乐世界。书中对节奏、旋律、动作与语言结合的讲解，逻辑缜密，层次分明，它不像某些理论书籍那样晦涩难懂，而是处处体现出一种引导性的、启发性的教育思维。此外，教材中对如何针对不同年龄段的孩子设计教学活动的细节描述，体现了作者深厚的教学经验，那些具体的活动方案，随便挑选一个都能直接搬进课堂使用，实用价值极高。对于我们这些希望系统学习并掌握一门成熟教学体系的人来说，它提供了一个非常扎实可靠的知识框架。

评分☆☆☆☆☆

这本书的章节划分非常清晰，每一单元的学习目标和知识点都明确标识，方便读者进行阶段性复习和查漏补缺。我个人特别欣赏它在引入新知识时所采用的“情境导入”方式，总是先设置一个贴近实际的教学场景或音乐问题，然后再逐步引入理论支撑，这种方式极大地提高了读者的学习代入感和兴趣。它处理一些复杂概念的方式尤其值得称道，比如对“自由的即兴”的界定和指导，既保证了音乐的艺术性和开放性，又提供了必要的规范和框架，避免了学生在实践中无的放矢。这本书给我的感觉是，它不仅仅是知识的传递者，更是优秀音乐教育者的思维模式的塑造者，它潜移默化地影响着读者的教学理念，让人在潜移默化中提升自己的专业素养和人文关怀。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计确实挺抓人眼球的，那种明亮的色彩搭配和清晰的字体，让人一眼就能感受到音乐的活力。我记得我是在图书馆里偶然看到它的，当时正好在找一些关于早期音乐教育的资料，这本教材的标题立刻吸引了我。初翻了几页，感觉它在结构编排上非常用心，逻辑性很强，从基础乐理到具体的教学实践，层层递进，让人感觉每一步都有章可循。特别是它对一些传统乐器和奥尔夫体系核心理念的介绍，讲解得非常深入浅出，即使是对音乐教育不太熟悉的读者，也能迅速把握住重点。教材中穿插的一些插图和图表，也极大地丰富了阅读体验，让抽象的音乐概念变得可视化，这一点对于高等职业教育的学生来说，无疑是极大的帮助。总的来说，这本教材在内容呈现和结构组织上，都展现出了极高的专业水准和教学诚意，让人充满继续探索的欲望。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计虽然不算华丽，却透着一股沉稳可靠的气息，那种低调的专业感扑面而来。让我印象深刻的是，教材中对奥尔夫教学法在现代背景下的继承与发展进行了深入探讨，它没有将奥尔夫体系束之高阁，而是探讨了如何将其与现代科技、多元文化背景下的儿童教育需求进行有机结合。这种与时俱进的视角，让这本书立刻跳脱出了陈旧教材的窠臼。阅读过程中，我感觉自己不光是在学习知识，更是在进行一场关于音乐教育未来的思考。其中关于评估体系的建立和教学反思的章节，更是点睛之笔，它教会我们不仅要教，更要学会如何科学地检验教学成果并不断自我完善，这对培养高素质的职教人才至关重要。