奥尔夫音乐(高等职业教育十三五规划教材) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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张思瑶 编

图书标签:

• 奥尔夫音乐
• 音乐教育
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• 音乐教学
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• 启蒙教育
• 音乐欣赏
• 节奏教学
• 音乐实践

店铺： 火把图书专营店

出版社： 科学

ISBN：9787030515629

商品编码：29777807210

开本：16

出版时间：2017-02-01

基本信息

• 商品名称：奥尔夫音乐(高等职业教育十三五规划教材)
• 作者：编者:张思瑶
• 定价：32
• 出版社：科学
• ISBN号：9787030515629

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2017-02-01
• 印刷时间：2018-02-01
• 版次：1
• 印次：2
• 开本：16开
• 包装：平装
• 页数：180
• 字数：241千字

内容提要

张思瑶主编的《奥尔夫音乐(高等职业教育十三 五规划教材)》以理论阐述与课堂教学训练相结合为 原则，全面、系统地介绍了奧尔夫音乐教育的原理及 本土化的音乐教育实践，包括奧尔夫音乐节奏训练、 奥尔夫音乐身体动作训练、奧尔夫音乐乐器演奏训练 、奥尔夫音乐听力训练、奧尔夫音乐综合训练。本书 旨在提高和完善学生的音乐素养和音乐教学能力。
     本书既可作为高职高专学前教育专业教材，也可 作为幼儿园一线教师参考用书。
    

目录

项目一 奧尔夫音乐节奏训练
任务一 语言的节奏训练
子任务一 字的节奏训练
子任务二 词的节奏训练
子任务三 句的节奏训练
任务二 歌唱的节奏训练
任务三 语气变化的节奏训练
任务四 声响变化的节奏训练
项目二 奧尔夫音乐身体动作训练
任务一 指挥的动作节奏训练
任务二 声势的动作节奏训练
任务三 形体动作节奏训练
子任务一 律动动作节奏训练
子任务二 舞蹈动作节奏训练
任务四 音乐游戏的动作节奏训练
项目三 奧尔夫音乐乐器演奏训练
任务一 打击乐器训练
子任务一 打击乐器伴奏训练
子任务二 打击乐器演奏训练
任务二 音条乐器训练
子任务一 音条乐器伴奏训练
子任务二 音条乐器演奏训练
任务三 其他乐器训练
子任务一 弦乐器演奏训练
子任务二 管乐器演奏训练
项目四 奧尔夫音乐听力训练
任务一 儿童歌曲的听力训练
任务二 世界名曲的听力训练
项目五 奧尔夫音乐综合训练
任务一 音乐戏剧表演训练
任务二 音乐欣赏训练
子任务一 儿歌欣赏训练
子任务二 名曲欣赏训练
参考文献

音乐的魔力与教育的基石：深度探索音乐理论与实践的经典著作 书名：《音乐的脉络：从古典到当代的和声与结构解析》 简介： 本书《音乐的脉络：从古典到当代的和声与结构解析》是一部旨在为音乐学、音乐教育、作曲技术等领域的研究者和实践者提供坚实理论基础与深刻洞察的专业教材。它并非侧重于特定流派的教学体系，而是致力于构建一个宏大而精密的音乐语言分析框架，涵盖了西方音乐自巴洛克时期至二十世纪中叶的演进脉络，并对当代音乐创作中的结构性革新进行了系统梳理。 全书的结构设计，旨在引导读者从最基础的音高组织和节奏模式入手，逐步深入到复杂的复调技巧、功能和声的精妙运作，直至探索十二音体系、序列主义及机遇音乐等现代技法的内在逻辑。我们摒弃了单纯的“操作指南”模式，强调对音乐作品背后思想观念、文化背景与技术手段之间相互作用的深层理解。 第一部分：古典体系的构建与成熟——和声的语法学 本部分将对西方音乐的“通用语汇”进行详尽的剖析。 第一章：音高关系的几何学与功能和声的基石。 我们首先探讨调性系统的建立，不仅仅是讲解三和弦、七和弦的构成，而是深入解析“功能”——主、属、下属三者之间张力与解决的内在驱动力。书中通过大量详尽的范例分析（选取自巴赫的对位练习、莫扎特的奏鸣曲乐章等），阐释导音的引力、属和弦的倾向性，以及如何通过和声连接构建起音乐的“句子”和“段落”。我们特别关注如何识别和处理替代和弦、偏离和弦，这些在古典时期已经成为展现作曲家个性化语汇的重要手段。 第二章：对位法的严谨与自由。 对位艺术是音乐结构力的脊梁。本书详细阐述了严格对位（如帕莱斯特里那风格）的各项规则，包括音程选择、节奏处理和固定音型的运用。随后，我们将视线转向巴赫的赋格曲，分析如何在高密度的对位织体中保持清晰的旋律线条和明确的和声功能。不同声部间的模仿、卡农的逻辑，以及乐思的变形与发展，都将通过清晰的图示和具体的乐谱片段进行剖析，帮助学习者掌握构建复杂多声部音乐的底层技术。 第三章：曲式结构与宏大叙事。 音乐的意义往往体现在其组织形式上。本章聚焦于曲式分析，从简单的二部曲式、三部曲式出发，详细解析奏鸣曲式（Sonata Form）的呈示部、发展部和再现部的内在辩证关系。我们不将奏鸣曲式视为僵硬的公式，而是探讨其作为戏剧性冲突与解决平台的机制。此外，对变奏曲、回旋曲以及大型交响曲的结构布局，也将进行系统的比较研究，强调主题的材料如何在时间和空间维度上被展开和重构。 第二部分：浪漫主义的激情与调性的拓展 进入十九世纪，音乐的情感表达空前高涨，调性系统在张力的边缘被不断试探。 第四章：色彩的丰富——副属和弦与半音和声。 浪漫主义作曲家将和声的色彩性提升到前所未有的高度。本章重点分析了运用频繁的导七和弦、减七和弦，以及对远关系和弦的运用。以瓦格纳的《特里斯坦与伊索尔德》中的“特里斯坦和弦”为例，深入探讨了功能模糊化如何服务于无尽的渴望与延迟，分析了半音进行如何消解传统的调性中心，为后来的无调性音乐埋下了伏笔。 第五章：民族乐派与新的调性资源。 民族乐派作曲家（如德彪西、巴托克）开始从民间音乐和非西方音乐中汲取灵感，挑战传统的大小调体系。本章将介绍全音阶、五声音阶、教会调式在艺术音乐中的重新定位，以及德彪西对和声“并置”手法的运用，即和弦不再完全服务于功能连接，而是作为独立的色彩音块存在。这标志着听觉体验从“运动感”向“静态画面感”的转移。 第三部分：现代音乐的结构性革命 二十世纪的音乐创作彻底颠覆了既有的美学规范，技术手段趋于多元化。 第六章：无调性的诞生与序列音乐的秩序。 舍恩堡对调性桎梏的挣脱是音乐史上一次重大的断裂。本章首先解析了无调性音乐的特征，随后聚焦于十二音序列技法。我们将精确拆解“音列”的构建、逆行、倒影和倒影逆行等矩阵操作，并分析如何从严格的数学规则中提炼出具有听觉美感的作品。韦伯恩的精微结构，为理解如何用逻辑而非传统美学来组织音乐提供了典范。 第七章：节奏的解放与声音的拓宽。 节奏复杂化是现代音乐的另一重要特征。本章探讨了斯特拉文斯基对复杂拍号的运用，以及后来的复节奏、多节奏现象。更重要的是，本书将介绍如何使用“音块”（Sound Mass）和“噪音”（Noise）作为音乐材料。对皮埃尔·布列兹的复调复杂性和约翰·凯奇的偶然性（Chance Operations）的探讨，将带领读者理解音乐不再局限于“音高和节奏”，而是扩展到一切可听的、有组织的声音现象。 第八章：电子音乐与计算机辅助作曲的语汇基础。 尽管本书的侧重点在于传统记谱音乐的分析，但我们无法忽视技术对音乐形态的重塑。本章简要介绍傅立叶分析在音乐合成中的基础作用，以及如何将纯粹的电子声音处理技术（如滤波、调制）的概念，反向应用于对传统乐器演奏技巧的分析中，理解现代作曲家如何利用声学物理原理来设计声音的“纹理”和“空间分布”。 总结与展望： 《音乐的脉络》力求超越任何单一的教学体系，提供一个跨越时空的音乐分析工具箱。它要求学习者不仅要知道“如何”进行和声进行，更要深刻理解“为何”在特定的历史语境下，作曲家选择了那样的技术路径。本书注重严谨的分析方法和批判性的思考，旨在培养读者独立解读复杂音乐文本的能力，为未来音乐创作、研究与教学打下坚实的基础。本书的深度和广度，使其成为高等音乐教育中不可或缺的理论支撑。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计，说实话，第一眼看过去挺有意思的，那种朴实中带着一丝学术的严谨感，让人感觉这绝对不是那种哗众取宠的畅销书，而是踏踏实实做学问的教材。我拿到手里的时候，首先感受到的是它纸张的质感，不算特别光滑，但很厚实，拿在手上沉甸甸的，很适合需要反复翻阅和做笔记的读者。内页的排版也看得出来是用心设计的，字体大小适中，段落之间的留白处理得当，即使是面对像音乐理论这种相对枯燥的内容，阅读起来也不会让人感到压迫感。装帧的工艺似乎也挺结实，对于经常带去教室或者图书馆的读者来说，应该能经受住时间的考验。整体上给人的感觉是实用、耐看、而且非常符合高等职业教育教材的定位——低调、扎实、目标明确。我尤其欣赏它在细节上对学生阅读体验的考量，比如一些图表的清晰度，这在很多同类教材中是容易被忽略的。

评分☆☆☆☆☆

这本书的内容组织逻辑简直是教科书级别的典范，我尝试着快速翻阅了一下目录，就能感受到编者在规划知识体系时下的苦功。它不是简单地堆砌知识点，而是构建了一个层层递进、循序渐进的知识网络。从最基础的概念引入，到中间复杂的理论推导，再到最后的实践应用，每一步都衔接得天衣无缝。我特别关注了其中关于教学法的那几个章节，编排得非常细致，不仅阐述了“是什么”，更深入探讨了“为什么”以及“如何做”。这种理论与实践深度融合的模式，对于职业院校的学生来说，无疑是至关重要的。很多教材在理论阐述后会戛然而止，但这本教材似乎预见到了学生在学习过程中可能遇到的困惑，并提前设置了疑难点解析，这种前瞻性的编排思路，极大地提升了自学效率。

评分☆☆☆☆☆

坦率地说，初次接触这类专业教材时，我总会担心它语言风格过于晦涩，充满了只有专业人士才能理解的“黑话”。然而，这本书在这一点上给了我一个惊喜。它在保持学术准确性的同时，努力采用一种更贴近实践、更具引导性的叙述方式。比如，它在解释一些复杂的节奏型时，不是干巴巴地给出符号，而是常常会穿插一些生动的比喻或者实际的音乐片段来辅助理解，这大大降低了学习门槛。阅读过程中，我感觉自己不是在“啃”一本厚厚的书，而是在听一位经验丰富的老师在耐心、有条不紊地进行讲解。对于我这种需要将理论快速转化为教学技能的读者来说，这种“亲和力”比纯粹的学术深度更为重要，它让人愿意持续读下去，而不是望而生畏。

评分☆☆☆☆☆

我对比了手头上的几本相关领域参考书，这本书在案例的广度与深度上显得尤为突出。它似乎没有局限于某一特定的音乐流派或地域风格，而是力求展现一种全球化、多元化的视角。我注意到其中有些章节提到了新兴的数字音乐技术在奥尔夫教学法中的应用可能性，这在传统教材中是很少见的。这表明编者团队紧跟时代步伐，没有让教材变成“故纸堆”。更难得的是，它在介绍案例时，对资源的可获取性考虑得非常周到，很多推荐的乐器或曲目，都是在职业院校环境中相对容易获取或自制的，这体现了对实际操作环境的深刻理解，而不是脱离实际的空谈。这种“接地气”的设计，是高职教材区别于普通高校教材的关键所在。

评分☆☆☆☆☆

从教学目标和考核导向的角度来看，这本书的结构安排显得异常清晰。每一个单元的开头，都会明确指出本单元要达成的核心能力指标，这就像一张路线图，让学习者清楚地知道自己努力的方向。我特别喜欢它在章节末尾设置的“自我评估清单”，这不仅仅是简单的知识点回顾，更像是对学生技能掌握程度的操作性检验。它迫使学习者去思考：“我能否用自己的语言解释这个概念？”或者“我能否在没有帮助的情况下完成这个练习？”这种以结果为导向的编排，对于职业技能的培养至关重要。它有效地避免了“学而不思，思而不行”的弊端，确保了所学知识能够切实转化为未来的工作能力。