乐理十八讲(修订版) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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叶卫国李金华... 编

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• 音乐教学
• 修订版

店铺： 火把图书专营店

出版社： 上海音乐学院

ISBN：9787556602704

商品编码：29776296060

开本：16

出版时间：2018-04-01

基本信息

• 商品名称：乐理十八讲(修订版)
• 作者：编者:叶卫国//李金华
• 定价：45
• 出版社：上海音乐学院
• ISBN号：9787556602704

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2018-04-01
• 印刷时间：2018-04-01
• 版次：1
• 印次：1
• 开本：16开
• 包装：平装
• 页数：211

内容提要

叶卫国、李金华主编的《乐理十八讲（修订版） 》不是生硬地将内容分解成“十八讲”，而是多年教 学实践经验积累的结果。本书的编著者，既有各高校 的精英，也有艺术高中的一线教师，他们在《基础乐 理》的教学中总结了很多实用有效的解题方法，也对 《基础乐理》中的问题进行了较为深入的研究并在学 术活动中进行了积极的探讨。
    

目录

记谱法板块
**讲 五线谱和简谱
**部分 基本知识点
第一节 五线谱
第二节 简谱与五线谱对照
第二部分 常见题型及解题分析
第三部分 练习题
第二讲 节奏与节拍
**部分 基本知识点
第一节 节奏与节拍基本概述
第二节 时值划分
第三节拍子的类型及拍号
第四节 切分音与弱起节奏
第二部分 常见题型及解题分析
第三部分 练习题
第三讲 音值组合法
**部分 基本知识点
第一节 常见节奏型及其分类
第二节 音值组合法
第二部分 常见题型及解题分析
第三部分 练习题
第四讲 常用音乐记号
**部分 基本知识点
第一节 力度标示法
第二节 速度标示法
第三节 表情术语
第四节 省略记号
第五节 演奏(唱)法记号与术语
第六节 装饰音及其奏法
第七节 术语与说明记号
第八节 曲体名称
第九节 乐器名称
第二部分 常见题型及解题分析
第三部分 练习题
乐音板块
第五讲 乐音体系
**部分 基本知识点
第一节 音的分组
第二节 变音记号与等音
第三节 全音与半音的类别
第二部分 常见题型及解题分析
第三部分 练习题
第六讲 音程
**部分 基本知识点
第一节 音程概述
第二节 旋律音程与和声音程
第三节 音程的名称
第四节 自然音程与变化音程
第五节 音程的扩大与缩小
第六节 音程的协和性

音乐理论的基石：一部深度探索与实践的指南 书籍名称： （此处不填写您提供的书名，而是描述一本替代性的、内容详实的音乐理论著作） 副标题： 基础、结构与和声分析的系统性构建 本书导言：探寻音乐的内在逻辑 音乐，作为人类情感最直接的表达方式之一，其背后蕴含着一套严谨而精妙的结构体系。本书并非一部枯燥的理论堆砌，而是一次引导读者深入音乐“语法”的旅程。我们旨在为所有对音乐抱有好奇心、希望从“听众”转变为“理解者”的读者，提供一个坚实而全面的理论框架。从最基础的音高、节奏概念出发，逐步构建起对西方传统音乐体系的深刻洞察力。 本书的编写遵循循序渐进的原则，力求在保持学术严谨性的同时，兼顾学习者的接受度。我们将音乐理论视为一座宏伟的建筑，每一章都是承重的一块基石，共同支撑起对复杂音乐作品的理解与鉴赏能力。 --- 第一部分：基础构建——声音的元素与标记系统 本部分是所有音乐理论学习的起点，它关注的是构成音乐的最基本材料——音高、节奏和力度。 第一章：音高的感知与系统化 超越“高低”的理解： 详细探讨音高的物理基础——频率，以及人类听觉对音高的感知特性。 记谱法的演进与标准： 深入解析五线谱系统的结构，包括高音谱号、中音谱号（中音谱号的实际应用与重要性）。讲解如何准确地标记和识别音符、休止符及其在不同调域中的位置。 音程的精确度量： 不仅仅是数数，而是理解音程在和声功能上的作用。细致区分二度、三度、五度等基本音程的性质（大、小、增、减），并介绍其在调性音乐中的构建方式。 第二章：节奏的架构与时间的分割 节拍的本质与分类： 剖析节拍的层级结构——小节线、拍号的意义。详尽讲解常见的拍号（如 2/4、3/4、4/4）以及复拍号（如 6/8、9/8）的内在逻辑与听感差异。 时值的精确控制： 完整音符到十六分音符及更细分时值的书写与演奏要求。重点阐述附点、连音线、休止符在控制乐句呼吸中的作用。 复合节奏的初探： 引入复节奏（如复合三拍子中的二拍感）的概念，为理解更复杂的民族音乐或现代音乐风格打下基础。 第三章：调性与调式：色彩的基调 大调与小调的建立： 深入讲解大调音阶的“全全半全全全半”结构，以及三种小调（自然、和声、旋律）的生成原理及其功能区别。 关系大小调的对等性： 阐明关系大调与关系小调之间的三度音程关系，这是理解曲式分析中转调潜能的关键。 调号与升降记号的运用： 系统梳理如何根据调号快速确定调性，以及临时升降记号对既有调性的色彩修正作用。 调式：超越大小调的音色探索： 介绍教会调式（多利亚、弗里吉亚等）的基本音高结构，并分析它们在特定历史时期音乐中的色彩贡献。 --- 第二部分：和声的骨架——三和弦与功能分析 本部分是本书的核心，将理论学习带入到实际的音乐进行中，关注和弦的构建、连接与功能。 第四章：三和弦的构成与识别 基本三和弦的四大类型： 大三和弦、小三和弦、增三和弦、减三和弦的音高构成与听觉特征的明确区分。 和弦的转位： 详细介绍原位、六度转位、四六转位，以及它们在低音进行中对旋律线流畅性的影响。 和弦的级数标记法（罗马数字分析法）： 确立分析工具。系统性地标记主和弦（T）、下属和弦（S）、属和弦（D）及其在大小调中的具体形态。 第五章：功能和声的逻辑与进行 和声的功能三角： 深入解析T、S、D三大家族的功能性，理解它们如何驱动音乐的张力与解决。 典型的和声进行： 分析从T到S、从S到D、D回T的经典路线。探讨二级和弦（ii）在功能上的补充作用，以及七级减和弦（vii°）的导向性。 副属和弦（导向和弦）的引入： 讲解如何通过五度圈的原理构建导向到次要和弦的属和弦，极大丰富和声色彩并实现转调的准备。 第六章：七和弦的深化与色彩变化 属七和弦的特性与解决： 属七和弦作为最核心的紧张音响，其三度音与七度音的解决规则是本章重点。 其他常见七和弦： 探讨大小七和弦（如 Imaj7, ii7）、减七和弦在特定风格中的应用，及其与调性色彩的关联。 和声的延伸与变化： 初步介绍挂留和弦（Sus和弦）和不协和音的“软化”处理，理解它们对和声运动的缓冲作用。 --- 第三部分：音乐的结构与形式 理论知识只有应用于具体的音乐作品分析中，才能展现其生命力。本部分关注音乐的宏观布局。 第七章：旋律的线条与乐句的塑造 动机与乐句的生成： 解释音乐最小意义单位——动机，如何通过重复、移位、增值、减值等手法发展成完整的乐句。 乐句的平衡： 分析“问句”与“答句”的结构关系，以及如何通过终止式（完全终止、不完全终止、伪终止）来划分乐句的呼吸。 第八章：曲式结构的基础形态 段落的组合： 系统阐述复乐段（AABB）、呈示部-发展部-再现部（奏鸣曲式基础）的基本框架。 二部曲式与三部曲式： 详细剖析二部曲式（AB）中各部分的调性关系和材料对比，以及三部曲式（ABA）中再现部的变化处理（如扩展、缩写）。 主题的演变： 介绍变奏曲的基本原理，即如何在保持核心材料不变的情况下，通过节奏、和声、织体等方面的变化来丰富音乐内容。 --- 结语：理论与实践的融合 本书的最终目标是培养读者的“乐感之眼”与“分析之耳”。我们强调，理论不是束缚，而是理解作曲家意图的钥匙。通过对本书所学知识的反复练习和在实际听音、视唱练习中的应用，读者将能更深刻地欣赏巴赫的严谨、莫扎特的灵动以及浪漫主义音乐的丰富情感，从而真正掌握音乐的语言。理论的深度，最终服务于艺术的广度。

评分☆☆☆☆☆

对于一个希望系统性提升自己音乐素养的业余爱好者来说，这本书简直是一份意外的宝藏。它的学习路径设计得非常符合人类的学习规律，基础部分讲解得扎实而清晰，基础不牢固的读者可以反复回顾而不会感到挫败。但最难能可贵的是，它并没有将“初级”和“高级”内容强行分割。即便是基础章节，也时不时会抛出一个更深层次的思考角度，像是在给初学者埋下未来的“种子”。例如，在讲解调式音阶时，书中就提前引入了“调式色彩”的概念，这比很多教材等到后面才提及调式色彩要有效得多。再者，本书的索引系统做得极为详尽，当我需要快速回顾某个特定的概念时，可以迅速定位，这对于后期作为工具书查阅是非常方便的。而且，作者在全书中保持了一种鼓励探索的基调，他鼓励读者去打破规则，去尝试创作，而不是仅仅停留在模仿的层面，这种开放性的教学态度，极大地激发了读者的创造潜能。

评分☆☆☆☆☆

这本书的厚度让人望而生畏，但翻开之后才发现，它的内容密度控制得相当出色，做到了“大容量，高效率”。作者显然在内容取舍上花费了大量心力，没有冗余的废话，每一个段落似乎都有其存在的价值。我尤其喜欢它在处理“和弦转位”和“终止式”这些关键点时的处理方式。以往很多教材只是罗列出所有可能性，让人感到无从下手，而这本书则聚焦于“最常用”和“最有效”的几种模式，并深入剖析了它们在不同情绪表达中的细微差别。作者的专业背景显然非常深厚，他对音乐史的把握也十分精准，每当引入一个理论概念时，都会适时地提及该理论是如何在音乐发展史上被确立和演变的，这使得理论学习不再是孤立的知识点，而是置于一个宏大的历史背景之下。这种深度挖掘，让读者在掌握“是什么”的同时，也理解了“为什么会是这样”，极大地提升了对音乐的整体认知水平。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我最大的感受是“匠心独运”，它超越了一本普通教材的范畴，更像是一部音乐思维的引导手册。不同于那种只关注“怎么做”的实用主义书籍，它更侧重于培养读者“为什么这么做”的审美判断力。作者在论述一些相对主观的音乐现象时，态度是极其审慎而严谨的，他会列举出多种主流观点，然后清晰地指出自己倾向于哪一种解释，并且给出了充分的论据支持，这种坦诚的态度非常圈粉。我特别喜欢其中对于“旋律线构建”的章节，它没有提供固定的公式，而是拆解了大师作品中旋律线的呼吸、张力和解决过程，用一种近乎诗意的方式去描述音乐的“内在生命力”。这本书读完后，我发现自己听音乐的耳朵都变得更加敏锐了，以前只是被动地接受旋律，现在能下意识地去分析和弦进行带来的情绪张力，甚至能预判下一句乐句的走向，这是一种质的飞跃。它不是让你成为一个理论家，而是让你成为一个更懂得欣赏和理解音乐的人。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，我一开始对市面上铺天盖地的音乐理论书籍有些审美疲劳，觉得大多数都是冷冰冰的公式堆砌，读起来像是在啃硬骨头。但这本书的叙事方式却显得格外亲切自然，仿佛不是在“教”你，而是在“聊”音乐。作者的语言风格非常细腻，尤其擅长使用类比和生活化的场景来解释抽象的音乐现象。举个例子，讲解对位法时，他没有直接抛出复杂的规则，而是用“两条舞者在舞池中优雅地交织”来形容旋律线之间的关系，那种画面感一下子就出来了。更让我赞赏的是，本书并没有固步自封于古典乐范畴，而是巧妙地将现代流行音乐、电影配乐中的一些常用技巧穿插其中进行佐证。这使得理论不再是高不可攀的象牙塔产物，而是可以随时应用于我们日常听到的音乐中的工具。每一章的末尾都有一个“自我检测”的小环节，不是那种死板的选择题，而是引导你去听某一段特定的音乐，然后尝试自己分析其中的结构，这种实践性的引导，真正做到了学以致用，让人欲罢不能。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计很有心，封面采用了雅致的深蓝色调，搭配着烫金的书名，透着一股沉稳和专业感。初拿到手时，那种纸张的触感就很舒服，不是那种廉价的光滑感，而是略带纹理的纸质，让人有翻阅的欲望。内页的排版也做得非常考究，字体大小适中，行距恰到好处，即便是长时间阅读也不会感到视觉疲劳。我特别欣赏它在章节之间的过渡设计，有些地方会插入一些历史典故或者音乐家的小故事作为引子，一下子就把读者的思绪从枯燥的理论中拉了出来，增加了阅读的趣味性。不过，要说最让我感到惊喜的，还是作者在一些复杂概念的解释上，非常注重“图文并茂”。比如在讲解和声进行时，除了传统的五线谱示例外，还配有一些形象化的比喻，比如将调性比作一个“家”，远关系和弦比作“远方的亲戚”，这些生动的描述，极大地降低了初学者的理解门槛。这本书的整体结构清晰，逻辑性极强，从最基础的音高、节奏讲起，逐步深入到复杂的曲式分析，让人感觉每一步都走得非常踏实，就像是跟随一位经验丰富的老师，一步步构建起自己的音乐知识体系。