深度音乐审美教学法导论 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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田耀农宋艳艳 编

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• 审美教育

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出版社： 上海音乐

ISBN：9787552315110

商品编码：29713403440

开本：16

出版时间：2018-04-01

基本信息

• 商品名称：深度音乐审美教学法导论
• 作者：田耀农//宋艳艳
• 定价：48
• 出版社：上海音乐
• ISBN号：9787552315110

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2018-04-01
• 印刷时间：2018-04-01
• 版次：1
• 印次：1
• 开本：16开
• 包装：平装
• 页数：205
• 字数：239千字

内容提要

音乐审美充满了神秘的色彩，音乐的审美依赖于 听觉，不受空间的制约，不像语言的声音那样具有约 定俗成的语义指向，也不像自然的声音那样具有声音 与现象之间的对应联系。在传统音乐审美中，通常都 是根据作品的特点和学生的具体情况采取的课堂教学 手段，音乐审美教学一般遵循“介绍、聆听、引导、 联想”四个环节。而本书的内容在于培养学生的情绪 运动能力，常态化地进入情绪运动状态的音乐审美教 学方法——深度音乐审美教学法。《深度音乐审美教 学法导论》作者田耀农、宋艳艳带领他的学生们针对 “深度音乐审美教学法”的科学性、有效性、可操作 性、可重复性的进行了长期的数据记录，并在书中呈 现了学生们的音乐体验实录，这些材料弥足珍贵，也 构成了本书的一个特色。
    

目录

前言
绪论 音乐美育音乐审美
第一节 美与美感
第二节 音乐与音乐美
第三节 审美与音乐审美
第四节 音乐审美的目的与方法
第一章 深度音乐审美的理论
第一节 如何认识音乐世界
第二节 美妙的音乐世界
第三节 音乐作品的类别
第四节 走进音乐世界的方法
第二章 音乐世界的构成
第一节 音乐的构成材料及构成方式
第二节 音乐的表达方式和作品体裁
第三节 中国的音乐世界
第四节 西方的音乐世界
第五节 音乐的欣赏与音乐的保健
第三章 深度音乐审美方法的训练
第一节 冥想认知的基本原理
第二节 使用“音乐冥想”技术的意义
第三节 “音乐冥想”能力的训练方法
第四节 “音乐冥想”的感受交流
第五节 “音乐冥想”的日记写作
第四章 故事性音乐作品的深度审美
第一节 故事性音乐作品的特点
第二节 故事性音乐作品的理解
第三节 故事性音乐作品的深度审美方法
第五章 绘画性音乐作品的深度审美
第一节 音乐作品中绘画性因素的构成
第二节 音乐作品中绘画性因素的体现
第三节 绘画性音乐作品的深度审美方法
第六章 表情性音乐作品的深度审美
第一节 表情性音乐作品的特点
第二节 表情性音乐作品的领会
第三节 表情性音乐作品的深度审美方法
第七章 哲理性音乐作品的深度审美
第一节 哲理性音乐作品的构成原理
第二节 哲理性音乐作品的构成方式
第三节 哲理性音乐作品的深度审美方法
参考文献
后记

音乐教育的未来图景：基于实践哲学的创新探索 引言：重塑音乐教育的理论基石 在二十一世纪的今天，音乐教育正面临着前所未有的挑战与机遇。传统的教学模式，往往侧重于技术技能的机械模仿与西方古典音乐范式的绝对权威，这在很大程度上限制了学生主体性的发展与音乐体验的深度。本论著旨在打破这种僵局，通过引入一种更为广阔、更具包容性的哲学视野，为现代音乐教育构建一套全新的理论框架与实践路径。 本书并非对既有音乐教学法进行简单的修补或改进，而是尝试从根本上重塑我们对“音乐学习”与“审美经验”的理解。我们将聚焦于那些经常被主流教育体系所忽视的面向：音乐的生成性、学习者的身体经验、以及音乐在不同文化场域中的动态意义。 第一部分：教育哲学的溯源与批判性反思 第一章：技术理性对音乐经验的遮蔽 本章深入剖析了自启蒙运动以来，技术理性如何渗透并主导了音乐教育的实践。我们将考察笛卡尔式的二元对立思维（心/物、教/学）在音乐教学中制造的认知障碍。重点探讨了在标准化评估体系下，音乐能力如何被简化为可量化的指标，从而扼杀了即兴、创造和情境化理解的可能性。 我们引入了海德格尔的“技术之思”的视角，来审视乐谱和乐器如何从“存在之物”异化为可供支配的“存货”（standing-reserve）。这种视角迫使我们重新思考：当教育的目标仅仅是高效地再现既定文本时，我们是否正在扼杀音乐的生命力？ 第二章：现象学与身体在音乐感知中的核心地位 借鉴胡塞尔和梅洛-庞蒂的现象学思想，本章的核心论点是：音乐体验是根植于身体的、具身的（embodied）过程。音乐知识并非抽象的符号运算，而是通过肌肉记忆、呼吸的起伏、对振动的直接感知而获得的。 我们详细分析了“倾听”这一行为，如何从被动的接收转变为一种积极的、预设性的在场（presence）。通过对演奏者与听众的身体感知进行细致的描述性分析，本书主张任何成功的音乐教学法都必须建立在对学习者“活着的世界”（lived world）的尊重之上。 第三章：实用主义教育观的当代激活 本章将杜威的“做中学”原则置于当代跨学科研究的语境中进行重新阐释。我们关注音乐实践如何成为一种探究性的活动，而非知识的传递过程。实用主义的视角要求音乐教育必须与学习者所处的社会环境和文化实践紧密相连。 我们将探讨“项目式学习”在音乐教育中的应用，但这并非简单的活动组织，而是基于真实问题的解决过程。例如，如何通过音乐创作来回应社区的特定议题，从而使音乐学习的意义得以在行动中被确立和检验。 第二部分：音乐学习的实践转向与情境化构建 第四章：从“再现”到“生成”：即兴与创造力的教学路径 本部分的核心在于区分“再现性学习”与“生成性学习”。本书认为，真正的音乐能力在于对音乐结构进行实时重组和创新的能力。我们将系统梳理非西方音乐传统中成熟的即兴教学方法，并将其精炼为可供借鉴的原则。 详细讨论了“音乐框架”（Musical Frameworks）的构建，这些框架是松散的、可协商的结构，它们既提供了必要的约束以避免混乱，又为个体的声音表达留下了充足的空间。我们提出了一套评估生成性表现的替代性方法，超越了传统音准与节奏的僵硬标准。 第五章：跨文化音乐学视域下的课程设计 现代社会的复杂性要求音乐教育必须超越单一民族或地域的音乐中心主义。本章致力于展示如何将世界音乐纳入核心课程，而不仅仅是作为一种“补充”或“异域风情”。 关键在于理解不同音乐体系的内部逻辑和审美标准。例如，如何从印度拉格体系的“内在时间感”或非洲鼓乐的“交织节奏”中，提炼出可以启发西方音乐学习者的新颖感知方式。这要求教师具备高度的文化敏感性，并能引导学生进行有意识的比较和对话，而非简单的并置。 第六章：技术媒介的介入：工具与媒介的辩证关系 在数字时代，技术不再仅仅是辅助工具，它本身已成为音乐表达的一部分。本章探讨了数字音频工作站（DAW）和算法音乐生成对传统音乐技能的挑战与赋能。 我们主张将技术视为一种“听觉增强的思维工具”，而非取代人脑的计算器。教学的重点应转向：如何批判性地选择和运用媒介，以最有效地表达内在的音乐意图。这包括对声音合成、数字混音美学以及算法逻辑的深入理解，使其成为学习者创造工具箱的一部分。 第三部分：教学者的角色重塑与评估的伦理重构 第七章：教师作为策展人与对话引导者 在新的教育范式下，教师的角色从“知识的权威”转变为“经验的策展人”和“意义的对话引导者”。本章详细阐述了这种转变所需的专业发展。 策展人的职责在于精心选择那些能够激发学生内在探究欲望的音乐文本、材料和实践情境。而对话引导者的核心任务，是建立一个安全、开放的学习环境，使学生敢于提出异议、探索不确定的领域。我们将探讨如何通过反思性实践（Reflective Practice）来持续提升教师的自我意识与教学敏锐度。 第八章：面向成长的评估：从判断到诊断 本书坚决反对将评估工具视为对学生价值的最终裁决。我们将评估视为一个持续的、具有诊断性的过程，其目的是帮助学习者清晰地认识到其当前能力与潜在可能之间的差距。 我们提出了一套基于“过程性证据”的评估体系，该体系侧重于记录学习者在面对复杂音乐任务时的决策过程、修改能力以及对反馈的吸收程度。评估的伦理要求我们必须透明化标准，并确保评估活动本身能够促进而非阻碍学习的深化。 结论：通往完整音乐经验的路径 本书最终导向一个核心愿景：培养能够与音乐建立深刻、个人化且富有责任感的“关系”的学习者。这种关系超越了对作品的表面欣赏，而是融入了实践、批判、文化理解和自我表达。本书提供了一个坚实的理论基石和一系列可供实践检验的方法论框架，为有志于推动音乐教育向前发展的教育者和研究者提供了一条清晰的、充满挑战性的新道路。

评分☆☆☆☆☆

这部作品的出现，无疑给音乐教育界投下了一枚重磅炸弹。我从头到尾读下来，最大的感受是作者在“审美”这个宏大命题下，构建了一套极具操作性和前瞻性的教学框架。它没有停留在空泛的理论说教，而是深入到教学实践的每一个微小环节，比如如何引导学生去“听见”音乐的内在肌理，而不是仅仅“听见”旋律或节奏。尤其让我印象深刻的是书中关于“深度聆听”的章节，作者巧妙地引入了心理学和现象学的视角，试图解析听者心智是如何与声波信息进行意义建构的。这种跨学科的融合，使得整部著作摆脱了传统音乐教材的窠臼，显得既有学术深度，又富于启发性。它迫使我重新审视自己多年来的教学习惯，反思那些被我们视为“理所当然”的教学步骤，究竟在多大程度上真正触及了学生对音乐本体的感知。这本书更像是一份邀请函，邀请所有教育者放下固有的权威姿态，与学生一同踏上探索音乐魅力的未知旅程。

评分☆☆☆☆☆

初读此书，我带着一种近乎挑剔的审视态度，因为市面上的“方法论”书籍往往头重脚轻，开篇宏大叙事，收尾却苍白无力。然而，这部作品的结构设计和论证逻辑却展现出惊人的严谨性。它的章节之间层层递进，从基础的听觉训练模型，过渡到复杂作品的解析范式，最后落脚于情感共鸣与文化语境的交织。最让我感到惊喜的是，作者在阐述教学步骤时，大量使用了富有画面感的比喻和精准的术语，这使得那些原本抽象的教学目标变得具体可感。比如，书中描述“将音乐分析比作解剖一只蝴蝶”，既保留了科学的精确性，又暗示了过程中对对象生命美感的尊重，这种叙事技巧极大地提升了阅读体验。可以说，这本书的价值不仅仅在于提供了一套“如何教”的指南，更在于提供了一种“如何思考”的全新视角，它要求教师不仅是知识的传递者，更是审美体验的设计师。

评分☆☆☆☆☆

对于长期在一线摸爬滚打的教师而言，最痛的点往往在于理论与实际的脱节。我读过不少宣称“革命性”的理论，但在面对不同年龄、不同基础的学生群体时，总感觉“水土不服”。这部书最成功之处，恰恰在于它对这种“适用性困境”的深刻洞察和有效规避。作者并非提供一套僵硬的模版，而是给出了一套灵活可调的“参数设置”。它鼓励教师根据实际课堂情况，对核心理念进行灵活变通。书中详尽探讨了如何处理经典曲目与当代音乐在审美导向上的差异，以及如何平衡技术训练与情感表达之间的张力。我个人特别欣赏它对“错误示范”的分析，直面教学中常见的误区，并给出清晰的纠偏路径，这种坦诚和务实的态度，让这本书读起来倍感亲切，仿佛身边有一位经验丰富的前辈在耳提面命，而非高高在上的理论家在指点江山。

评分☆☆☆☆☆

这本书的文字风格是极其迷人的，它有一种难以言喻的节奏感，与音乐本身的特质形成了奇妙的呼应。行文流畅但不失力度，论证犀利却不带丝毫攻击性，它像一首结构精巧的赋格曲，不同的观点和论据在不同的声部中交织、对话，最终汇集成一个宏大而和谐的整体。读这本书的过程，就像沉浸在一次精心策划的音乐会中，每一个段落的转折都恰到好处地引人入胜。它成功地将教育学、艺术哲学和音乐本体论这三股看似疏离的力量，编织成一幅密不透风的理论之网。对于那些渴望在音乐教育领域寻求突破，却又厌倦了枯燥的学术写作的读者来说，这本书无疑是一股清流。它证明了学术的严谨性与文学的美感可以完美地共存，甚至相互成就。

评分☆☆☆☆☆

我花了好几天时间细细品味这本书，每读完一章，我都会合上书本，在脑海中迅速进行一次“教学场景模拟”。这本书提供了一整套关于“如何激发内在动机”的实用策略，这远比简单地强调“兴趣是最好的老师”要深刻得多。它探讨了审美愉悦的神经基础，解释了为什么某些音乐结构会让人产生“顿悟”感。更重要的是，它为我们提供了一套工具，去系统地引导学生建立自己的音乐价值判断体系，而不是被动接受既有的标准。这对于培养具有独立审美判断力的未来一代至关重要。全书洋溢着对音乐艺术本体的深深敬意，同时也充满了对教育事业的责任感，它不仅仅是本教学参考书，更是一部关于如何“活出”音乐教育的哲学宣言，值得所有相关从业者反复研读，常读常新。