我要学吉他(附光盘中学生版DVD版)/刘传风华系列丛书 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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刘传 编

图书标签:

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店铺： 火把图书专营店

出版社： 长江文艺

ISBN：9787535493590

商品编码：29676181307

开本：16

出版时间：2017-09-01

基本信息

• 商品名称：我要学吉他(附光盘中学生版DVD版)/刘传风华系列丛书
• 作者：编者:刘传
• 定价：25
• 出版社：长江文艺
• ISBN号：9787535493590

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2017-09-01
• 印刷时间：2017-09-01
• 版次：1
• 印次：1
• 开本：16开
• 包装：平装
• 页数：124
• 字数：215千字

内容提要

刘传主编的《我要学吉他(附光盘中学生版DVD版 )》是一本吉他教学音乐书。专门为喜欢演奏乐器的 中学生而编写，精选了中学生耳熟能详的歌曲，幽默 风趣地用通关的方式讲解吉他的弹奏方法，通俗易懂 ，寓教于乐。专为中学生而设计的教程简单实用，讲 解图文并茂，练习丰富多样，可丰富课余生活。配有 教学DVD，*好辅助教学。
    

目录

“攻略秘籍”
**关 寻找“装备”
“攻略秘籍”
“宝贝”1：吉他
“宝贝”2：节拍器
“宝贝”3：校音器
“宝贝”4：变调夹
第二关 “内功心法”入门
“内功心法”1：“调弦大法”
“内功心法”2：“双拳五指诀”
“内功心法”3：持琴四式
“内功心法”4：五线谱
“内功心法”5：简谱
“内功心法”6：六线谱
“内功”测试
第三关 初出“茅庐”
一至六弦基础练习
一弦练习
二弦练习
三弦练习
欢乐颂
四弦练习
五弦练习
六弦练习
铃儿响叮当
一至六弦组合练习
小步舞曲
第四关 “决斗必杀技”
滑音技巧
滑奏技巧
连音技巧
四季歌
倚音技巧
消音技巧与休止符
揉弦技巧
泛音技巧
第五关 天籁和音
一、分解和弦
二、扫弦节奏
第六关 “双剑合璧”
新年好
第七关 独奏“五式”
龙的传人
中学时代
献给艾丽丝
西班牙民谣
罗密欧与朱丽叶
第八关 “笑唱江湖”
我和你
不想长大

音乐的奇妙旅程：一窥《流行音乐鉴赏与赏析》的广阔天地 书籍信息： 《流行音乐鉴赏与赏析》（暂定书名，旨在与您的吉他教材形成内容上的清晰区隔） 目标读者： 对各类流行音乐风格、历史脉络、文化内涵及审美鉴赏有浓厚兴趣的音乐爱好者、大中专学生、以及希望系统了解现代音乐发展趋势的普通读者。 --- 引言：从喧嚣到共鸣——重新发现流行音乐的力量 流行音乐，作为我们时代最直观的文化表达之一，早已超越了简单的娱乐范畴，成为社会情绪的晴雨表、青年文化的载体，乃至艺术表达的先锋阵地。它以最快的速度捕捉时代的脉搏，用最直接的旋律和歌词触动人心。然而，在海量的信息和无尽的播放列表中，我们很容易迷失在表面的“好听”之中，错失了深层结构、创作技巧和文化积淀的魅力。 本书《流行音乐鉴赏与赏析》并非一本教授演奏技巧的工具书，也不涉及任何关于吉他指法、和弦转换或乐理基础的系统教学内容。我们的目标是搭建一座桥梁，引导读者从被动的“听众”转变为主动的“鉴赏家”，去理解流行音乐是如何在结构、和声、节奏、编曲和文化背景的交织作用下，产生持久的艺术生命力和广泛的社会影响力的。 本书将带领读者进行一场跨越半个多世纪的音乐旅行，从早期的摇滚乐、布鲁斯根源，到七八十年代的迪斯科、新浪潮，再到九十年代的嘻哈崛起、千禧年的电子乐浪潮，直至今日多元融合的数字音乐生态。我们将深入剖析不同音乐流派背后的技术、美学追求和时代精神。 --- 第一部分：流行音乐的基石——结构、声音与文化土壤 本部分旨在为读者打下坚实的鉴赏基础，使他们能够用更专业的眼光审视日常听到的音乐。 第一章：流行歌曲的“骨架”——结构与形式的解构 流行音乐虽然看似简单，但其结构组织却蕴含着精妙的设计。本章将详细分析流行歌曲（Pop Song）的核心结构单元，如主歌（Verse）、副歌（Chorus）、桥段（Bridge）、导歌（Intro）和尾声（Outro）的功能和作用。我们将对比AABA、ABABCC等经典结构模型在不同年代的应用变化。 重点解析： 如何通过对比主歌和副歌的旋律张力、节奏密度和和声进行，来判断一首歌的“抓耳度”（Catchiness）和叙事节奏。 案例研习： 分析某首经典金曲的完整结构图，探讨其如何通过段落的巧妙衔接，实现情绪的层层递进。 第二章：音色魔术——编曲、混音与制作艺术 与古典音乐对纯粹音色的追求不同，流行音乐的“音色”是制作人手中最强大的调色盘。本章将聚焦于电子合成器、采样技术、乐器配置的选择如何塑造特定流派的声音签名。 不涉及的方面： 本章完全不涉及任何乐器（包括吉他）的演奏技法或如何录制这些乐器。 关注点： 探讨合成器音色的演变史（如Moog到Serum的跨越）、鼓组采样的文化意义（例如，对“垃圾桶鼓”或特定混响的偏爱），以及混音（Mixing）和母带处理（Mastering）如何决定一首歌在不同播放设备上的听感体验。 第三章：节奏的舞蹈——从律动到律法 节奏是流行音乐的驱动力。本章将从律动（Groove）的角度切入，区分摇滚的强驱动感、放克（Funk）的切分错位、电子乐的稳定脉冲以及嘻哈音乐的复杂切片。 对比分析： 比较不同风格中鼓点、贝斯线和伴奏乐器之间的相互作用，探讨“律动感”是如何通过微妙的时间提前或延迟来实现的，而非僵硬的节拍器模仿。 --- 第二部分：流派的演变——历史脉络与风格剖析 本部分将追溯流行音乐的主要流派，强调其社会文化背景和相互影响。 第四章：根源的觉醒——摇滚与布鲁斯的精神继承 探讨二十世纪中叶摇滚乐的诞生，如何从布鲁斯、乡村音乐中汲取养分，并迅速成为反叛精神和青年文化的象征。 核心流派： 电声摇滚（Rock and Roll）、迷幻摇滚（Psychedelic Rock）的时代背景。 文化侧写： 分析特定乐队的歌词主题如何反映当时的社会思潮（如民权运动、反战情绪）。 第五章：节奏的颠覆——嘻哈、放克与R&B的崛起 本章重点解析节奏蓝调（R&B）如何演化为更具城市特色的放克（Funk），以及采样技术如何催生了嘻哈（Hip-Hop）文化，并最终影响了全球流行音乐的主流形态。 技术洞察： 探讨DJ技术和采样器在嘻哈音乐创作中的革命性地位。 审美差异： 辨析早期灵魂乐与现代R&B在和声色彩和人声处理上的关键区别。 第六章：电子脉搏——舞曲、新浪潮与合成器的统治时代 聚焦于电子音乐技术的发展如何重塑了流行音乐的听觉景观。从迪斯科的复兴到八十年代合成器流行乐（Synth-Pop）的主导地位，再到九十年代地下舞曲（Rave Culture）的兴盛。 乐器演变史： 关注合成器和鼓机（如Roland 808/909）如何定义了一个时代的声音特征。 --- 第三部分：鉴赏的进阶——审美、叙事与商业逻辑 本部分超越了对风格的描述，深入探讨音乐作品背后的艺术意图和市场运作机制。 第七章：歌词的深度——叙事、隐喻与诗意表达 流行歌曲的歌词是其最直接的情感出口。本章将教授如何进行歌词的文学性分析，识别其中使用的修辞手法、象征意义，以及它如何与旋律、和声共同构建一个完整的故事。 分析框架： 如何区分“直白叙事型歌词”和“抽象意境型歌词”。 特别关注： 流行音乐中关于社会批判、个人情感和身份认同主题的表达演变。 第八章：和声的色彩——情绪的调控器 和声进行是歌曲情绪的“潜意识语言”。本章将用通俗易懂的方式，解释流行音乐中常见的和弦进行（如卡农进行、Blues音阶的应用）如何影响听者的感受。 重点辨识： 如何通过主导和弦（Tonic）、属和弦（Dominant）以及代理和弦的变化，快速判断一首歌的“走向”（是开放、解决还是紧张）。 第九章：商业与艺术的张力——流行音乐的生态系统 流行音乐的本质是面向大众的市场化艺术。本章探讨行业运作规律，包括唱片公司推广策略、排行榜的构成逻辑、以及艺术家如何在保持艺术独立性和迎合市场需求之间寻求平衡。 案例研究： 分析一个现象级爆款单曲的“工业链条”，从创作人、制作人到推广策略的全过程。 --- 结语：通往更广阔的音乐世界 本书提供了一套系统的、多维度的流行音乐鉴赏工具。掌握了这些分析方法，读者将能够更加自信和深入地享受音乐，不再仅仅依赖于播放列表的推荐，而是能主动去探索、去批判、去喜爱那些真正具有价值的作品。音乐的旅程永无止境，本书只是您下一段探索的起点。

评分☆☆☆☆☆

我必须得好好说说我新入手的这本关于作曲理论的“武功秘籍”——《电影配乐的叙事结构与情感张力》。这本书完全颠覆了我对“配乐就是为画面服务”的刻板印象。它深入探讨了音乐元素如何主动地构建叙事、引导观众情绪，甚至能在没有画面的情况下，仅凭音乐就能讲述一个完整的故事。作者“伊莲娜·维斯塔”的文笔极其犀利且富有洞察力，她不是在教你怎么写一段旋律，而是在教你怎么“思考”音乐在特定情境下的“功能性”。书中花了大量篇幅剖析了从希区柯克的经典悬疑片到诺兰的烧脑科幻片中，不同乐器组（比如弦乐的颤音、铜管的闷音）是如何被用来暗示角色的内心冲突或预示灾难的来临。最精彩的是关于“主题动机”的运用，它详细拆解了数部经典电影中，同一个旋律动机如何在不同的和声背景下，表达出从希望到绝望的巨大转变，这种对比分析做得极其到位。我跟着书中的分析，重新看了一遍《星球大战》，光是听约翰·威廉姆斯对“命运主题”的几次微小变奏，就能让人对达斯·维达这个人物的挣扎理解得更深刻。这本书的厚度让人有点胆怯，但每一页都干货满满，非常适合已经有一定乐理基础，想提升自己音乐表达深度的创作者，它能让你不再满足于“写好听的音乐”，而是学会“写有意义的音乐”。

评分☆☆☆☆☆

我最近沉迷于一本关于古钢琴演奏技巧的书，名字叫《巴赫键盘作品的触键哲学》。这本书的作者“汉斯·施耐德”明显是一位对历史演奏实践有着执着钻研的学者。与其他仅仅停留在音符层面的解读不同，这本书的核心在于对“指尖与琴键接触的瞬间”的哲学探讨。施耐德教授详细考证了十八世纪羽管键琴（Harpsichord）和早期古钢琴（Fortepiano）的机械构造差异，并以此推导出当时演奏者对力度和音色的控制是如何实现的。比如，他花了整整两章来讨论“非渐强渐弱”原则下，如何通过调整指尖的“停留时间”和“重量分配”来创造出清晰的复调层次感，而不是简单地用强弱来区分旋律线。书中大量的图表展示了不同指法在巴赫赋格曲中如何有效地分离声部，比如如何用小指精准地“勾勒”出隐藏的旋律线。这本书的文字风格非常严谨，充满了德语式的思辨深度，有时候读起来确实需要反复咀嚼，但这正是我喜欢它的地方——它强迫我放慢速度，去重新审视每一个音符背后的演奏意图。对于那些希望真正理解巴赫时代演奏美学的专业人士或高级学习者来说，这本书提供的视角是无价的，它让我明白，演奏古音乐，很多时候是“减法”的艺术，而非“加法”。

评分☆☆☆☆☆

要说最近让我眼前一亮的音乐书籍，非《电子音乐采样与声音设计原理》莫属。这本书的作者团队看起来就是一群混迹在顶级录音棚里的“声音魔术师”，他们的语言风格充满了科技感和对“未知声音”的探索欲。这本书完全抛弃了传统乐理的框架，直接切入数字音频处理的核心：如何从一个最基础的正弦波开始，通过波表合成、调制（Modulation）、滤波（Filtering）等一系列操作，创造出前所未有的音色。它详细拆解了诸如“FM合成”和“颗粒合成”这两种听起来高深莫测的技术，但讲解方式却异常直观，很多概念都是通过具体的DAW（数字音频工作站）界面截图来配合说明的，让你在阅读的同时就能打开软件进行操作验证。我印象特别深刻的是关于“失真与饱和”那一章，它没有简单地告诉你“失真会让声音变厚”，而是精确地分析了不同类型的失真算法如何影响泛音结构，从而产生“温暖的电子管饱和”或是“刺耳的数字削波”。这本书的实用性极强，它更像是一本高阶的“工具书+实验手册”，对于那些热衷于制作氛围音乐、IDM或者前卫电子乐的制作人来说，它提供的不仅仅是技巧，更是一种“声音构建”的全新思维模式，让人忍不住想立即去创造一些从未存在过的声音片段。

评分☆☆☆☆☆

最近拜读了《非洲鼓节奏与身体律动解析》，这本书的震撼力完全在于它的“身体力行”层面。它不是那种端坐在钢琴前研究五线谱的理论书籍，而是一本活生生的、让你想立刻动手敲打的“行动指南”。作者“阿米尔·科内”似乎拥有将非洲大陆的原始生命力注入纸张的能力。全书的重点在于“律动（Groove）”的培养，他反复强调，鼓手首先得是身体的一部分，节奏不是“被演奏”出来的，而是“被感受”和“被呼吸”出来的。书中用大量的图示和详细的身体动作分解图，教会读者如何正确地运用手掌、指尖、拳头乃至身体的摇摆去发出不同的音色，从深沉的“巴斯音”到清脆的“拍击音”，区分得异常细致。我试着跟着书中的“呼喊”练习来同步我的呼吸和敲击，一开始手忙脚乱，但坚持了几天后，那种感觉真的很奇妙，仿佛身体里有股原始的能量被唤醒了，不再是机械地数拍子，而是真正进入了“循环”的状态。这本书的配图精美到足以被当成艺术品收藏，而且，它还附带了一个非常棒的音频资源库，包含了上百种不同的节奏型，从塞内加尔的传统庆典节奏到现代融合音乐的变奏，真正做到了理论与实践的完美结合。

评分☆☆☆☆☆

天哪，我最近刚淘到一本宝典，简直是我的“相见恨晚”系列！我说的这本书叫《爵士钢琴即兴入门》，作者是位名叫“布鲁斯·霍华德”的音乐怪才。这本书的排版和设计简直是教科书级别的典范，完全没有那种让人望而却步的学院派的刻板，反而充满了活力和亲切感。它不是那种干巴巴地堆砌乐理知识的书，而是像一位经验丰富的老乐手手把手带着你进入那个迷幻又自由的爵士世界。第一章就开始讲“和弦色彩的魔术”，怎么把那些听起来平平无奇的大三和弦，通过加上七音、九音，瞬间变得“有味道”起来，那种描述的画面感极强，仿佛能闻到音乐厅里特调的威士忌香气。而且，作者非常注重“耳朵的训练”，书中设计了一系列听力练习，不是简单的音高辨认，而是让你去捕捉和声进行中的“情绪变化”。我花了整整一周的时间，跟着书里的示范录音，尝试用自己的方式模仿那些“蓝调推弦”的感觉，虽然过程很折磨，但一旦抓到一点点门道，那种成就感简直无与伦比。这本书最让我佩服的是，它成功地将复杂如“转位”和“和声替代”这些概念，通过非常生活化的比喻解释清楚，而不是用一堆复杂的数学公式把你绕晕。对于那些想从古典乐或者流行伴奏跳跃到爵士领域的朋友来说，这本书简直是架起了一座最坚实的桥梁，让人信心倍增，感觉自己离那个潇洒自如的即兴演奏家不远了。