音乐理论简单学(1)/我爱乐理 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 木垛图书旗舰店

出版社： 广西师大

ISBN：9787559801555

商品编码：29676382342

开本：8

出版时间：2018-03-01

基本信息

• 商品名称：音乐理论简单学(1)/我爱乐理
• 作者：编者:(马来)琳娜昂|译者:陈娴
• 定价：40
• 出版社：广西师大
• ISBN号：9787559801555

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2018-03-01
• 印刷时间：2018-03-01
• 版次：1
• 印次：1
• 开本：8开
• 包装：平装
• 页数：48
• 字数：50千字

内容提要

“我爱乐理”这套系列乐理书编者为来自马来西 亚的琳娜昂，作者有多年音乐教育实践经验。
     《音乐理论简单学(1)》是特别为4岁儿童所设计 的版本，书中有许许多多的练习与游戏。可以引导儿 童从这些书中找到学习音乐的*大兴趣。并且还可以 与“英皇乐理考级”同步使用！

目录

音符时值(Time Values)
拍号(Time Signatures)
复习l(Revision 1)
五线谱上的音符(Notes on the Stave)
十六分音符(Semiquaver)
复习2(Revision 2)
休止符(Rests)
延音线(Ties)
附点音符(Dotted Notes)
复习3(Revision 3)
临时记号(Accidentals#b □)
半音程和全音程(Semitones and Tones)
调号(Key Signatures)
复习4(Revision 4)
音阶(Scales)
音程(Intervals)
主三和弦(Tonic Triads)
复习5(Revision 5)
编写节奏(Rhythm Writing)
演奏指示(Performance Directions)
综合练习(General Exercises)
找出意大利术语游戏(Know your Italian Terms Game)
纵横填字游戏(Crossword Puzzle Game)

音乐理论入门与实践：构建你的音乐世界 本书特色： 系统性与趣味性并重： 从最基础的乐理知识入手，逐步深入到和声、曲式等更复杂的音乐构成要素，同时穿插大量的实例分析和听力练习，让学习过程充满乐趣。 理论与实践紧密结合： 不仅讲解“是什么”，更强调“怎么用”。大量的练习题、创作引导和演奏技巧提示，帮助读者将理论知识转化为实际的音乐表达能力。 多媒体辅助学习： 配合在线音频资源和互动练习平台，提供听觉上的直观感受，加深对抽象概念的理解。 --- 第一部分：音乐的基石——音高、节奏与节拍 本部分旨在为初学者打下坚实的音乐基础，如同学习一门新语言，首先需要掌握字母和基本语法。我们将深入探讨构成音乐世界的最基本元素。 第一章：声音的奥秘与音的定位 声音的本质是振动，而音乐则是组织化的声音。本章首先介绍声音的物理特性——音高、音色和强度，并重点阐述音高在音乐中的核心地位。 音的产生与识别： 探讨频率与音高的关系，介绍科学记音法（如A4=440Hz）以及不同的记谱系统（如简谱与五线谱的转换）。 音级与半音全音体系： 详尽解释十二平均律的基本构成，剖析全音与半音这两个音乐建筑的“砖块”。理解音程的构成，并学会计算和识别各种音程（如大三度、纯五度）。 键盘与指板的对应： 针对钢琴或吉他等乐器，直观展示音高在键盘或指板上的位置，帮助读者建立声音与视觉的对应关系。 第二章：节奏的脉动与节拍的骨架 节奏是音乐的“时间结构”，赋予音乐生命力。没有节奏，声音将是杂乱无章的堆砌。 时值与休止符： 学习全音符、二分音符、四分音符及其对应的休止符，理解不同时值在时间轴上的精确划分。 拍号的解读： 深入解析不同类型的拍号（如2/4、3/4、4/4、6/8），区分拍子的强弱规律（重音、次重音），理解小节线的意义。 复节奏与切分音： 介绍如何打破常规的重音模式，通过切分音创造出律动感和张力，这是爵士乐和流行音乐中常用的技巧。 节奏的听辨训练： 强调听觉的重要性，提供一系列练习，要求读者在听音乐时准确捕捉并记录其拍号和基本节奏型。 --- 第二部分：色彩与结构——调性、和弦与功能 一旦掌握了音高和节奏，我们便可以开始“组织”声音，赋予其色彩和意义。这一部分聚焦于调性系统和和声的初步概念。 第三章：调性：音乐的“家”与方向感 调性是西方音乐赖以建立逻辑和情感联系的框架。 大调与小调的构建： 详细讲解大调音阶（全全半全全全半）和小调音阶（自然、和声、旋律）的生成规则，分析它们在情感表达上的差异。 关系大小调与平行大小调： 掌握大小调之间的相互转换关系，理解它们共享的音符集合，这是分析曲谱和移调的基础。 调号的视觉识别： 系统梳理升降号在调号中的排列顺序（升号的FCGDBEA和降号的B E A D G C F），并提供快速查阅和记忆的方法。 调式音乐简介： 简要介绍七声音阶以外的调式（如多利亚、弗里吉亚），为读者接触更广阔的音乐领域铺路。 第四章：和声的初步探索——和弦的搭建 和弦是音乐织体的核心，它们是垂直叠加的声音组合，决定了音乐的丰富性和张力。 三和弦的构造原理： 重点讲解如何通过“三度叠加”法构建大三和弦、小三和弦、增三和弦和减三和弦，并清晰区分它们的情感倾向。 和弦的转位与根音： 理解和弦转位如何改变低音声部，从而影响整体听感，而无需改变和弦的本质。 功能和声的引入： 介绍主和弦（Tonic）、属和弦（Dominant）和下属和弦（Subdominant）这“三大家族”的概念，它们是构建基础乐段的粘合剂。 七和弦的初步接触： 扩展到更具色彩的属七和弦，了解其导向主和弦的强大倾向性。 --- 第三部分：叙事与逻辑——曲式分析与和声进行 本部分将视角从单个音符和和弦提升到篇章结构层面，学习如何分析音乐的“故事线”。 第五章：和声的进行：连接和弦的逻辑链条 和弦的排列组合不是随意的，它们遵循一套既定的“语法”。 和声功能转换： 详细分析T-S-D-T（主-下属-属-主）等最常见的和声进行模式，理解和声如何推动音乐向前发展，制造期待感和解决感。 导音的魔力： 再次强调导音（七级音）在属和弦中解决到主音的重要性，这是调性音乐解决张力的关键。 变和弦与离调： 介绍如何利用变音进行暂时的色彩变化（如那不勒斯六和弦或减七和弦），使乐曲在保持主调性的同时，增添戏剧性的对比。 和声分析实例： 对巴赫的简单对位曲或莫扎特的奏鸣曲片段进行和声标记，让读者亲手体验分析过程。 第六章：曲式结构：音乐的建筑蓝图 曲式是音乐的宏观组织形式，它决定了一首乐曲的平衡感和完整性。 小型曲式： 深入剖析二部曲式（A-B）和三部曲式（A-B-A）的结构特征、主题材料的对比与再现，以及它们在民谣和简单器乐中的应用。 奏鸣曲式概述： 简要介绍奏鸣曲式（呈示部、展开部、再现部）作为古典音乐的核心框架，重点在于理解主题的冲突、发展与最终解决。 变奏曲与回旋曲： 学习通过对主题进行节奏、和声或织体上的改变来构成长篇乐章的方法。 流行音乐的结构模式： 结合现代音乐（如流行歌曲），分析主歌（Verse）、副歌（Chorus）、桥段（Bridge）的功用和相互关系。 --- 第四部分：更高阶的视野——配器与创作思维 本部分旨在拓宽读者的音乐视野，从理论学习者转变为具有独立思考和创造能力的音乐人。 第七章：旋律与对位：声音的交织艺术 旋律是音乐的“面孔”，而对位则是复杂旋律线的艺术性结合。 优秀的旋律线特征： 探讨旋律的轮廓、级进与跳进的平衡、乐句的呼吸感，并学习如何创作出易于记忆且富有表情的旋律。 简单对位法基础： 介绍平行五度、八度的回避原则，以及两条独立旋律线如何和谐共存，为学习巴赫作品打下基础。 织体与配器初探： 区分主调音乐、复调音乐的织体特点，并根据不同乐器（弦乐、木管、铜管）的音域和音色特点，初步了解配器的基本原则。 第八章：从理论到实践：音乐的聆听与创作 理论知识只有在应用中才能真正内化。本章引导读者进行主动的音乐实践。 主动聆听技巧： 如何在欣赏音乐时，不仅感受情绪，还能分辨出正在使用的和弦、调性变化和曲式结构。 和声作业与即兴： 鼓励读者尝试为简单的旋律配上三和弦伴奏，并进行基本的四部和声练习。 创作流程的梳理： 提供一套从灵感捕捉到结构搭建、再到配器润色的完整创作路径建议，帮助读者打破“创作瓶颈”。 --- 结语： 音乐理论并非束缚，而是解放创造力的工具。掌握了这些规则和结构，你才能更自由、更有深度地理解、欣赏和创作音乐。这本书提供的是一张地图，带领你穿越音乐的广袤大陆，接下来的探索，将由你亲自完成。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计得非常吸引人，色彩搭配和谐，字体选择既现代又不失专业感。初次拿到手时，那种纸张的质感就很棒，让人忍不住想立刻翻开阅读。我最欣赏的是它对复杂概念的处理方式，作者似乎深谙如何将那些原本枯燥的乐理知识，用一种平易近人、甚至带点幽默感的方式呈现出来。比如在讲解和声进行时，他没有直接抛出那些晦涩的术语，而是用生动的比喻，仿佛在讲述一个音乐故事，让你在不知不觉中就掌握了核心原理。我记得有一次我在为一段旋律配和声感到头疼，试了好几种方法都不理想，后来翻到书里的这个章节，作者提供了一个“替代和弦的思维导图”，一下子就点亮了我的思路。这种循序渐进的引导，尤其适合那些像我一样，有着一定音乐基础，但总觉得乐理知识不够系统、不够“活”起来的音乐爱好者。它更像是一位耐心的导师，而不是冷冰冰的教科书，让人在阅读过程中充满了探索的乐趣，而不是被知识点压得喘不过气。这本书的排版也极其考究，图文并茂，关键的公式和图示都非常清晰，这一点对于视觉学习者来说简直是福音。

评分☆☆☆☆☆

阅读体验中，最让我印象深刻的是作者在处理“模态调式”（Modal Interchange）那一章时的手法。这是一个相对高级且容易混淆的主题，但这位作者却能用一种近乎诗意的语言来描述不同调式带来的情绪张力。他没有简单地罗列教会调式（Dorian, Phrygian, Lydian等）的音阶结构，而是深入探讨了它们各自的“性格”——比如Lydian带来的那种开阔、略带梦幻的感觉，或是Aeolian的内敛与忧郁。我感觉自己像是在品尝不同口味的美酒，每一种调式都有其独特的风味。此外，书中对转调技巧的讲解也十分到位。它提供了一个清晰的框架，告诉你如何从一个调“平稳地”过渡到另一个调，而不是生硬地跳跃。书中给出的“枢纽音”和“共同和弦”的策略，简直是现场即兴或编曲时的救星。我曾尝试用这些方法为一个老歌进行再编曲，效果出奇的好，原本平淡的副歌部分因为合理的转调而变得大气磅礴。这本书的价值在于，它教会的不是“做什么”，而是“为什么这么做”，这种内在逻辑的建立，是任何速成技巧都无法替代的。

评分☆☆☆☆☆

这本书的叙事节奏掌握得非常巧妙，它不是那种一板一眼，按部就班的教学模式。你会发现，它会时不时地穿插一些历史小典故或者著名作曲家的轶事，这些“花边”内容不仅调剂了阅读的枯燥感，更重要的是，它们为乐理知识提供了鲜活的时代背景。比如，当它讲解奏鸣曲式时，会提到莫扎特和贝多芬在处理呈示部和再现部上的细微差别，这立刻让抽象的结构概念变得有血有肉，有了生命力。这种结合历史和实践的讲解方式，极大地激发了我对音乐史和分析学的兴趣，原本觉得分析曲子是一件苦差事，现在却变成了一种侦探游戏。更让我感到惊喜的是，书中对“听觉训练”这块的重视程度。它不仅仅停留在纸面上，还引导读者去主动辨别不同的调式色彩，甚至设计了一些“听辨练习清单”。虽然我还没有完全掌握所有的技巧，但光是按照书里的建议去“有意识地聆听”，我的耳朵明显变得敏锐了许多，能捕捉到以前忽略的那些细微的和声色彩变化。这绝对是一本能让你“听得更懂”的书，而不仅仅是“看得更明白”。

评分☆☆☆☆☆

这本书的结构安排非常科学，它很注重知识的迭代和累积。第一部分打下的基础，在后续讲解到更复杂的十二平均律或无调性音乐概念时，会显得尤为重要，你会发现作者前面埋下的伏笔在后面都得到了巧妙的呼应和延伸。这一点非常适合那些想进行系统性学习的读者，它确保了你的知识体系是坚固且互相支撑的。而且，这本书的“易错点”提示做得非常到位。作者似乎非常了解初学者在哪些地方会绊倒，比如在理解增六和弦的解决方式时，书里特别标注了几个常见的思维误区，并给出了详细的纠正步骤。这种预判性的指导，大大减少了我走弯路的时间。我特别喜欢它在每一章末尾设置的“自测与反思”环节，这些问题往往不是简单的知识点回忆，而是需要你运用所学知识去解决一个小小的音乐难题，这种互动性极大地提升了学习效率。这本书的最终目的，不是让你成为一个理论家，而是让你成为一个更自由、更自信的音乐实践者，它提供的工具箱足够丰富，让你在面对任何音乐创作挑战时，都能找到应对之策。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我最初对“简单学”这几个字是持保留态度的，毕竟音乐理论向来被认为是高深的学问，用“简单”来形容，难免有夸大的嫌疑。然而，这本书真正做到了化繁为简，但绝非肤浅。它的深度恰到好处，像是在为你打开一扇门，让你看到理论的全貌，而不是只给你看门缝里的一点点光亮。我尤其喜欢它在介绍节奏和节拍时的那几页内容。通常，我们学到后面就会忘记最基础的律动感，这本书通过设计一些小练习和口诀，强迫你用身体去感受，而不是仅仅用眼睛去看五线谱上的数字。这种“身体力行”的学习方法，极大地巩固了我对时值关系的理解。我曾经在即兴演奏中遇到瓶颈，总感觉自己的和声色彩不够丰富，这本书提供了一个从功能和声向延伸和声过渡的清晰路径，它没有强迫你记住所有的“规则”，而是告诉你这些规则背后的逻辑——音乐的听觉感受和心理预期。这种逻辑层面的讲解，让我的演奏不再是机械地套用公式，而是真正有了自己的思考和选择。这对于一个渴望从“演奏者”向“创作者”转型的乐手来说，是极其宝贵的指引。