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店铺： 土星图书专营店

出版社： 人民音乐

ISBN：9787103055014

商品编码：29677801556

开本：32

出版时间：2018-04-01

基本信息

• 商品名称：外国音乐教师培养概览
• 作者：编者:杜晓十|总主编:杨瑞敏
• 定价：69
• 出版社：人民音乐
• ISBN号：9787103055014

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2018-04-01
• 印刷时间：2018-04-01
• 版次：1
• 印次：1
• 开本：32开
• 包装：平装
• 页数：610

内容提要

杜晓十主编的《外国音乐教师培养概览》选取八 个**作为研究对象，涵盖了世界四个大洲，分别为 欧洲：德国、英国、俄罗斯；美洲：美国、加拿大； 大洋洲：澳大利亚、新西兰；亚洲：日本。这八个国 家都是发达**，在各级教育基础和教育水平上具有 较深厚的积淀，同时又分别具有各自不同的特色。从 某种意义上讲，这八个**基本代表了当今世界音乐 教师教育的较高水准。
    

目录

前言
澳大利亚音乐教师培养
一、音乐教师培养的历史沿革
二、与音乐教师培养相关的政策与法案
三、音乐教师的培养模式
四、音乐教师培养的课程结构
五、音乐教师的资格认证
加拿大音乐教师培养
一、教师管理和培养的基本情况
二、音乐教育及音乐教师培养的历史沿革
三、音乐教师培养的基本情况
四、五所大学音乐教育专业的课程设置
五、加拿大中小学音乐教育
德国音乐教师培养
一、19世纪音乐教师培训体制初建
二、20世纪初期音乐教育改革与音乐教师培训发展
三、20世纪中期至末期的教师培养
四、当代德国音乐教师培养模式
五、关于音乐教师培养的研究和讨论
六、教师教育改革与音乐教师培养展望
七、结语
英国音乐教师培养
一、英国音乐教师培养概述
二、英国音乐教师培养的课程设置
三、英国音乐教师注册与教师资格认证
四、英国音乐教师培养的研究视角与改革实践
日本音乐教师培养
一、学校教育制度下音乐教师培养的历史沿革
二、高等师范音乐教育课程与中小学音乐教师的培养
三、日本中央教育审议会有关今后教师培养、资格制度的问题(概要)
四、结语
新西兰音乐教师培养
一、新西兰教育概况
二、新西兰大学音乐教育专业课程设置
三、新西兰音乐教师培养管理模式及相关政策法规
四、新西兰音乐教师继续教育
五、结语
俄罗斯音乐教师培养
一、俄罗斯音乐教育及音乐教师培养
二、俄罗斯音乐教师培养**标准
三、莫斯科师范大学对音乐教师的培养
美国音乐教师培养
一、美国音乐教师培养的历史沿革与当代重要事件
二、美国音乐教师培养的现状
三、美国音乐教师培养的优势特征及未来动向

《世界古典音乐大师传略》 书籍简介 本书旨在为读者呈现十九世纪至二十世纪初，那些塑造了西方古典音乐面貌的巨匠们跌宕起伏的生命轨迹与不朽的艺术成就。这不是一本枯燥的音乐史编年史，而是通过深入的个案分析，揭示这些音乐家如何在其所处的时代背景下，进行艺术的探索、革新与痛苦的挣扎。全书聚焦于七位代表性人物：路德维希·凡·贝多芬、弗朗茨·舒伯特、理查德·瓦格纳、约翰内斯·勃拉姆斯、克劳德·德彪西、伊戈尔·斯特拉文斯基以及德米特里·肖斯塔科维奇。 第一部分：古典精神的巅峰与浪漫的序曲 (贝多芬与舒伯特) 一、贝多芬：从古典到浪漫的桥梁 本书将贝多芬的生平划分为三个清晰的阶段：维也纳早期对海顿与莫扎特技法的继承与磨练；中期在耳聋的巨大生理挑战下，迸发出英雄主义和个人意志的表达，体现在《英雄交响曲》与中晚期弦乐四重奏中；以及晚期超越一切世俗束缚，直抵人类精神深处的哲学探索。重点分析其作品中“冲突与和解”的核心母题，如何将奏鸣曲式推向了前所未有的戏剧性和结构复杂度。我们考察他与费迪南德·冯·波尔的友谊对他的影响，以及他晚期对于宗教与人道主义哲学的思考如何融入其最后的作品之中。 二、舒伯特：旋律的天才与悲剧的挽歌 舒伯特常被视为“抒情的殉道者”。本书侧重探讨他作为“室内乐大师”被低估的成就，而非仅仅是“艺术歌曲之王”。解析他如何在他短暂的生命中，以惊人的速度创作出海量的Lieder，并探讨其音乐语言中那种特有的、介于明朗与忧郁之间的“德式”感伤。特别关注《冬之旅》中的叙事技巧，以及他规模宏大的交响曲（如《未完成》与《伟大》）如何预示了浪漫主义后期对交响诗体裁的向往。他的社交圈——“舒伯特主义”的沙龙文化——也是我们考察其创作环境的关键一环。 第二部分：巨人的时代与艺术的革命 (瓦格纳、勃拉姆斯与德彪西) 三、瓦格纳：理念与舞台的交响 瓦格纳的篇章不仅关注其音乐上的革新——例如主导动机（Leitmotif）的系统性应用、对和声的极致拓展以及对“乐剧”（Gesamtkunstwerk）理论的建构——更深入剖析其政治倾向、反犹主义思想与艺术哲学的复杂纠葛。我们详细分析《尼伯龙根的指环》的结构布局，以及《特里斯坦与伊索尔德》中“三全音”的和声语言如何彻底打破了调性体系的稳定边界，成为二十世纪无调性音乐的先声。 四、勃拉姆斯：保守主义的捍卫者 作为与瓦格纳/李斯特“新德意志乐派”对立的“保守派”的旗手，勃拉姆斯的创作更像是一场对巴赫与贝多芬传统的深情回望与理性继承。本章着重分析他如何将严谨的对位法与浪漫主义的抒情性完美融合。我们将细致解读他的室内乐作品，特别是钢琴五重奏和单乐章奏鸣曲，考察他如何通过细致的动机发展（Entwicklung）来实现宏大的结构统一，而非依靠华丽的管弦乐色彩来取悦听众。 五、德彪西：印象的色彩大师 德彪西标志着音乐从“表现主义”（Expressionism）向“暗示”（Suggestion）的转向。本书不采用僵硬的“印象派”标签，而是将其置于法国象征主义文学与视觉艺术的语境中。着重分析其对音色（Timbre）的痴迷，以及他如何运用全音音阶、五声音阶和复杂的和弦外音（如九和弦、十一和弦）来创造一种流动的、非目的性的听觉体验。对《牧神午后前奏曲》和《夜曲》的分析，将揭示他如何解构传统调性逻辑，开启了现代音乐的“声响空间”。 第三部分：二十世纪的冲突与实验 (斯特拉文斯基与肖斯塔科维奇) 六、斯特拉文斯基：风格的变色龙 斯特拉文斯基的艺术生涯被划分为清晰的阶段：早期对原始主义的暴力探索（以《春之祭》为代表，探讨其节奏的断裂性与对“野蛮”的崇拜）；中期对新古典主义的回归，分析其如何以二十世纪的透镜重新审视巴洛克与古典时期的形式结构；以及晚期的序列主义尝试。本书关注他如何通过对不同历史风格的“引用”与“拼贴”，来探讨音乐的本质与现代性之间的关系。 七、肖斯塔科维奇：体制下的呻吟者 肖斯塔科维奇的音乐是极权统治下知识分子生存状态的深刻写照。本章深入探讨其作品中的“双重编码”现象：表面上符合官方意识形态的抒情表达，与潜藏在隐晦动机、讽刺性配器与结构安排中的个人痛苦与批判。通过对第五号与第十号交响曲的深入解读，分析其如何运用贝多芬式的“英雄主义”姿态，来掩盖和表达对斯大林主义的恐惧与反抗，使他的音乐成为二十世纪最具社会责任感的艺术表达之一。 结论：传统的延续与未来的分野 本书最后总结了从古典晚期到现代中期的音乐发展脉络，探讨了技术进步（如录音技术、乐器制造改进）对作曲家创作意图的影响。我们强调，尽管作曲家们在风格上南辕北辙，但对结构完整性、情感深度以及对听众心理的精确把握，却是贯穿这些大师作品的共同线索。本书意在提供一个多维度的视角，帮助读者理解古典音乐如何不仅仅是优美的旋律，更是时代精神、个人命运与艺术形式之间永恒的对话。 目标读者 本书适合所有对西方音乐史有深入了解兴趣的爱好者、音乐专业学生、以及对十九、二十世纪艺术思潮感兴趣的普通读者。本书不要求读者具备专业的乐理知识，但会提供必要的、清晰的音乐术语解释，以便理解复杂的音乐结构分析。

评分☆☆☆☆☆

这部作品的深度和广度简直令人惊叹，它如同一个精心编织的音乐万花筒，将不同文化背景下的音乐教育图景徐徐展开。首先，它在对早期音乐启蒙阶段的探讨上，就展现出了一种极为细腻的笔触。作者似乎并不满足于罗列教学方法，而是深入挖掘了不同国家和地区对于“音乐性”的底层认知差异。比如，书中对某个北欧国家在幼儿音乐游戏中强调的集体和谐与自我表达平衡的叙述，就让我这个长期从事古典音乐教育的人大开眼界。那种将音乐视为一种生活方式而非仅仅是技能训练的理念，通过生动的案例得以体现。特别是关于如何跨越语言障碍进行音乐情感交流的章节，作者引用了大量一手访谈资料，使得理论不再是冰冷的文字，而是有温度的实践印证。我甚至能想象出那些远在异国他乡的音乐教师们，是如何在面对完全陌生的文化语境时，调整自己的教学策略，那种智慧与韧性，远超乎我原先的想象。这本书真正做到了“概览”，但这个“概览”绝非浮光掠影，而是对复杂教育生态的一次精准速写，令人读后对全球音乐教育版图的复杂性有了全新的认识。

评分☆☆☆☆☆

读完这部分内容，我感觉仿佛完成了一次高强度的智力漫步。它在处理专业化和普适性之间的平衡上，达到了一种近乎完美的境界。对于那些深陷于自己专业领域、视野略显狭隘的音乐教育者来说，这本书无疑是一剂清醒剂。它没有陷入对某一特定乐器或流派的过度推崇，而是将目光聚焦于“教师”这个核心载体。书中有一处关于教师职业倦怠的分析，我印象极为深刻，它将教师的心理压力与教育体制的僵化和家长期望值的不断攀升做了关联分析，提供了一套极具操作性的自我调适框架，这一点在以往的教育学著作中鲜有提及。更妙的是，作者在论述过程中，巧妙地嵌入了不同历史时期对“优秀音乐教师”定义的演变，使得我们不仅知道“现在应该怎么做”，更明白了“我们是怎么走到今天的”。这种历史纵深感，让整部作品的论述显得尤为坚实，绝不是一时兴起的观点集合，而是经过了时间沉淀和多方检验的理论结晶。我个人认为，这本书对于培养具有批判性思维的教育者，具有不可替代的价值。

评分☆☆☆☆☆

我必须承认，阅读这本书的过程，是一次对自身专业舒适区的挑战。它在探讨技术革新对音乐教学影响的章节，尤其让我感到震撼。过去，我们总是倾向于将技术视为辅助工具，是播放伴奏或者记录进度的手段。然而，书中描绘的那些在最前沿探索的“外国教师们”，他们是如何利用人工智能、虚拟现实甚至生物反馈技术来重塑音乐学习体验的，简直是科幻照进现实。比如，关于使用算法分析学生的呼吸频率来优化合唱发声指导的部分，其详尽的描述和对潜在伦理问题的预设讨论，都体现了作者对未来教育趋势的敏锐洞察力。这已经超出了传统师范教育的范畴，而是触及了人机交互和认知科学的交叉领域。这种前瞻性，使得这本书的价值远超出了“概览”二字所能概括的范围，它更像是一份面向未来三十年的行业白皮书。对于那些习惯于传统“钢琴+乐理”模式的从业者来说，这本书会带来强烈的冲击，但也是一次绝佳的自我升级机会。

评分☆☆☆☆☆

从结构上看，这本书的组织逻辑严密，层次分明，如同一个精密复杂的交响乐章。它不是简单的东西方对比，而是通过一系列主题模块，构建了一个多维度的观察矩阵。我特别欣赏它在不同教育体系的对比分析中，所展现出的学术严谨性，引用了大量无法轻易获取的官方统计数据和政策文件。例如，对于不同国家在音乐教育投入比例和评估标准上的细致对比，提供了一个量化的参照系，这对于政策制定者或希望引进先进经验的机构来说，具有极高的参考价值。这种从宏观政策到微观课堂实践的无缝切换能力，是许多同类书籍所欠缺的。读完后，我感觉自己仿佛从一个高空侦察机上俯瞰过整个音乐教师培养的全球生态系统，每一个斑点代表着一种独特的实践，而这本书将这些点连接成了清晰的脉络图。它不是一本轻松的读物，但它提供的知识密度和思维启发，绝对值得每一位关心音乐教育未来的专业人士投入时间去细细品味和反复研读。

评分☆☆☆☆☆

本书的叙事风格极其克制，但情感张力却十分强大。它似乎有一种不动声色的力量，能将宏大的全球教育议题，巧妙地融入到一个个鲜活的个体故事中去。特别是关于跨文化交流的章节，作者并没有一味地歌颂融合，而是坦诚地揭示了在文化冲突与误解中，优秀教师所必须付出的巨大努力和心理代价。有一段描绘了一位在非洲偏远地区工作的教师，如何用当地的打击乐节奏来教授西方和声概念的细节，那种因地制宜、近乎于“创造性颠覆”的教学智慧，让我深受触动。它告诉我们，真正的教育，不是将一套成熟的体系硬塞过去，而是在理解土壤特性的基础上，重新播种。这种尊重本土文化脉络的教育哲学，贯穿始终，使得整本书的基调显得既国际化又充满人情味。它让读者反思，我们所教授的“音乐”，其本质究竟是什么，我们是否过于执着于形式，而忽略了其作为人类情感载体的核心功能。