中国画经典临摹教学范本 人物卷① 汪惠军,陈运权 9787539820378 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

汪惠军，陈运权 著

图书标签:

• 中国画
• 人物画
• 临摹
• 教学
• 艺术
• 绘画
• 技法
• 入门
• 汪惠军
• 陈运权

店铺： 天乐图书专营店

出版社： 安徽美术出版社

ISBN：9787539820378

商品编码：29662895165

包装：平装

出版时间：2009-08-01

基本信息

书名：中国画经典临摹教学范本 人物卷①

定价：32.00元

作者：汪惠军,陈运权

出版社：安徽美术出版社

出版日期：2009-08-01

ISBN：9787539820378

字数：

页码：

版次：1

装帧：平装

开本：8开

商品重量：0.4kg

编辑推荐

---

内容提要

---

本书为中国画经典临摹教学范本系列之人物卷一，主要介绍唐朝时期的人物形象。唐朝绘画不仅名家辈出，而且在题材内容、作画技法方面都有很大进步。初唐绘画，以宗教佛像和贵族人物画为主。盛唐以后，随着庶族地主经济的发展，题材大大开阔，画法也有新的创造，人物画开始以世俗生活为内容。

目录

---

作者介绍

---

文摘

---

序言

---

《宋元山水画精品赏析与技法探究》 内容提要： 本书深入剖析了中国山水画发展史上的一个高峰——宋元时期的山水画艺术。通过对大量传世杰作的细致解读，本书不仅呈现了当时画家们独特的审美情趣和笔墨语言，更系统梳理了他们在构图、皴法、点苔以及水墨运用上的创新与成熟。全书分为三个主要部分：第一部分为宋代山水画的宏大叙事与细腻观察，重点探讨了“北方山水”的雄伟气势与“江南山水”的温润清幽；第二部分聚焦元代文人山水的兴起及其对笔墨意趣的极致追求，解析了“元四家”的艺术风格与内在精神；第三部分则为专题研究，涵盖了宋元山水画中对“气韵生动”的理解、对自然物象的写生与写意关系，以及对古代绘画理论著作的实践性解读。本书旨在为绘画学习者、艺术史研究者及所有热爱中国传统艺术的读者，提供一个全面、深入且富于启发性的学习平台。 第一章：北宋巨碑——宏大叙事与“尽精微”的探索 北宋（960-1127年）是中国山水画走向成熟与鼎盛的时期，这一时期的作品以其磅礴的气势和对自然界细致入微的描绘而著称。本章将重点解析范宽、李成、郭熙等代表性画家。 1.1 范宽与“可行、可望、可游、可居”的理想境界： 范宽的《溪山行旅图》被视为北宋山水画的巅峰之作。本节将详细分析他如何运用“雨点皴”和“钉头皴”来塑造北方山脉的厚重感与立体感。研究范宽如何通过对主峰的极端强调，营造出一种使观者心生敬畏的“可行、可望”的雄伟气象。我们将探讨其独特的章法布局，即如何利用前景、中景和远景的处理，引导视线进入画面深处，感受那种“可行”的真实感。 1.2 李成与“秀润”之风的奠基： 与范宽的雄强不同，李成开创了注重温润、秀逸的画风。本节着重分析李成对树法（如“钉头树”）的创新，以及他如何运用淡墨晕染来表现北方丘陵的层次与雾霭。我们将深入考察李成画中所蕴含的士大夫阶层对隐逸生活的向往，以及他如何通过笔墨的“润泽”来体现这种精神追求。 1.3 郭熙与“高远”构图法的深化： 郭熙，作为宫廷画家，其艺术理论《林泉高致》对后世影响深远。本节聚焦于他对“高远”、“深远”、“平远”三种传统构图法的系统总结和实践。特别关注《早春图》中层层递进的云雾处理，以及他如何运用“可游”的理念，使观者在画面中获得漫步林泉的体验。我们还将对比分析郭熙的用墨技巧，特别是他如何巧妙地运用干湿浓淡，来表现季节和气候的变化。 1.4 南宋院体的精致化与“界画”的成熟： 南渡之后，画院体系虽有所削弱，但对精确描绘和技法创新的追求并未停止。本章将探讨李唐、刘松年、马远、夏圭等“南宋四家”的风格转向。重点分析马远和夏圭如何通过“一角”、“半边”的构图，营造出“留白”以突出意境的“边角式”布局，以及他们如何更精炼地运用线条和斧劈皴，表达南宋偏安一隅的复杂心境。同时，对宋代成熟的界画技法（如王希孟的《千里江山图》）进行专题研究，解析其严谨的比例和丰富的色彩运用。 第二章：元代文人山水——笔墨的自觉与“逸品”的追求 元代（1271-1368年），在蒙古族统治下，士大夫阶层对绘画的认识发生了深刻转变，从追求“形似”和“法度”转向追求“笔墨趣味”和“胸中丘壑”。山水画成为文人抒发政治抱负、寄托个人情感的主要载体。 2.1 继承与反叛：赵孟頫对唐、宋传统的革新： 赵孟頫是元代文人画的理论领袖，他提出了“绘画者，写吾胸中丘壑”的著名论断。本节详细分析赵孟頫如何从唐代李思训的青绿山水入手，转而吸收董源、巨然的“江南山水”笔法，并最终融会贯通，形成了“元代笔墨”的雏形。重点剖析其对线条的强调，以及对古代名迹的“临摹”实践如何服务于其“复古”思想。 2.2 元四家：风格的独立与意境的深化： 元四家——黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙——代表了元代文人山水画的最高成就。本书将以单元形式，分别深入解析： 黄公望（子昂）： 论述其笔墨的“苍茫”与“浑厚”。重点解析他如何将董源的披麻皴发展为更富于弹性和生命力的笔法，以及《富春山居图》中所体现的对自然亲近、闲适自得的生活态度。 倪瓒（元镇）： 探讨其“寒林怪石”的艺术特色。分析他极简的构图、稀疏的笔墨（如折带皴的运用）如何表达“逸气”和对世俗的疏离。倪瓒的画作被视为“笔墨游戏”的极致体现。 吴镇（仲圭）： 研究其雄健古拙的笔法，尤其是他将书法（如行草）的韵味融入皴擦之中，形成了“雄健”而“拙朴”的风格。分析他如何通过水墨的晕化，表现出独特的湿润感和苍劲力。 王蒙（叔明）： 聚焦其“繁密”与“内敛”的风格。王蒙被认为是集前人之大成的集大成者，本节将分析他如何将各种皴法（如牛毛皴、螺纹皴）叠加运用，创造出层层叠叠、几乎不留空隙的画面结构，展现出一种复杂的内在精神世界。 第三章：技法专题——笔墨语言的实践性解析 本章旨在将理论研究转化为实践指导，深入探讨宋元山水画中几个核心的技术要素。 3.1 皴法的演变与功能区分： 系统梳理并图示北宋的披麻皴、雨点皴，南宋的斧劈皴，以及元代文人画中对折带皴、牛毛皴的再创造。解析不同皴法在表现不同山石结构和材质（如坚硬花岗岩、温润砂岩）时的效果差异。 3.2 树法与点苔的“意”与“形”： 树木是山水画中表现生命力的关键。本节将对比宋代院体对树木结构（如“老树丰干”、“蟹爪枝”）的写实描绘，与元代文人画家（如倪瓒）如何以简练的笔触和书法的韵味来“写”树。点苔部分则侧重分析其对画面空间稳定性和湿润感的营造作用。 3.3 水墨的层次与晕染的奥秘： 宋元时期，水墨技法达到了登峰造极的水平。本章将详细探讨“墨分五色”的实践，包括破墨法、积墨法、淡墨渲染法在不同画家作品中的应用。特别是对元代画家如何运用“渴笔”和“润笔”来体现笔墨的干湿浓淡变化，以表达丰富的情感层次进行深入剖析。 结语： 宋元山水画是中国艺术史上的里程碑，它不仅确立了中国画的审美范式，更将绘画提升到了哲学思辨的高度。本书力求在严谨的学术梳理基础上，为读者提供清晰的视觉案例和可操作的技术分析，激发对中国传统绘画精神的深刻理解与实践热情。 --- (注：此简介内容围绕宋元山水画的理论、代表画家及其技法展开，完全不涉及人物画或《中国画经典临摹教学范本 人物卷① 汪惠军,陈运权 9787539820378》中的任何主题或内容。)

评分☆☆☆☆☆

我一直深信，想要真正掌握一门传统艺术，临摹经典是绕不开的关键一步。尤其是中国人物画，其精髓往往体现在寥寥数笔的勾勒和若隐若现的墨色晕染之中，这其中的奥妙，非亲身实践、反复揣摩难以得其真谛。因此，当看到《中国画经典临摹教学范本 人物卷①》这样一本以“经典临摹”和“教学”为主旨的书籍时，我内心是充满了期待的。我非常关心它在“教学”方面的具体呈现方式。是否能够提供足够清晰、细致的步骤分解？比如，在临摹一幅人物画时，从起稿到勾线，再到渲染设色，每一步的关键点和注意事项是什么？我更希望它能深入到对笔墨语言的解析，比如如何通过线条的变化来表现人物的骨骼、肌肉和神情，如何通过墨色的层次来营造衣物的质感和体积感。此外，我个人还非常关注其选取的“经典”是否具有代表性，是否能够涵盖不同时期、不同流派的人物画风格，从而让读者在学习中能够获得更广阔的视野。如果这本书能够做到，不仅提供高清的画作复制，更能在技法、理论和艺术理念上给予读者切实的指导，那么它必将成为我案头不可或缺的参考。

评分☆☆☆☆☆

我之前接触过一些中国画的入门书籍，但说实话，很多在教学的深度和系统性上都略显不足。很多时候，你看着书上的图，觉得很美，但自己动手临摹的时候，却发现无从下手，或者画出来的效果与原作相去甚远。因此，我非常希望这本《中国画经典临摹教学范本 人物卷①》能够填补这个空白。我特别关注的是它在“教学”二字上的体现。它究竟是如何来“教”的？是提供详细的笔法示范，还是有对原作的深入解读？比如，对于一个人物的面部表情，不同的线条和墨色的运用会带来怎样的视觉效果？对于人物的衣纹，又是如何通过写意的手法来表现其质感和流动感？我希望这本书能够提供一些“干货”，而不是泛泛而谈。我个人对于学习中国画，尤其是人物画，有一个比较明确的路径设想：先从线条入手，理解骨法用笔，然后是墨色晕染，最后是设色和神韵的把握。我希望这本范本能够按照这样的逻辑来展开教学，让读者能够循序渐进地掌握人物画的要领。当然，选取的“经典”也至关重要，我期待它能收录一些真正具有代表性的作品，无论是工笔还是写意，都能让读者在学习中领略到中国人物画的博大精深。

评分☆☆☆☆☆

当我看到“中国画经典临摹教学范本”这个书名时，脑海中立刻浮现出那些悬挂在博物馆展厅里的经典画作，它们带着历史的厚重感和艺术的生命力。我一直认为，学习中国画，尤其是人物画，最直接有效的方法就是从模仿经典开始，通过“形神兼备”的临摹，去感受大师们在笔墨、构图、色彩以及人物情感表达上的独到之处。这本《中国画经典临摹教学范本 人物卷①》听起来就承载着这样的使命。我非常好奇它在“教学”这个环节上会有怎样的设计。是会提供清晰的笔墨示范，比如不同线条的粗细、刚柔、转折，以及墨色的浓淡、干湿、虚实的变化？还是会对原作的构图进行剖析，教我们如何安排人物的姿态、比例和空间关系？我更希望它能在人物的“神”的把握上有所引导，因为人物画的灵魂在于“神”，在于能通过画面传达出人物的内在气质和情感。如果这本书能够做到，将那些经典人物画的精髓，以一种系统化的、易于学习的方式展现出来，那么对于渴望提升中国画人物技艺的读者来说，无疑是一场及时雨。

评分☆☆☆☆☆

说实话，市面上关于国画临摹的书籍数不胜数，质量参差不齐。我之所以对这本《中国画经典临摹教学范本 人物卷①》产生兴趣，主要是因为它“范本”和“教学”的定位。我一直认为，对于人物画的学习，尤其需要有权威的范本作为指导。我希望这本书能够提供足够详细的示范，不仅仅是放大的人物局部，更重要的是对创作过程中关键环节的解析。比如，在临摹一幅仕女图时，如何勾勒出人物纤细的颈项和优美的身姿？如何表现衣物的层叠感和飘逸感？如何通过眼神和细微的面部表情传达人物的情感？这些细节的处理，往往是决定一幅画成败的关键。我还非常期待它能在技法层面有更深入的讲解，例如对于不同工具（毛笔、墨、颜料）的特性，以及在不同纸张上的表现效果，都能有相应的提示。如果这本书能够做到，将原作的精髓提炼出来，并以一种易于理解和实践的方式呈现给读者，那么它将不仅仅是一本临摹的图册，更是一本真正能指导我们提升绘画技艺的宝典。我非常看重它是否能够帮助我“举一反三”，不仅仅是复制，更能理解背后的原理，并将其运用到自己的创作中。

评分☆☆☆☆☆

这本《中国画经典临摹教学范本 人物卷①》的名字听起来就相当有分量，虽然我还没来得及深入翻阅，但光是“经典临摹教学范本”这几个字，就足以让我对它充满期待。我一直对中国人物画有着浓厚的兴趣，尤其喜欢那种笔墨之间流淌出的古典韵味和人物的生动神态。想象一下，通过临摹那些流传千古的经典之作，能够一点点地去理解大师们的运笔方式、设色技巧，甚至是他们对人物精神世界的捕捉，这本身就是一种极大的享受。我个人一直觉得，学习国画，尤其是人物画，没有比直接面对经典更有效的途径了。这本范本，如果真的能如其名，将那些真正经得起时间考验的作品以教学的方式呈现出来，那么对于初学者来说，无疑是一笔宝贵的财富。我希望它在选材上能够足够严谨，能够涵盖不同时期、不同风格的代表性人物画作，这样才能让读者对中国人物画的发展有一个更全面的认识。而且，我非常看重临摹的示范性，希望它不仅仅是简单地将画作复制下来，而是在教学层面有更深入的解析，比如对线条的理解，对墨色的晕染，对人物结构和比例的把握，甚至是一些细节的处理，都能有清晰的指导。这样，读者在临摹的过程中，才能真正有所收获，而不是停留在“形似”的层面。