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刘巍巍张舒然吕岩... 编

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店铺： 土星图书专营店

出版社： 西安交大

ISBN：9787569300277

商品编码：29661985767

开本：16

出版时间：2018-01-01

基本信息

• 商品名称：钢琴音乐教育新评说
• 作者：刘巍巍//张舒然//吕岩
• 定价：50
• 出版社：西安交大
• ISBN号：9787569300277

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2018-01-01
• 印刷时间：2018-01-01
• 版次：1
• 印次：1
• 开本：16开
• 包装：平装
• 页数：206
• 字数：231千字

内容提要

钢琴音乐教育在我国音乐教育中占据着重要的地 位，无论是专业钢琴教育还是业余钢琴教育，无论是 启蒙教育还是进修提升钢琴教育，在**都占有大量 的市场。刘巍巍、张舒然、吕岩著的《钢琴音乐教育 新评说》从新的角度出发，系统、深入地探讨钢琴音 乐教育，其内容涉及钢琴音乐教育的几个重要层次， 钢琴音乐教育的分寸感，钢琴音乐教育的实践以及钢 琴音乐教育的文化内涵等。
    

目录

第一章 钢琴音乐及其教育中的分寸感
第一节 钢琴音乐的艺术
第二节 钢琴音乐教育中的分寸感之哲学思考
第三节 钢琴音乐教育中的分寸感之美学依据
第二章 钢琴音乐教育的层面分析
第一节 钢琴音乐教育中对钢琴学习的叩问
第二节 钢琴音乐的初始积累
第三节 钢琴音乐教育中的技术与音乐论辩
第四节 钢琴音乐教育中对创造力的呵护
第五节 钢琴音乐教育中的综合学习
第六节 大学钢琴教学分析与诠释
第三章 钢琴音乐教育的内容与实践
第一节 钢琴的声音
第二节 钢琴演奏技巧研究
第三节 运音法与乐句划分表现
第四节 时值点滴
第五节 钢琴踏板的应用
第四章 钢琴音乐教育中对表演艺术的探索
第一节 钢琴作曲家密码破译
第二节 纵观全局与把握风格
第三节 钢琴演奏的心理号隋感探究
第五章 钢琴音乐教育中的文化内涵
第一节 钢琴音乐作品的人文内涵
第二节 中国钢琴作品的人文意象与中国钢琴梦
参考文献

好的，这里为您撰写一本名为《音乐的诗意与结构：从巴赫到德彪西的欧洲音乐史》的图书简介，该书内容不涉及“钢琴音乐教育新评说”的相关主题。 --- 图书名称：《音乐的诗意与结构：从巴赫到德彪西的欧洲音乐史》 图书简介 本书旨在为热爱古典音乐的读者提供一份深刻而细致的导览，追溯自巴洛克时代鼎盛时期至印象主义兴起期间，欧洲音乐发展的主要脉络、核心思想及其美学变迁。我们不将音乐史视为简单的年代堆砌，而是将其视为一部充满人性张力与技术革新的史诗，一部关于“声音如何成为意义”的宏大叙事。 第一部分：理性与情感的交织——巴洛克时代的辉煌（约1600-1750年） 本部分首先聚焦于巴洛克音乐的诞生与确立。我们将深入剖析复调音乐的精妙结构，特别是对位法的逻辑之美。这不仅仅是对技术层面的探讨，更是对那个时代理性精神与宗教虔诚交织的社会背景的映射。 巴赫的宇宙观： 重点分析约翰·塞巴斯蒂安·巴赫的作品，如《平均律钢琴曲集》与《赋格的艺术》。我们探讨巴赫如何将严谨的数学结构与深沉的宗教情感完美融合，构建起一个逻辑自洽、结构宏伟的音乐宇宙。本书将揭示“主题发展”与“和声进行”在巴赫手中如何达到近乎哲学的深度，而非仅仅是技巧的炫耀。 歌剧的诞生与发展： 考察早期歌剧在佛罗伦萨的起源，以及蒙特威尔第如何确立戏剧音乐的基本范式。我们将分析“宣叙调”与“咏叹调”的张力，以及管弦乐队在此时期从伴奏角色向独立声部过渡的关键步骤。 协奏曲的形式探索： 探讨维瓦尔第等人的贡献，分析“快-慢-快”的固定结构是如何确立，以及“合奏与独奏的交替”如何创造出动态的戏剧效果。 第二部分：清晰与平衡的追求——古典主义时期的范式确立（约1750-1820年） 随着启蒙运动的兴起，音乐审美转向对清晰、平衡、匀称的追求。这一时期的核心任务是确立音乐的“普适性”与“清晰的表达”。 奏鸣曲式：主导结构的确立： 奏鸣曲式被视为古典主义音乐的基石。本书将详尽解析呈示部、发展部和再现部的内在冲突与解决机制，并以海顿的弦乐四重奏和莫扎特的钢琴奏鸣曲为例，展示主题如何在结构中被解构、对抗与最终的和谐回归。 交响曲的成熟： 审视海顿如何将交响曲从宫廷娱乐提升为表达宏大思想的艺术形式。重点分析莫扎特晚期交响曲中，旋律的精致、配器的透明度以及情感的微妙层次感。 “私人”与“公共”的音乐空间： 探讨室内乐（尤其是弦乐四重奏）在这一时期的重要性，它代表了一种更私密、更具对话性的艺术交流方式，与面向大众的音乐会形成了有趣的对照。 第三部分：个体意志的迸发——浪漫主义的激荡与探索（约1820-1890年） 在对古典主义的规范感到束缚后，音乐家们将目光投向了无限的内心世界、自然、民间传说和超越性的哲学命题。 贝多芬的桥梁作用： 贝多芬被视为连接古典与浪漫的关键人物。我们将分析其晚期作品中，如何打破传统结构限制，通过拓展篇幅、深化对位和引入更强烈的个人意志，预示了浪漫主义的到来。 “标题音乐”的兴起： 考察李斯特与柏辽兹如何利用管弦乐队的音色可能性来描绘文学场景、叙述史诗故事。这种对声音“图像化”的探索，极大地拓宽了音乐的表现领域。 德奥歌曲（Lied）的精致化： 深入舒伯特、舒曼的艺术歌曲，探讨钢琴伴奏如何不再仅仅是和声支撑，而是成为与人声对等的、描绘诗歌意境的“叙事者”。分析其对民间曲调的借鉴与升华。 民族乐派的觉醒： 考察十九世纪中后期，东欧和北欧作曲家（如德沃夏克、格里格、穆索尔斯基）如何从本土民间音乐中汲取灵感，构建具有强烈地域色彩的音乐语言，挑战德奥音乐的中心地位。 第四部分：色彩与氛围的革命——印象主义与后浪漫主义的边缘（约1890-1914年） 本部分将目光转向世纪之交，音乐开始从对“结构逻辑”和“强烈情感”的关注，转向对“瞬间感受”、“光影变化”和“微妙音色”的捕捉。 德彪西与听觉的解放： 重点分析德彪西如何借鉴象征主义诗歌和东方音乐的元素，挑战传统的调性功能。我们将剖析全音阶、五声音阶在创造“漂浮感”和“模糊性”中的作用，以及他对音色的精细处理如何重塑了听众的感知方式。 管弦乐队的“调色板”： 考察拉威尔等人在配器上的创新，如何利用木管乐器与打击乐器创造出前所未有的音响层次，将管弦乐团变成一个充满流动色彩的巨大“画室”。 通过对这四个关键时期的深入梳理，本书致力于展现欧洲音乐史是一部持续不断的对话过程：从对神圣秩序的模仿，到对个体激情的颂扬，再到对瞬间氛围的捕捉。它不仅是对大师作品的鉴赏，更是对理解西方艺术精神演变轨迹的深度思考。本书适合所有渴望超越表面聆听，进入音乐结构与美学核心的读者。

评分☆☆☆☆☆

关于认知心理学在决策制定中的应用研究，这本书的实践性强到让人忍不住立刻拿起笔来做笔记。它跳脱了宏大的理论模型，直接切入我们日常生活中那些充满偏见和非理性选择的瞬间，比如“锚定效应”如何影响我们对价格的判断，或者“确认偏误”如何固化我们的既有认知。作者的写作风格极其清晰、逻辑缜密，擅长用生活化的例子来印证复杂的心理学原理，使得晦涩的术语变得触手可及。它像一面镜子，让你清晰地看到自己大脑中那些自动驾驶的“捷径”是如何导致错误的判断的。读完之后，我开始有意识地在做重大决定时，强迫自己寻找反面证据，而不是仅仅搜集支持自己观点的材料。这本书的价值不在于让你成为心理学家，而在于让你成为一个更审慎、更少犯低级错误的行动者。

评分☆☆☆☆☆

我最近读完的这本关于20世纪现代舞理论的专著，可以说是颠覆了我对“身体如何表达”的传统认知。它并没有采取那种学院派的枯燥说教方式，而是通过一系列极具启发性的案例分析，展示了邓肯、玛莎·葛兰姆乃至皮娜·鲍什的编舞哲学是如何一步步挣脱古典芭蕾的束缚，拥抱原始冲动与存在主义的思考。书中对于“空间”和“重力”在现代语境下被重新定义的论述，尤其精彩——身体不再是轻盈的、飘浮的，而是扎根于大地，与地心引力进行一场持续的对话。作者的语言充满了动感和画面感，描述那些肢体语言的瞬间时，仿佛能感受到肌肉的张力与呼吸的起伏。它迫使我重新审视那些在舞台上看似随性的动作，背后隐藏的深刻哲学意图。这本书对于舞台艺术的未来探索者来说，无疑是一剂强心针，因为它清晰地指出了艺术的生命力在于不断地质疑既有的规范。

评分☆☆☆☆☆

这本关于欧洲古典音乐史的著作，简直是一场跨越时空的华丽冒险。作者以极其细腻的笔触，描绘了巴赫时代那种严谨而又充满神性的音乐结构，让人仿佛置身于莱比锡的圣托马斯教堂，聆听那圣咏的庄严回响。尤其令人赞叹的是，它对莫扎特早期作品中那种不经意流露出的天才光芒的剖析，那种似乎信手拈来却蕴含着数学般精准的旋律构建，被解读得入木三分。书中对古典主义时期音乐美学转变的论述尤为深刻，它不再仅仅罗列作品和年代，而是深入挖掘了启蒙思想如何渗透进奏鸣曲式的骨架之中，探讨了“形式与情感”之间那种微妙的张力与平衡。对于热衷于探究音乐文本背后社会文化土壤的读者来说，这本书提供了绝佳的视角，它不仅是音乐史，更是一部关于欧洲知识分子精神变迁的侧影。读完后，再听那些耳熟能详的协奏曲时，耳边仿佛多了一层理解的滤镜，所有的音符都像是被赋予了更深的意义。

评分☆☆☆☆☆

这本关于中国古代园林营造哲学的典籍，简直就是一本让心灵得以栖居的指南。它没有过多纠缠于皇家园林的宏大叙事，而是将焦点放在了文人私家园林的“一隅天地”上。作者用极其典雅、近乎散文的笔调，阐述了“虽由人作，宛自天开”的境界是如何通过精心的叠山理水、借景移步来实现的。最让我震撼的是关于“虚实相生”的探讨，如何通过墙体的开口、亭台的留白，引导观者的视线在有限的空间内产生无限的联想，将自然之美“浓缩”于方寸之间。它让我意识到，园林不仅仅是建筑，它是一种有生命的哲学载体，是古人“天人合一”思想的具象化表达。我合上书本时，脑海中浮现的不是砖瓦，而是竹影婆娑、水光潋滟的禅意画面，那种慢下来的生活节奏感，是现代都市人最稀缺的精神食粮。

评分☆☆☆☆☆

我最近翻阅的这本关于早期电影技术革新史的著作，视角非常独特，它关注的不是那些光芒四射的大导演，而是那些默默无闻的灯光师、剪辑先驱和光学工程师。书中详细描述了梅里爱如何通过简单的双重曝光技术创造出奇迹，以及早期默片时代对节奏和场面调度近乎本能的探索。作者对菲奈蒙太奇等早期剪辑手法的考据工作令人叹服，展示了电影语言是如何在没有“教科书”的年代，依靠无数次失败和偶然的发现中野蛮生长起来的。特别是关于色彩处理和声场构建的早期尝试，让人深切体会到，每一次技术上的突破，都伴随着艺术家对视觉叙事极限的挑战。这本书的叙事充满了对“创造火花”的敬意，它揭示了艺术的伟大往往根植于最基础的技术探索之中，读来令人热血沸腾。