乐理教程(21世纪全国高师音乐系列教材) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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姜秦丰 编

图书标签:

• 乐理学
• 音乐理论
• 高等教育
• 音乐教材
• 21世纪高师系列
• 音乐基础
• 和声
• 对位
• 曲式
• 音乐分析

店铺： 火把图书专营店

出版社： 西南师大

ISBN：9787562169895

商品编码：29661981236

开本：16

出版时间：2014-08-01

基本信息

• 商品名称：乐理教程(21世纪全国高师音乐系列教材)
• 作者：姜秦丰
• 定价：32
• 出版社：西南师大
• ISBN号：9787562169895

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2014-08-01
• 印刷时间：2017-05-01
• 版次：1
• 印次：2
• 开本：16开
• 包装：平装
• 页数：187
• 字数：320千字

内容提要

姜秦丰著的《乐理教程(21世纪全国高师音乐系 列教材)》共14章，包括记谱法常识、音程、和弦、 调式、律学常识、转调、移调等乐理知识，在概念、 定义上尽力做到准确而精炼。并有自己独特的创新： 1.用表格来体现乐理中富于规律性的内容；2.**在 乐理教材中使用“实验”这种学习方法；3.注重知识 点之间循序渐进的关联，从已掌握的知识中自然引入 新的内容。4.为配合视唱练耳教学，设置了和弦改错 题，加深学生对和弦等知识的理解。本书适合音乐各 专业专科以上学生使用。
    

目录

第一章 音及音高
第一节 音乐声学常识
第二节 乐音体系
第三节 音的分组
第四节 音域和音区
第二章 五线谱记谱法
第一节 记谱法概述
第二节 谱表
第三节 音符休止符
第四节 音符时值的特殊划分
第五节 谱号及各种谱表
第六节 变音记号
第七节 节奏节拍
第八节 音值组合法
第三章 音程
第一节 音程的基本概念
第二节 自然音程与变化音程
第三节 单音程与复音程
第四节 音程的转位
第五节 音程识别与构成的方法
第六节 等音程
第七节 协和音程与不协和音程
第四章 和弦
第一节 三和弦
第二节 七和弦
第三节 和弦的识别与构成
第四节 和弦的各种变化形式
第五节 等和弦
第五章 大调式和小调式
第一节 调式
第二节 大小调式的调式音级
第三节 大调式
第四节 小调式
第五节 调号
第六节 大小调的比较
第七节 调式分析
第六章 中国民族调式
第一节 五声调式
第二节 六声调式
第三节 七声调式
第四节 中国民族调式的调式分析
第七章 调式中的音程
第一节 自然调式中的音程
第二节 和声调式中的音程
第三节 不稳定音程的解决
第八章 调式中的和弦
第一节 调式中和弦的级数及标记
第二节 自然调式中的三和弦
第三节 和声调式中的三和弦
第四节 调式中的七和弦
第五节 属七和弦与导七和弦的解决
第九章 中古调式
第一节 中古调式的七种类别
第二节 中古调式的调式色彩
第三节 中古调式记谱中的调号问题
第十章 变音体系
第一节 调式变音的类别
第二节 半音音阶
第三节 全音音阶
第十一章 转调和移调
第一节 调的关系
第二节 转调
第三节 移调
第十二章 音律
第一节 五度相生律
第二节 纯律
第三节 十二平均律
第四节 三种律制的应用
第十三章 装饰音及省略记号
第一节 装饰音
第二节 省略记号
第十四章 演奏法记号及音乐术语
第一节 演奏法记号
第二节 音乐的速度
第三节 音乐的力度
第四节 常用表情术语
附录
附录1 曲式
附录2 其他音阶
附录3 中国传统音乐理论简介
附录4 熟练掌握和弦转位结构的方法
附录5 基本节奏型名称
附录6 和弦连接分析中的功能标记
附录7 和声功能及其进行的一般逻辑

好的，这里为您提供一个关于其他音乐理论书籍的详细介绍，完全不涉及您提到的《乐理教程(21世纪全国高师音乐系列教材)》的内容： --- 《音乐之声：西方音乐理论精要与实践》 内容简介 《音乐之声：西方音乐理论精要与实践》是一本旨在为音乐学习者，无论是初学者还是希望深化理解的进阶者，提供全面而深入的西方音乐理论知识体系的专著。本书跳脱出传统应试导向的教学模式，致力于培养读者的音乐听觉、分析能力以及实际应用能力，构建起一个严谨而富有启发性的理论框架。 全书共分五大部分，涵盖了从基础元素到复杂结构分析的完整路径。 第一部分：音乐的基石——音高与节奏的构建 本部分是理解西方音乐的起点。我们详尽阐述了十二平均律下的音高系统，包括音名、唱名、全音与半音的精确概念。重点着墨于记谱法——五线谱的结构、谱号的意义、音符与休止符的时值，以及小节线与拍号如何组织时间维度。特别地，本书引入了“听觉训练单元”，引导读者通过实际聆听来识别和区分不同音程的色彩与功能，而非仅仅停留在符号的机械记忆上。 节奏的讲解深入探讨了节拍的内在逻辑，区分了简单拍号、复拍号以及混合拍号的结构特征。我们详细分析了附点、三连音等节奏复杂化元素，并辅以大量的节奏模范实例，鼓励读者通过身体的律动来内化节奏感。 第二部分：和声的色彩与功能 和声学是西方音乐的灵魂。《音乐之声》对和声的讲解从最基本的两部和声开始，逐步推进至复杂的三部、四部和声体系。 基础和弦构成： 详细讲解了三和弦（大小、增减）的构建原则、转位及其功能性变化。着重分析了七和弦的色彩属性，特别是属七和弦、导七和弦的解决倾向。 和声进行与调性功能： 本部分的核心在于对调性功能（主、属、下属）的深刻理解。我们通过大量的古典时期和浪漫主义时期的范例，展示了和声如何推动音乐的叙事性。 和声的延伸与变化： 引入了经过和弦、副属和弦、非功能性和弦（如减七和弦）的分析方法。我们探讨了巴赫赋曲、莫扎特奏鸣曲中的和声语汇，帮助读者理解古典和声的规范性与灵活性。 调式与转调： 详细区分了大小调音阶的特性，并系统介绍了自然大调、和声大调、旋律大调的音高结构。转调部分的讲解，重点分析了近关系调转调（如属音转调、关系小调转调）和远关系调转调（如变换主音转调、平行调转调）的技巧与效果。 第三部分：旋律的线条与结构 旋律是音乐中最直接的表达方式。本书从旋律创作的基本要素入手，分析了动机、乐句、乐段的构成原理。 动机的发展与变形： 深入探讨了重复、移位、扩大、缩短、倒影、倒影移位等常用的旋律发展手法。我们以贝多芬的《第五交响曲》开头的动机为例，展示了如何仅凭一个短小的动机构建宏大的音乐结构。 线条的平衡与张力： 讲解了旋律进行中的线条走向（级进、跳进）、轮廓、平衡点和高潮的设置。这部分强调了旋律与节奏、旋律与和声之间的内在呼应关系。 第四部分：曲式结构与宏观分析 理解音乐的“建筑蓝图”是深化欣赏的关键。本部分系统梳理了西方音乐的主要曲式结构。 小型曲式： 详尽分析了单乐段、复乐段、三部曲式（ABA结构）的内部组织规律，特别是它们在器乐小品和歌曲中的应用。 奏鸣曲式： 给予了最详尽的分析，细致拆解了呈示部、展开部、再现部的功能、调性布局和关键转折点。通过对海顿、莫扎特、贝多芬的代表作进行结构图解分析，使抽象的曲式结构变得直观易懂。 变奏曲与回旋曲式： 阐释了不同类型的变奏手法（如固定低音变奏、固定和声变奏、自由变奏）以及回旋曲式的交替往复模式。 第五部分：配器基础与织体分析 为了更好地理解管弦乐队的丰富音响，本书在最后部分引入了配器与织体的概念。 乐器法入门： 简要介绍了管弦乐队中弦乐组、木管组、铜管组和打击乐组的音域特点、音色特性和演奏功能。重点在于理解不同声部如何协同合作以达到特定的音乐效果。 织体分析： 区分了单音音乐、主调音乐（旋律与伴奏）、复调音乐（对位）的特点。对位法的讲解侧重于对位法则的听觉体现，而非严格的对位作曲技法。通过巴赫的二部创意曲和赋曲实例，分析了模仿、卡农等复调技巧在音乐中的织体构建作用。 教学特色 本书的编排注重理论与实践的紧密结合。每一章后都附有“实践演练与听力辨识”章节，包含大量的填空、分析题以及要求听辨特定和弦进行或节奏型的听力材料。此外，本书还特别设立了“音乐史中的理论应用”栏目，将理论知识置于具体的历史语境中进行考察，强调了音乐理论是服务于音乐表达和历史演进的工具。读者通过本书的学习，将能以更专业、更深入的视角去欣赏和分析中西方古典音乐作品。

评分☆☆☆☆☆

这本《乐理教程》的装帧设计真是让人眼前一亮，封面那种简约而不失格调的配色，一下子就抓住了我的注意力。拿到手里，纸张的质感也相当不错，拿在手里沉甸甸的，翻阅起来非常舒服，长时间阅读也不会觉得累。虽然我不是科班出身，但对音乐理论一直抱有浓厚的兴趣，一直想找一本既系统又不太枯燥的入门书。我特别欣赏作者在编排上的用心，知识点的衔接非常自然流畅，从最基础的音高、节奏开始，逐步深入到和声、曲式分析，感觉每一步都是脚踏实地在引导读者前进。书里那些清晰的图表和例证，对于我这种视觉学习者来说简直是福音，一下子就把抽象的概念具象化了。特别是对一些比较绕口的术语，作者总能用非常生活化的语言进行阐释，让我这个非专业人士也能迅速抓住核心要义。我用了大概一个月的时间跟着这本书自学，感觉自己的音乐“词汇量”有了质的飞跃，现在听音乐时，不再是单纯地感受旋律，而是能隐约捕捉到背后那些精妙的结构和设计，这种“懂了”的喜悦，真是难以言喻。它更像一位耐心的老友，在你遇到困惑时，总能及时伸出援手，提供的不仅仅是知识，更是一种学习音乐的信心和方法论。

评分☆☆☆☆☆

这本书的适用范围比我想象的要广阔得多。我原本以为它只适合大学音乐系的学生，但当我把它推荐给我那位想学吉他即兴伴奏的朋友后，他反馈的效果出奇地好。这说明作者在编写时，有意地弱化了传统乐理中那些过于僵化的枝节，而更侧重于那些能够直接服务于现代音乐实践的核心原则。比如，它对调式和弦的讲解，非常注重功能性和色彩感，而不是仅仅停留在“一级、四级、五级”的标签化记忆上。我的朋友反馈，自从看了这本书，他对和弦色彩的敏感度一下子提高了好几个档次，能够更准确地判断出一段音乐想要表达的情绪。对于非古典音乐背景的学习者来说，这本书的优势在于它的“去标签化”倾向，它鼓励你用耳朵去感受音乐，而不是被既有的规则束缚。即便是对于我这样已经有一定基础的人来说，重温其中的基础章节，也能发现自己过去理解上的盲点和偏差。它是一本“越读越有味道”的书，初读时获得知识，再读时获得启发，绝对是音乐学习者工具箱里不可或缺的重量级装备。

评分☆☆☆☆☆

我过去尝试过好几本乐理书，但大多都让我望而却步，要么是内容过于陈旧，举的例子都是上个世纪的古典作品，跟我现在的听歌品味格格不入；要么就是过于学术化，动不动就抛出大量的数学公式和晦涩难懂的术语，读起来感觉像在啃一本天书。这本书的出现，彻底改变了我的看法。它的选材非常贴合当代音乐教育的需求，我惊喜地发现其中穿插了许多近现代的音乐实例，甚至包括一些流行音乐和电影配乐中的和声进行分析，这极大地激发了我的学习热情。作者在讲解复杂概念时，那种深入浅出的能力简直是教科书级别的。比如讲解转调技巧时，他没有直接给出死板的规则，而是通过对比不同风格的作品，让你体会到转调在营造情绪张力上的作用，这种“体验式学习”比死记硬背有效得多。而且，书中的排版布局也极具现代感，重点信息突出，留白得当，阅读体验丝毫不输给那些顶级的艺术杂志。对于我这种希望将乐理知识应用于实际创作和编曲的爱好者来说，这本书无疑是一把打开新世界大门的钥匙，它教会我的不仅是“是什么”，更是“为什么”和“怎么用”。

评分☆☆☆☆☆

作为一名准备考研的学生，我对教材的严谨性和全面性有着近乎苛刻的要求。选择这本《乐理教程》并非偶然，而是基于对多家同类教材的对比和筛选。最让我信服的一点是其逻辑架构的严密性。它不是简单地堆砌知识点，而是构建了一个完整的知识体系，每一个章节都是上一个章节的自然延伸和深化。特别是关于配器法和曲式分析的那几章，讲解得极其细致，不仅提供了标准的分析框架，还结合了大量的、不同难度级别的范例进行剖析，手把手地教你如何进行真正的音乐解读。我特别喜欢书中设置的一些“自测与反思”环节，这些环节往往不是简单的选择题或填空题，而是要求读者进行实际的听辨或简单的乐器演奏尝试，迫使你将书本知识真正内化为一种能力。这种强调实践操作的教学方式，对于应试而言是极其宝贵的。此外，该教材的参考文献和扩展阅读部分也非常专业，为后续的深入研究提供了坚实的学术支撑。可以说，它既能满足初学者的入门需求，也为专业人士的进阶学习提供了坚实的阶梯。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我对任何“教程”类的书籍都抱持着审慎的态度，总怕买到一本挂着羊头卖狗肉的“过时指南”。但这次体验真是超出了我的预期。这本书的语言风格非常平实，一点也没有那种高高在上的学院派架子。它更像是资深音乐人跟你坐在咖啡馆里，耐心地为你拆解那些看似高深莫测的音乐原理。举个例子，讲到对位法时，很多教材会直接引用巴赫的作品，让你觉得难以接近。而这本书，则巧妙地从一些简单的旋律线条如何相互交织入手，用非常直观的方式解释了“独立声部”的概念，让人茅塞顿开。我尤其欣赏它对“听觉训练”的重视，书中很多部分都暗示或明示读者需要多听、多模仿，而不是只停留在纸面理解。这种强调感官参与的学习方法，让我感觉自己不再是被动地接收信息，而是主动地在探索音乐的奥秘。整本书读下来，收获的不仅仅是乐理知识，更是一种对音乐世界更深层次的尊重和热爱，它让学习过程本身变成了一种享受，而不是负担。