《當代藝術，如何看：藝術家觀點，帶你看懂作品》 原版进口艺术绘画图书画集/港台繁体中文 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 善本图书专营店

出版社： 大雁-原點出版

ISBN：9789579072021

商品编码：26194399672

开本：16 x 23 cm

页数：304

正文语种：繁体中文

內容簡介
好藝術，如何看？
當代藝術就是布滿專業術語的地雷區
該相信你的眼睛？藝評評價？藝術史論斷？還是市場賣價？

紐約zui前線、美國80年代新表現主義大將
塗鴉藝術家巴斯奇亞、凱斯˙哈林同代人、普普大師李奇登斯坦好友
重返20世紀藝術現場，說出藝術家們的激辯、交心、回憶與自白

歷經觀念｜行動藝術洗禮後的新觀看之道
繼約翰˙伯格《觀看的方式》，又一精彩觀點的經典之作

　　關於藝術的「如何」論戰，沒人比大衛˙薩利探索得更棒。──作家˙魯西迪

　　◎什麼因素讓當代藝術滴答運作？什麼因素讓它變成好藝術？又是什麼因素讓它顯得有趣？

　　自杜象1917年在小便斗上簽名後，撼動了繪畫主導的藝術世界。視覺藝術的變化速度日益加快，未來主義、構成主義、新地理、機制批判、非具象主義、表現主義、抽象表現主義、低限主義、新表現主義等新名詞大量繁殖，當代藝術成了布滿專業術語的地雷區，這些術語就像是為了將欣賞者淘汰出局而設計的。

　　◎近五百年後，再度挑戰「藝術家談藝術家」

　　美國80年代zui重要的新表現主義大將：大衛?薩利（David Salle），試圖扭轉一般人被藝評家阻隔於現代藝術之外的現況。身為塗鴉藝術家巴斯奇亞和凱斯˙哈林的同代人，及普普大師李奇登斯坦的好友，他想用藝術家聚在一起聊天的語言談論當代藝術，說出一位創作人面對藝術世界這四十年來天翻地覆驟變的真心話。他是繼1550年義大利藝術家瓦薩利，時隔近五百年後，再度挑戰藝術家談藝術家的後繼者。文集收錄的主題，從當代指標型人物到歷史人物皆有。許多是作者的同代人，有些更是認識幾十年的好友、同學。

　　藝術家講話的方式與記者不同，記者習慣把焦點擺在周圍脈絡、市場、觀眾等等，也跟學術評論不同，評論家會根據理論宣稱自己說法的正當性。這兩種都是宏觀敘事。但藝術家不一樣，他們談的是什麼有效，什麼沒效，為什麼。他們的焦點比較微觀；是由內往外推。

　　◎假如藝術會說話，如何區別哪些是真話？

　　大衛˙薩利在書中舉例：
　　「Case 1.──曾經有個電視節目叫做《信不信由你！》。其中一集，令人印象深刻，內容是有個傢伙說他把自己的車子吃掉了。他花了四年的時間，方法是把車子剁成碎片，每天吃掉一小塊，這個傢伙想辦法把整輛車都吃進肚子，包括方向盤、鉻鋼、輪胎，全部。用現在的觀點，他根本不知道自己正在創造藝術。」

　　「Case 2.──今天當代藝術分成兩大陣營。一邊是存在好幾百年不曾間斷的圖像性藝術；另一邊是數量正在增加的展演性藝術。我們不願面對的真相是：展演藝術比創作藝術容易。挑選比創新容易。想做出真正吸引目光的東西，需要充沛活力把知識、視覺和文化的面向整合起來。迴避這項整合工作的藝術，不太可能長久吸引人們的關注，因為它下的賭注比較少。當你心存僥倖，不敢繃到極限，情感的力道就會減弱。」

　　吃車子是藝術嗎？面對觀念藝術，繪畫究竟太傳統，抑或更凸顯其獨有唯yi性，仍具突破空間？複製品、模仿作，與原作有差別嗎？為什麼我們對某些藝術有似曾相識的感覺？對被評論的藝術家來說，是否認同藝評人的專家眼力？當我們欣賞一件當代作品時，要如何看出好壞？普普藝術大師李奇登斯坦，私底下如何評價自己的作品？他的作品，如何的「很不」安迪˙沃荷？市場價格等於藝術價值嗎？藝術家Jeff Koons被諷刺媚俗，他的作品是否只是譁眾取寵？與英國藝術家Hirst比起來，在話題之外，誰的藝術性耐久？這些似是而非，似非而是的疑問，該怎麼說，怎麼想？

　　關於這些思考，作者歷經了四十年的寫作摸索。從1975年初到紐約，用寫作支付房租，到1980、1990年代，改以一種懶人版的書寫形式進行採訪。zui後，他採用zui老派的方式，不採訪，純粹獨立書寫。「我發現，書寫可以幫助我理解對某件事情的真正想法，zui後變成一種習慣，很難戒除。」

　　本書的架構分為四部分：「如何為想法賦予形式」、「當個藝術家」、「世間藝術」和「教學與論戰」。

　　zui後一篇也可稱為「給年輕藝術家的建議」，包含一些可在課堂上或私下進行的習作。設計這些習作的目的，期待讀者從自身的連結、描述和類比中找到樂趣，帶領「一般讀者」摸清藝術家心思，不需太多專業配備，就可抵達藝術意義的核心。

國內專業推薦、名家推薦語（按姓氏筆畫排序）

　　胡朝聖∣胡氏藝術公司執行長
　　張世倫∣藝評人
　　張君懿∣藝術家、策展人、國立臺灣藝術大學美術系兼任助理教授
　　陳敬元∣藝術家
　　黃亞紀∣亞紀畫廊負責人
　　劉惠媛∣策展人、藝術評論作者、臺灣數位文化科技與藝術學會執行長
　　龔卓軍∣國立臺南藝術大學藝術創作理論研究所副教授

　　「卸下當代藝術令人諱莫如深的專業術語，以直接、自然的口吻提供讀者欣賞藝術天馬行空的表現。」──胡朝聖（胡氏藝術公司執行長）

　　「透過大衛直觀又透澈的筆尖，揉合充滿溫度和歷史厚度的色彩。我似乎進入每個創作者的意識，用他們的筆觸描繪出一幅幅世代繪畫的圖像。」──陳敬元（藝術家）

　　「我經常說，好懂的藝術只有很貴的與很差的兩種，因多數人只關心「什麼」而非「怎麼」。本書讓你擦亮眼睛。」──黃亞紀（亞紀畫廊負責人）

　　「假使藝術會說話，我們要如何學會區別那些是真話？除了好奇、觀看與直覺，我們所認識的藝術大多是來自於藝術家本人、評論、媒體、策展人和收藏家的口耳相傳，透過作者幽默機智的文筆，重返藝術現場，聆聽二十世紀現代藝術精彩的談話。」──劉惠媛（策展人、藝術評論作者、臺灣數位文化科技與藝術學會執行長）

　　「本書以親密對話的文體，讓讀者猶如置身小酒館、咖啡屋與工作室，聆聽藝術家們對當代藝術的激辯、交心、回憶與自白。」──龔卓軍（國立臺南藝術大學藝術創作理論研究所副教授）

國外如潮佳評

　　「如果說約翰?伯格的《觀看的方式》是藝術評論的經典，探究了藝術是『什麼』，那麼大衛?薩利的《當代藝術，如何看》就是藝術家給的答覆，告訴觀者該『如何看』。篇篇精彩的文章談論藝術家在創作時，他們想什麼？ 關於藝術的『如何』論題，或許從來沒人比他探索得更棒。」──作家˙魯西迪

　　「一流的藝評有很多是由藝術家所寫的，是那種zui不掉書袋，也不會只把藝術家當成棋子來看待的評論文章。大衛?薩利正是這類藝評者，他不問這是不是藝術？屬於哪種派別？而是問它讓我有什麼感受和思考？他的藝術作品經常被標籤為前衛，一種概念上的立場聲明，他巧妙地且以一種令人信服的方式提醒我們，所有的藝術，即使表面上看來桀驁不馴，也都等著被觀看，而藝術家做的正是教我們怎麼觀看。」──美國作家˙亞當?高普尼克 Adam Gopnik

　　「大衛?薩利被認為是創作前衛且聰明的畫家，但他的這本書帶給我們的驚喜更多。他的第yi本散文集是一場場精闢且近身的觀察手記。他認為新藝術源自古藝術，他在書中將不可親近的大師召喚前來，（當他提到他當代的朋友Alex Katz和Jeff Koons時），讓他們有了生動的形象和親近感。身為畫家，薩利似乎以身為藝術家大家庭的一員而感動且自豪，並從他所謂的『共享的藝術DNA』中推導他的繪畫形式，提升了所有傑作其實都是同一組創作的可能性。」──藝評家˙Deborah Solomon


作者介紹
作者簡介

大衛?薩勒｜David Salle

　　作品獲MoMA、惠特尼美術館、古根漢美術館、紐約大都會博物館、倫敦泰德美術館等，永jiu典藏。

　　生於1952年，他是20世紀zui重要的美國新表現主義畫家之一，八○年代回歸具象派的領軍人物。1972年獲瓦倫西亞加州藝術學院碩士學位。1975年首度於洛杉磯舉辦個展。

　　他的具象作品大膽融合互不相關的因素，「打破圖像（Image）與意義（Meaning）的隔閡」。這些被齊聚一起的形象，來自各種大眾傳播媒體，在他雙幅畫布構成的作品中，形成對立性的主題和宏大的氣勢。

譯者簡介

吳莉君

　　國立台灣師範大學歷史系畢業，譯有《觀看的方式》、《觀看的視界》、《我們在此相遇》、《持續進行的瞬間》、《建築的法則》、《包浩斯人》、《設計是什麼？》、《當代建築的靈光》、《好電影的法則》、《光與影》、《建築的危險》、《建築的語言》、《剖開世界現代建築》等書。任職出版社多年，現為自由工作者。
目錄
導言
第yi篇　如何為想法賦予形式
亞歷克斯?卡茨：「怎麼」和「什麼」／愛咪?席爾曼：當代行動畫家／克里斯多夫?伍爾：自備麥克風的繪畫／德國奇蹟：西格馬?波爾克作品／羅伯?戈柏：心不是隱喻／阿爾伯特?厄倫：好學生／黛娜?舒茲：法蘭克那傢伙／羅伊?李奇登斯坦：改變是困難的／童年藝術：傑夫?昆斯在惠特尼／約翰?巴德薩利的電影劇本系列／成功基因：韋德?蓋頓和蘿絲瑪麗?特洛柯爾

第二篇　當個藝術家
維托?阿孔奇：身體藝術家／約翰?巴德薩利的小電影／卡蘿?阿米塔姬和合作的藝術／攝影機眨眼睛／老傢伙繪畫／摔角選手：馬斯登?哈特利、菲利浦?加斯頓和克里福德?史提爾／烏爾斯?費舍爾：廢物管理／傑克?戈德斯坦：抓緊救生艇／悲傷小丑：麥克?凱利的藝術／法蘭克?史帖拉：在惠特尼／沒有首都的地方風格：湯瑪斯?豪斯雅戈的藝術／費特列克?圖頓：挪用的藝術

第三篇　世間藝術
安德烈?德漢與庫爾貝的調色盤／畢卡比亞，是我／小貝比的大巨豆／美妙的音樂：芭芭拉?布魯姆的藝術／結構興起／皮埃羅?德拉?法蘭契斯卡

第四篇　教學與論戰
1980年代，到底好在哪？：密爾瓦基美術館講座／開學日致詞／藝術不是比人氣：2011年紐約藝術學院畢業演講／沒有答案的問題：獻給約翰?巴德薩利

◎版權出處

詳細資料
ISBN：9789579072021
叢書系列：Plus-art
規格：平裝 / 304頁 / 16 x 23 cm / 普通級 / 單色印刷 / 初版
出版地：台灣

當代藝術，如何看：藝術家觀點，帶你看懂作品
How to See:Looking, talking, and thinking about art
作者： 大衛?薩利
原文作者： David Salle
譯者： 吳莉君
出版社：原點
出版日期：2018/02/06

探索視覺語言的無限疆界：當代藝術的思辨與實踐 《當代藝術，如何看：藝術家觀點，帶你看懂作品》 這本書，旨在為所有對當代藝術心懷好奇，卻又常在展廳中感到迷惘的讀者，架設一座實用且深刻的溝通橋樑。它不是枯燥的理論教科書，也不是冷冰冰的藝術史羅列，而是一本由「藝術家」親自執筆、帶領讀者走入他們創作核心的實戰指南。 本書的獨特之處，在於徹底拋棄了傳統藝術評論中常見的、難以親近的學術術語與菁英主義視角。我們相信，理解藝術最直接的方式，就是聆聽創造它的人如何思考、如何感知這個世界，以及如何將那些轉瞬即逝的靈感，轉化為具體的物質形式。 全書結構精巧，層次分明，旨在逐步解構當代藝術看似高深莫測的外表，揭示其背後強大的文化、社會與個人動能。 --- 第一部：觀看的革命——從「欣賞」到「對話」 我們首先探討的是「觀看」的本質轉變。在當代藝術語境下，「美感」不再是唯一的衡量標準，觀者與作品的「對話性」變得至關重要。 第一章：藝術的邊界消融 本章深入分析了傳統藝術門類（繪畫、雕塑）如何被觀念藝術、行為藝術、裝置藝術、錄像藝術等新興媒介所挑戰與擴展。我們將探討，當藝術不再依附於畫布和底座，它所承載的意義是如何發生位移的。藝術家會分享他們如何決定媒介的選擇——為何一個概念必須是行為表演，而非靜態影像？ 第二章：從「符號」到「經驗」的轉譯 當代作品往往複雜、多義，甚至充滿了隱喻。本章將引導讀者掌握解讀藝術作品的幾把關鍵鑰匙： 材料的語義學： 探討藝術家如何選擇特定材料（如工業廢料、日常物件、生物組織）來強化其核心觀點。材料本身即是語言。 空間的介入與結構： 分析裝置藝術如何利用整個展覽空間來創造一種沉浸式的、身體性的體驗，而非僅僅是被觀看的對象。 情境決定意義： 討論作品的背景脈絡——創作的時間、地點、社會氛圍——如何決定了其最終的詮釋方向。 --- 第二部：藝術家的內在圖景——創作核心的揭示 這部分是本書的核心，藝術家們將卸下神祕的面紗，坦誠分享他們的創作方法論、靈感來源，以及在面對創作困境時的掙扎與突破。 第三章：靈感捕獲與概念的孵化 我們不會提供一套標準的「靈感公式」，而是展示藝術家們如何從日常的觀察、歷史的碎片、科學的發現，甚至是夢境中提煉出足以支撐一部作品的強大概念。重點在於「提問」而非「回答」。藝術家如何學會問出那個關鍵的、顛覆性的問題？ 第四章：從草圖到實現：技術與觀念的拉鋸 許多人誤以為當代藝術只關乎「想法」。本章將駁斥這一觀點，詳細闡述技術層面如何服務於概念。 繪畫的復興與轉向： 對於仍專注於繪畫的藝術家，探討他們如何看待傳統技法的當代意義，以及如何運用數位工具輔助其平面創作。 身體作為媒介： 行為藝術家會分享他們如何準備身體、如何與觀眾建立界限與聯繫，以及作品完成後的「殘留物」如何延續作品的生命力。 跨界合作的必要性： 探討與工程師、編程人員、社會學家的合作如何開闢新的藝術表達維度。 第五章：挑戰與倫理的邊界 當代藝術時常涉及爭議性議題，挑戰社會禁忌。藝術家將坦率討論在創作過程中，他們如何處理自我審查、外部壓力，以及作品可能引發的誤解與批評。這不僅是藝術的實踐，更是哲學與倫理的辯論。 --- 第三部：脈絡與未來——藝術在社會中的位置 最後，本書將視角拉遠，探討當代藝術如何與我們生活的世界建立聯繫，以及未來的可能性。 第六章：歷史的迴響與當下的批判 藝術從不孤立於歷史。本章分析藝術家如何有意識地「挪用」（Appropriation）經典圖像或歷史事件，並賦予其新的當代批判性。例如，如何重新解讀神話、殖民遺產或戰後創傷，並將之轉化為對當前政治經濟狀態的評論。 第七章：藝術的社會實踐與參與性 越來越多藝術家選擇走出美術館，參與社區、進行社會干預。我們將展示這類「關係美學」或「社會參與式藝術」的運作模式：藝術如何成為一種催化劑，促進社群對話與改變，而非僅僅是物件的陳列。 第八章：永恆的提問：藝術的未來走向 基於當前技術（如區塊鏈、AI生成內容）的發展，藝術家們對未來十年的創作圖景有何預想？他們認為藝術的「核心價值」是否會隨著媒介的更迭而改變？本章以開放式的探討作結，鼓勵讀者持續保持好奇心，與藝術共同成長。 --- 適合讀者群： 初次接觸當代藝術展覽感到不知所措的入門者。 藝術院校學生，尋求實戰經驗與藝術家心態的參考。 希望從創作者視角深入理解藝術作品內涵的愛好者。 對文化現象、符號學、視覺批判感興趣的廣泛讀者。 這本書提供的，不是標準答案，而是與頂尖藝術家同步思考的過程。它將賦予您足夠的工具與信心，自信地面對任何一幅挑戰您既有認知的當代藝術作品，並與之展開一場充實而富有啟發性的對話。

评分☆☆☆☆☆

阅读这本书的过程，与其说是“阅读”，不如说是一次与创作者精神世界的深度对谈。我发现它不像许多艺术理论书籍那样，上来就抛出一堆晦涩难懂的术语，而是非常务实地从艺术家的“第一视角”切入。那些访谈录或者创作手记部分，文字直白却充满了洞察力，完全没有那种高高在上的学院派腔调。比如，一位艺术家在谈论如何处理“负空间”时，他描述的不是几何学概念，而是他个人在创作过程中，如何平衡“存在”与“缺失”的哲学思考，这种“接地气”的解读方式，瞬间打通了我理解当代艺术的壁垒。它让我意识到，那些看似怪诞的造型和色彩背后，往往隐藏着艺术家对社会、对自我最真诚的困惑与表达，这本书成功地搭建了一座沟通高深艺术与普通人直觉之间的桥梁。

评分☆☆☆☆☆

这本画册的装帧设计简直是一场视觉盛宴，从拿到手的那一刻起，我就被它沉甸甸的分量和细腻的纸张质感所吸引。封面设计大胆而富有张力，那种抽象的色块碰撞，仿佛在无声地邀请你进入一个充满未知的艺术领域。内页的印刷工艺更是无可挑剔，色彩的还原度极高，即便是那些极微小的笔触细节，在铜版纸上也能清晰呈现，让人有种伸手就能触摸到颜料的错觉。我特别留意了那些跨页的大幅作品展示，装订的处理非常巧妙，几乎没有出现令人扫兴的“中缝阴影”，使得观赏体验极为流畅和沉浸。对于我这种喜欢把艺术书当作居家装饰一部分的读者来说，它的实体质感本身就是一种艺术品，摆在书架上，立马提升了整个空间的格调。这种对书籍物理形态的极致追求，让我深刻感受到出版方对“艺术品复制”的尊重与用心，绝非市面上那些轻飘飘、印刷粗糙的平庸之作可比拟。

评分☆☆☆☆☆

我之前一直对某些当代艺术流派感到困惑，总觉得它们是不是在故弄玄虚，但这本书提供的“艺术家内部视角”彻底颠覆了我的看法。例如，对于装置艺术的解读，书中并非侧重于作品最终呈现的静态美感，而是详细描述了艺术家在材料选择、空间布局以及与观众互动的设计理念。这让我明白，很多时候，作品的“意义”并不在于它“是什么”，而在于它“是如何被激活”的。作者们没有给出标准答案，而是引导我们去思考艺术家为什么要选择特定的媒介和方法来承载他们的意图。这种方法论层面的剖析，远比单纯的图像欣赏更有价值，它训练了我的批判性思维，让我学会了在面对一幅新作品时，不再急于评判“美”或“丑”，而是先去探寻它背后的“逻辑链条”。

评分☆☆☆☆☆

这本书的编排节奏把握得相当精准，它像是一部精心编排的交响乐，有高潮，也有宁静的间奏。它没有把所有重量级的、概念复杂的作品堆砌在一起，而是巧妙地穿插了一些看似轻松、实则内涵深远的草图和工作室速写。这些“幕后花絮”极大地丰富了作品的语境，让人得以窥见艺术家从灵光乍现到最终定稿的完整心路历程。我尤其欣赏它对不同地域、不同世代艺术家的平衡呈现，这使得全书的视野非常开阔，避免了陷入单一文化圈的局限。这种包容性和广博性，对于希望构建一个全面当代艺术图景的读者来说，是极其宝贵的资源。每一次翻阅，都能发现之前被忽略的小细节，就像是在一张复杂的地图上，不断解锁新的地标。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，我对艺术史类书籍通常抱有一种敬而远之的态度，总担心自己背景不足，无法完全领会其深意。然而，这本画册的语言风格异常友好，即便是涉及复杂的艺术理论概念，也总能用生动、贴切的日常比喻来辅助说明，这极大地降低了理解门槛。它就像一位耐心的导师，始终站在读者的位置上，循循善诱。我发现自己不再是被动接受知识，而是主动地参与到对艺术的“再创造”过程中。书中对“媒介转换”的讨论尤其精彩，它揭示了艺术家如何打破传统艺术的边界，拥抱新的技术和材料。这本书带来的最大收获是自信心——它让我相信，即使不是科班出身，也能通过正确的引导，真正欣赏并理解那些塑造我们时代精神的伟大艺术创作。