艺术概论教程 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

朱晓军 著

图书标签:

• 艺术史
• 艺术理论
• 艺术欣赏
• 艺术入门
• 绘画
• 雕塑
• 建筑
• 设计
• 文化艺术
• 艺术教育

店铺： 炫丽之舞图书专营店

出版社： 中国传媒大学出版社

ISBN：9787811276787

商品编码：30098598040

包装：平装

出版时间：2009-09-01

基本信息

书名：艺术概论教程

定价：32.00元

作者：朱晓军

出版社：中国传媒大学出版社

出版日期：2009-09-01

ISBN：9787811276787

字数：

页码：

版次：1

装帧：平装

开本：16开

商品重量：0.341kg

编辑推荐

---

内容提要

---

本教材的创新之处在于客观、公正地评价了杜尚以后20世纪迄今近百年的艺术状况，包括波澜壮阔的先锋运动和现代主义艺术等重要的艺术流派和思潮，以及后现代艺术、新媒介革命乃至网络时代艺术领域风起云涌的种种现象。
“艺术概论”作为一门专业基础理论课，从播音主持、广播电视编导、电视节目制作、数字媒体艺术到音乐舞蹈等所有艺术类专业都将其列为专业基础必修课。传媒类相关专业本身对知识更新的迫切要求与传媒学子对新知的渴望，促使我们编写这本教材。
本教材的体例安排与表述方式是为带领“读图时代”成长起来的新一代大学生进入艺术殿堂精心设置的，不仅适用于艺术类院校，对普通高的艺术概论通识教育课程和广大艺术爱好者也有相当的参考价值。

目录

---

0　艺术何为
0.1　从“喷泉”门事件说起
0.2　艺术是什么
0.3　为什么要学习“艺术概论”
0.4　怎样学好“艺术概论”课程
1　起源之谜
1.1　关于艺术起源的各种学说
1.2　原始艺术的发生
1.3　艺术的发展
2　本质之惑
2.1　虚构的真实
2.2　感性的形象
2.3　情感的体验
2.4　审美的享受
3　无用之用
3.1　无功利的性功能
3.2　社会认知功能
3.3　教育与宣泄功能
3.4　审美体验功能
4　天才的秘密
4.1　艺术家
4.2　艺术创作的性质
4.3　技艺、法则和技术
5　缪斯面面观
5.1　艺术分类概说
5.2　美术
5.3　建筑
5.4　音乐
5.5　舞蹈
5.6　戏剧与戏曲
5.7　影像艺术
6　媒介即艺术
6.1　艺术材料与媒介
6.2　艺术传播与艺术变迁
6.3　网络新媒体艺术
7　有意味的形式
8　充实之美
9　赏心悦目
后记

作者介绍

---

文摘

---

序言

---

艺术的迷宫与哲思：一本探索人类创造力边界的导览 书名： 想象力的边界：跨越媒介与时代的艺术对话 引言： 我们生活在一个视觉、听觉和触觉的洪流中，艺术如同河流中的礁石，既是风景的一部分，也承载着水流的记忆与力量。然而，当我们试图理解这些“礁石”的构成、它们如何形成，以及它们对我们自身存在意义的映照时，往往会陷入茫然。本书并非提供一套标准化的“艺术欣赏公式”，亦非对既有艺术史的简单复述。相反，它是一次深入人类创造心智的探险，旨在揭示艺术现象背后的底层逻辑、文化驱动力和个体感知机制。我们关注的焦点是：艺术如何发生？它如何超越其物质载体，成为一种超越时间性的经验？ 第一部分：本体论的追问——何为“艺术”的内核？ 在探讨具体的艺术形式之前，我们必须直面最根本的问题：艺术的本质是什么？本书摒弃了将艺术简化为“美”或“技能”的传统观念。 1. 符号与意义的生成场域： 艺术作品首先是一种高度浓缩的符号系统。本部分将深入分析康德（虽然不直接引用其理论，但探讨其精神内核）关于“无目的的合目的性”的洞察，并将其置于现象学视角下考察。我们探讨艺术家如何通过材料的选取（如油彩的厚度、石头的纹理、声音的频率），建立起一套与日常语言系统并行的、充满张力的意义结构。例如，我们会分析一幅抽象表现主义画作中笔触的“暴力”与“控制”之间的辩证关系，它如何暗示着个体在现代性压力下的生存状态，而非仅仅是色彩的排列。 2. 媒介的限制与解放： 媒介绝非中立的管道。从洞穴壁画到虚拟现实（VR）装置，媒介本身的物理属性和技术限制，深刻地塑造了艺术表达的可能性。我们将详细考察不同媒介的“物质性”如何引导或阻碍了信息的传递。例如，胶片摄影的颗粒感与数字影像的完美光滑感，所唤起的情感经验是截然不同的。我们着重分析媒介转换（如从雕塑到光影艺术）过程中，原有的空间感和时间感是如何被重构和扭曲的。 3. 身体的在场与缺席： 艺术体验本质上是一种身体经验。它不是纯粹的智力活动，而是通过眼睛、耳朵乃至皮肤共同完成的。本章将剖析表演艺术、大地艺术和装置艺术中，观众的“在场”是如何被建构和利用的。我们研究观众如何通过身体的移动、呼吸的同步，与作品建立起一种共振关系，从而完成意义的最终“激活”。 第二部分：历史的碎片与非线性的叙事 艺术史常常被描绘成一条清晰的、从古典到现代的线性进步之路。本书挑战这种结构，主张以“主题切片”的方式，进行跨越时代的对比研究。 1. 崇高与畏惧的考古学： 我们不会从文艺复兴讲起，而是从人类面对自然界“压倒性力量”的原始体验入手。探讨古代祭祀艺术、巴洛克建筑的宏大叙事，以及当代极端景观摄影中，“崇高感”是如何被反复提取和重新包装的。这种对超越个体的力量的敬畏，是艺术最初的驱动力之一。 2. “复制”的瘟疫与原创性的消亡： 瓦尔特·本雅明关于机械复制时代的论述，为我们理解当代艺术提供了绝佳的切入点。我们分析丝网印刷、声音采样（Sampling）以及数字拷贝技术，是如何颠覆了艺术品的“灵光”。本部分着重探讨艺术家在充斥着图像的时代，如何通过“去语境化”（Decoupling）和“挪用”（Appropriation）来重新定义“原创”的价值，例如，探讨波普艺术和后现代主义装置中，对日常物品的“去功能化”处理。 3. 非西方艺术中的时间观： 传统的西方艺术史常常将非西方艺术视为“前历史”或“异域风情”。本书将引入更广阔的视角，探讨不同文化中对时间、循环和永恒的不同理解，如何体现在其视觉和仪式艺术中。例如，日本的“侘寂”（Wabi-Sabi）哲学如何影响其器物美学，以及美洲原住民艺术中对祖先记忆的物质化表达。 第三部分：艺术的社会学与政治的隐喻 艺术从不悬浮于真空中。它与权力、资本和意识形态紧密交织。 1. 资本的驯化与艺术市场的异化： 艺术品如何从具有精神价值的客体，转变为金融资产？本章批判性地审视了美术馆、拍卖行和艺术博览会所构建的“价值评估体系”。我们分析了特定艺术流派（如极简主义）如何因其易于标准化和储存而被资本青睐，以及这种青睐如何反过来影响了艺术家的创作方向。 2. 抵抗的语法：隐秘的语言与可见的干预： 并非所有艺术都服务于体制。本书将聚焦于那些使用“隐晦代码”进行政治批判的艺术实践。从涂鸦艺术中的符号学（Tagging作为领地宣告），到特定历史时期“地下艺术”如何通过象征性语言逃避审查。我们探讨艺术如何在不直接诉诸口号的情况下，精准地刺痛社会的敏感神经。 3. 观众的共谋与道德困境： 当艺术触及禁忌（如暴力、种族或性别议题）时，观众的反应揭示了社会深层的道德边界。我们不提供道德裁决，而是分析艺术家如何设计这种“道德困境”——他们是在挑战边界，还是在利用争议来制造作品的可见度？这关系到艺术作为社会批判工具的有效性边界。 结语： 《想象力的边界》旨在提供一套批判性的工具箱，而非一套确定的答案。读完此书，读者或许不会对某一特定作品的“好坏”给出明确判断，但会拥有更敏锐的眼睛和更深沉的提问能力。艺术的魅力，恰恰在于它永远指向尚未被完全理解的领域，永远在自我消解与重构之中。这本书邀请你带着开放的心态，与人类最深层的创造冲动进行一次严肃而愉快的对话。

评分☆☆☆☆☆

这本《艺术概论教程》绝对是我近年来读过最有启发的书籍之一。它不仅仅是一本关于“艺术是什么”的书，更是一本关于“如何感知世界”的书。作者以一种非常独特而又极富洞察力的视角，剖析了艺术在人类文明中的地位和作用。我之前一直以为艺术只是少数精英的专属，但这本书让我看到了艺术是如何渗透到我们生活的方方面面，从建筑设计到服装潮流，从电影叙事到音乐节奏，无处不在。它让我重新审视了身边的一切，发现原来很多日常的事物都蕴含着深刻的艺术价值。书中关于“意境”的探讨尤其让我印象深刻，让我明白艺术的魅力不仅仅在于形式，更在于它所能唤起的情感和联想。通过阅读这本书，我的思维方式也发生了 subtle 的变化，看待问题不再局限于表面的逻辑，而是开始去感受背后的情感和意图。这对于我的工作和生活都有了积极的影响，让我变得更加敏感和富有同理心。

评分☆☆☆☆☆

这本书简直就是为我量身定做的！我一直对艺术充满好奇，但又觉得它高深莫测，无从下手。市面上有很多艺术史类的书籍，要么过于学术，要么过于泛泛，总觉得抓不住重点。这本《艺术概论教程》的出现，就像一道光，瞬间驱散了我心中的迷雾。它没有直接堆砌那些晦涩难懂的理论，而是从最基础的“看懂艺术”入手，教你如何去欣赏一件作品，从构图、色彩、线条到媒材，细致入微地讲解，仿佛一位耐心的老师，手把手地引导我走进艺术的世界。读完每一章，我都觉得自己的“艺术细胞”被激活了，看画展也不再是走马观花，而是能发现更多细节，体会到艺术家想要传达的情感。最让我惊喜的是，它还穿插了很多生动的案例，从古老的壁画到现代的雕塑，从油画到装置艺术，涵盖了各个时期和流派，让我能将理论与实践相结合，真正理解艺术是如何发展演变的。这本书的语言风格也非常亲切，没有那种高高在上的感觉，让我这个艺术小白也能轻松理解，并且激发了我想继续深入学习的动力。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我带来的不仅仅是知识的增长，更是一种精神上的洗礼。我一直觉得，艺术是与我们的心灵对话的一种方式，而《艺术概论教程》恰恰在这方面做得非常出色。它没有教你如何去“成为”艺术家，而是教你如何去“感受”艺术，如何与艺术建立联系。书中关于“美学”的讨论，让我开始思考什么是真正的美，以及美在不同文化、不同时代是如何被定义的。这种思考过程是非常愉悦且富有启发性的，让我不仅对艺术有了更深的理解，也对自身的情感和价值有了更多的认识。我尤其喜欢书中关于“情感表达”的部分，作者用了很多贴切的例子，说明艺术是如何将抽象的情感具象化，并且与观众产生共鸣的。读完这本书，我感觉自己的内心变得更加柔软和丰富，看世界的眼光也更加多元。

评分☆☆☆☆☆

老实说，我原本以为这本《艺术概论教程》会是一本“看完就忘”的速成读物，但没想到它却在我心中留下了如此深刻的印记。它最吸引我的地方在于，它不是简单地罗列事实，而是试图去“解释”艺术背后的逻辑和价值。例如，在讨论某个艺术流派的形成时，作者不仅仅会介绍它的代表作品，还会深入挖掘它产生的社会根源、哲学思想，甚至是当时的科技发展对其产生的影响。这种“追根溯源”的分析方式，让我不再觉得艺术是凭空出现的，而是与人类文明的发展紧密相连。更难得的是，这本书的结构安排也非常合理，内容由浅入深，逻辑清晰，即使是初学者也能轻松理解。我尤其赞赏作者在讲解过程中，始终保持着一种非常理性和客观的态度，既不夸大其词，也不贬低任何一种艺术形式。读完这本书，我不仅对艺术有了系统的认知，也对人类的创造力和想象力有了更深的敬畏。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我之前对“艺术概论”这类书籍一直抱有一种敬而远之的态度，觉得它们要么枯燥乏味，要么内容空洞。但《艺术概论教程》彻底颠覆了我的认知。它最棒的地方在于，它没有回避艺术史上的那些“硬骨头”，但又用一种非常巧妙的方式将它们呈现出来。比如，在讲解某个艺术运动时，作者不会上来就罗列一大堆艺术家和作品，而是先从当时的社会背景、哲学思潮入手，让读者理解为什么会有这样的艺术产生。然后，再慢慢引入代表性的作品和艺术家，并且会深入剖析它们的特点和意义。这种循序渐进、层层递进的方式，让我能够轻松地跟上作者的思路，并且在理解了宏观背景之后，再去品味作品，会发现它们更加迷人。书中对不同艺术媒介的分析也让我大开眼界，我以前只知道油画、雕塑，这本书让我了解到摄影、影像、行为艺术等更多元的艺术形式，并且理解了它们各自独特的表达方式。