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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 1

ISBN：6703287059928

商品编码：29867274510

基本信息

 

书 名：卡尔卡西古典吉他教程 作 者：王 震 开 本：850x1168 1/16 定 价：29.80元 页 数：162页 厚 度：8 mm 净 重：480克 谱 号：五线谱
光 盘：1DVD(视频)讲解示范 难 度：初、中级
属 性：古典吉他教材 出 版 社：现代出版社 印 刷：2012年2月 内容推荐

 

台湾的三位乐手，精心编选了30首经典流行歌曲，将它们的声部简化，以流行乐队的形式重行进行了编排与整理，除了每一首歌曲的乐谱以外，书中还附有乐曲简介以及演奏指导，并且配有完整的示范音频与除去电贝斯声部的练习伴奏音频。

 

作者介绍

刘旭明，Musicians Institute Hollywood（MI）毕业，多所大专院校与高中音乐教师，为极少数能够胜任从重金属到爵士乐等各种音乐类型的吉他手。除了吉他教学外，录音的作品也遍及各广告、电视电影酉己乐、唱片单曲与专辑等。出版的吉他教材包括《前卫吉他》《现代吉他系统教程》《电吉他入门24课》等。

 

目录

01.我说的不是爱／范·海伦
02.重蹈覆辙／兰尼·克拉维茨
03.顺便说一下／红辣椒乐队
04.切诺基／欧洲乐队
05.一如既往／涅槃乐队
06.不要哭泣／枪炮与玫瑰乐队
07.睡魔入侵／金属乐队
08.浅绿色的60年代／大先生乐队
09.我又来了／白蛇乐队
10.加州旅馆／老鹰乐队
11.我无法告诉你为什么／老鹰乐队
12.-后／林肯公园乐队
13.带走我的心／大先生乐队
14.一段快乐的时光／毒药乐队
15.更近一步／林肯公园乐队
16.打开你的心／欧洲乐队
17.紫色的雾／吉米·事德里克斯
18.秘密失败者／奥齐·奥斯本
19.水上的烟雾／深紫乐队
20.某人／布莱恩·亚当斯
21.通往天堂的阶梯／齐柏林飞船乐队
22.69年的夏天／布莱恩·亚当斯
23.晕头转向／U2乐队
24.从这条路走／空气铁匠乐队
25.黄色／酷玩乐队
26.你震惊我整夜／交流／直流乐队

现代音乐制作与声音设计：从理论到实践 本书旨在为有志于深入探索现代音乐制作与声音设计领域的学习者提供一套全面、系统且富有实践指导性的教程。内容涵盖了从基础声学原理到前沿数字音频工作站（DAW）操作，再到复杂音色构建与混音母带处理的完整流程。本书特别强调理论与实践的紧密结合，力求让读者不仅理解“是什么”，更能掌握“如何做”。 --- 第一部分：声音的本质与数字音频基础 (The Essence of Sound and Digital Audio Fundamentals) 本部分将奠定读者对声音的科学认知和数字处理的基础框架。 第一章：声学基础与听觉心理学 声音的物理属性： 详细探讨声波的产生、传播与接收机制，包括频率、波长、振幅、相位和泛音结构。 听觉的生物学与心理学： 介绍人耳的工作原理、听阈、响度感知、音高判断以及掩蔽效应等关键概念。理解声音如何被我们的大脑解析，是有效设计声音的前提。 音乐调性与律制： 深入解析十二平均律、纯律的历史演变及其在现代音乐制作中的应用选择。探讨不同调律体系对听感的影响。 房间声学入门： 基础的室内声学概念，如混响时间（RT60）、驻波、反射与吸收，以及它们对录音和混音质量的决定性作用。 第二章：数字音频的转换与结构 模拟到数字的桥梁： 详述采样率（Sample Rate）与位深（Bit Depth）的原理及其对频率响应和动态范围的影响。探讨量化误差与抖动（Jitter）的控制。 文件格式与编码： 对比无损格式（如WAV, AIFF）和有损压缩格式（如MP3, AAC）的优劣。介绍音频元数据管理。 DAW 平台概览与工作流程： 介绍主流数字音频工作站（如Pro Tools, Logic Pro X, Ableton Live, Cubase）的界面、核心功能和定制化设置。建立高效的项目组织规范。 时钟同步与延迟管理： 理解音频接口、MIDI设备与软件之间的时间同步问题，学习如何最小化系统延迟以保证录音和演奏的精确性。 --- 第二部分：声音的获取与编辑 (Sound Acquisition and Manipulation) 本部分聚焦于如何专业地捕捉外部声音并对其进行精细的数字化编辑。 第三章：麦克风技术与录音实践 换能原理与拾音模式： 全面解析动圈、电容（心形、全指向、超心形等）和铝带麦克风的工作原理和适用场景。 近讲效应与距离衰减： 实践中如何利用麦克风与声源的距离来塑造音色和控制低频的增益。 立体声录音技术： 深入学习ORTF、XY、Blumlein（布莱姆林）等主流立体声拾音阵列的布设技巧及其空间成像特点。 实践录音工程： 针对人声、原声乐器（如鼓组、弦乐、铜管）的特定收音方案设计，强调在声学环境中进行优化决策。 第四章：MIDI、虚拟乐器与采样技术 MIDI协议深度解析： 不仅限于音符开/关，还包括弯音轮、触后（Aftertouch）、控制器信息（CC）的深度编程与自动化。 软件合成器架构： 剖析减法合成（Subtractive）、加法合成（Additive）、频率调制（FM）、波表（Wavetable）和颗粒（Granular）合成的核心工作流程。 采样库的构建与使用： 学习如何高效管理大型采样音色库，掌握循环点设置、映射编辑和多层采样技术，以创造逼真的虚拟乐器演奏。 脚本化与表情控制： 利用脚本语言或高级控制器接口，实现对虚拟乐器复杂演奏表情的实时控制和预设管理。 --- 第三部分：声音的塑形：效果器与效果链设计 (Sculpting Sound: Processors and Chain Design) 本部分是声音设计的核心，着重于使用各类效果器来改变、增强或重构原始声音。 第五章：动态处理的艺术 压缩器（Compressor）的参数精讲： 阈值、比率、起音（Attack）、释放（Release）与软/硬拐点（Knee）的交互作用。区分VCA、FET、光电管等不同电路模拟类型。 限幅器（Limiter）与削波（Clipping）： 掌握响度最大化技术，理解透明限幅与饱和失真之间的平衡点。 噪声门（Gate）与扩展器（Expander）： 专业的降噪与声音塑形工具，学习如何精确控制声音的起止边缘。 侧链压缩与并行处理： 进阶动态控制技巧，例如“泵浦效应”的实现与侧链均衡的应用。 第六章：频率塑造与滤波器设计 均衡器（EQ）的类型与应用： 掌握图形均衡器、参数均衡器（PEQ）和动态均衡器的选择标准。区分切除（Cut）与提升（Boost）对声音相位和瞬态的影响。 滤波器拓扑结构： 深入了解一阶、二阶滤波器，以及梳状滤波（Comb Filtering）现象。 动态EQ的精确控制： 识别并自动修正频率段内的能量峰值，实现对特定频率的智能处理。 第七章：时间、空间与调制效果 混响（Reverb）的模拟： 深度解析板式、弹簧、房间和卷积混响的原理。学习如何通过调整衰减时间、扩散度和前延时间（Pre-Delay）来构建空间感。 延迟（Delay）与回声： 掌握Ping-Pong、磁带延迟的模拟，以及利用复古延迟制造声像移动和节奏感。 调制效果（Modulation Effects）： 细致研究合唱（Chorus）、镶边（Flanger）、相位器（Phaser）的工作原理，以及如何利用LFO（低频振荡器）来赋予声音运动感。 失真与饱和（Distortion & Saturation）： 区别过载、失真、位深削波，并学习使用这些效果器为声音增加“温暖度”和“冲击力”。 --- 第四部分：混音、母带与声音的最终呈现 (Mixing, Mastering, and Final Presentation) 本部分将指导读者完成从多轨编辑到最终发行成品的全过程。 第八章：多轨混音的策略与技术 声像（Panning）与空间定位： 运用双耳听觉原理，建立清晰的声像定位策略。理解相位关联性在立体声场中的重要性。 自动化（Automation）的精细运用： 学习如何对音量、声像、效果器参数进行精确的时间轴自动化编写，以增强故事性和动态变化。 混音的参考与平衡： 建立参考音轨系统，掌握“减法混音”优先原则。学习如何平衡不同乐器组之间的能量分配。 总线（Bus）路由与效果链： 高效组织混音文件，利用总线进行分组处理（如鼓组总线、人声总线），以统一处理信号的动态和空间感。 第九章：母带处理（Mastering）的标准化 母带处理流程与目标： 明确母带处理是声音的最后润饰，而非修复混音错误的环节。设定商业发行响度标准（如LUFS）。 母带EQ与动态控制： 学习如何使用高品质均衡器进行最后的微调，以及多段压缩和限制器在母带处理中的应用。 立体声宽度管理： 探讨如何通过M/S（中侧）处理技术来控制立体声场的宽度和相位对齐，确保单声道兼容性。 母带输出格式与质量控制： 针对流媒体平台、CD压片和黑胶唱片的不同要求，输出最终文件，并进行严格的瑕疵检查。 第十章：声音设计在创意领域的应用 电影与游戏音频范式： 介绍声音设计在叙事中的核心作用，包括环境音效（Ambiance）、拟音（Foley）和特殊音效（SFX）的制作流程。 合成器音色设计的工作流： 针对特定需求（如爆炸声、未来科技感声音、生物合成）设计复合音色。 声音重塑与纹理化： 利用复杂的音频处理链（如串联失真、移调、高密度混响）将基础声音转化为全新的听觉体验。 版权与发行： 了解音乐制作的知识产权基础，以及将作品推向市场的渠道和合规要求。 --- 本书的附录部分将提供一套详尽的速查表，包括常用的DAW快捷键、标准行业电平设置指南、以及针对特定流行音乐风格（如电子舞曲、嘻哈、电影配乐）的混音建议模板。

评分☆☆☆☆☆

这本书拿到手的时候，我其实是抱着非常忐忑的心情。毕竟“零基础入门”这几个字现在已经被用烂了，很多教材要么就是故作高深，上来就跟你讲一堆乐理术语，把我这种完全的小白绕得晕头转向；要么就是过于简单，只教你几个和弦，弹不出个像样的曲子，很快就失去了兴趣。但这本书，真的是给我带来了惊喜。首先它的装帧设计就挺用心，纸张质量不错，看着舒服。最让我满意的是它的编排逻辑，简直是为我这种“手残党”量身定做的。它不是那种枯燥地堆砌练习曲的，而是循序渐进地引入新的技巧，每一步都有明确的目标和可量化的进步。比如刚开始练习右手拨弦的独立性时，它会用非常清晰的图示来分解动作，甚至连手指的位置、指甲的走向都有详细的标注，这比看网上的模糊视频要直观多了。而且，它里面选取的练习曲目，虽然是古典范畴，但前期的曲子难度控制得极好，总能在你觉得快要放弃的时候，给你一个“我竟然能弹下来了！”的成就感，这种及时的正反馈对于坚持下去太重要了。我之前买过一本号称“速成”的，结果练完第一页，我的手指就僵硬得抬不起来了，这本书的节奏感就把握得恰到好处，让你在不知不觉中，手指的灵活性和耐力都得到了锻炼。我感觉它真正做到了把复杂的古典吉他学习路径，拆解成了适合新手消化吸收的小模块，真正让我看到了从“完全不懂”到“能像模像样弹奏”的希望，而不是让人望而却步。

评分☆☆☆☆☆

我一直对古典吉他这种乐器抱有一种高不可攀的距离感，总觉得那是需要从小熏陶，天赋异禀的人才能驾驭的。所以当我决定尝试学习时，我几乎把市面上所有主流的入门教材都翻了个底朝天。很多教材的作者似乎忘了自己面对的是完全没有基础的学员，上来就是大篇幅的五线谱阅读和复杂的指法图，让我感觉自己像在啃一本天书。我更倾向于那种带有强烈“实用主义”色彩的学习工具，而不是学院派的理论灌输。这本书的独特之处在于，它似乎更注重“动手能力”的培养，而非纯粹的理论构建。它在引入新知识点时，总是紧密结合一个具体的、可快速实践的小练习或小片段。这种“学一点，练一点，马上看到效果”的模式，极大地降低了学习的挫败感。我尤其欣赏它对持琴姿势和基础用力的讲解，那部分内容图文并茂，甚至连呼吸节奏和身体放松的建议都有涉及，这表明编者是真正从“如何舒服地、可持续地练琴”的角度出发的，而不是仅仅停留在音符和节奏层面。对于我这种业余爱好者来说，能优雅地、不别扭地坐下来弹奏，比一下子弹奏出巴赫的赋格曲要实际得多。它让我觉得，古典吉他并非高岭之花，而是可以通过正确的方法触及的艺术。

评分☆☆☆☆☆

我是一个对学习材料的“严苛型”用户，我会仔细对比不同教材的清晰度、耐用性和信息密度。坦白说，市面上很多所谓的“入门教材”，内容少得可怜，简直就是一本精美的“宣传册”，几页纸就把你打发了。而这本《吉他教学书》给我的第一印象是“厚道”。它的内容深度和广度都超出了我的预期。它不仅仅是教你“怎么弹”，更在潜移默化中植入了对古典吉他历史和风格的初步认知。比如，在某些练习曲的旁边，会有简短的注释，介绍这个练习曲的风格或背后的音乐背景，这虽然不是核心教学内容，但对于提升学习者的“乐感”和兴趣，起到了非常好的辅助作用。我发现，当我理解了这些片段背后的音乐语境时，我的演奏也会更有感情，不再是机械地敲击琴弦。而且，它的配图和谱面印刷质量非常专业，线条清晰，即使在光线不好的地方练习，也不容易看错音符。对于需要长期翻阅的教材来说，这种硬件质量上的保证是至关重要的，它意味着我可以把它放在琴包里经常带着走，不用担心会损坏。这种对细节的关注，体现了出版方对严肃学习者的尊重。

评分☆☆☆☆☆

我之前断断续续学过好几种乐器，深知“教法是否贴合时代”的重要性。很多老教材虽然经典，但其教学思路可能已经不太适应现代快节奏的学习习惯了。这本教材在保持古典音乐严谨性的同时，巧妙地融入了现代教学的理念。我特别喜欢它在讲解一些技巧时，会提供多种思路。比如，对于一个琶音练习，它可能先提供一种最基础的指法，然后紧接着提供一个“进阶变体”或者“更容易上手的简化版本”。这种多路径的选择，极大地照顾了不同个体之间的差异性。我观察到，很多初学者在面对标准指法不顺手时会感到气馁，但如果有一个替代方案可以先“达成目标”，就能很好地维持学习动力。此外，教材在难度递进上做得非常自然流畅，它不会让你在A阶段还没巩固好，就急匆匆地被推到B阶段去面对新的难点。每次翻过一章，我都会有一种“原来我真的学会了”的踏实感，而不是被动地接受信息。这种以学习者为中心的教学设计，让我觉得这是一本真正懂得“如何教零基础学员”的书籍，而不是一本“把曲谱堆砌在一起的参考书”。

评分☆☆☆☆☆

作为一名对音色和音乐表达有一定追求的业余爱好者，我非常看重教材在“音乐性”上的引导。很多入门教材只关注“弹对音符”和“弹对节奏”，却忽略了古典吉他作为一种充满歌唱性的乐器，其抑扬顿挫和音色变化的重要性。这本书在这方面做得相当到位。它不仅仅是黑白谱面，它在很多地方加入了意大利文（或德文）的表情术语标注，并且给出了非常通俗易懂的解释，比如什么是 legato，什么是 tenuto，它们在吉他上的具体指法实现方式。我发现，当我开始注意这些细微的音乐记号时，我弹奏出来的旋律立马就不一样了，从“咚咚响”变成了有呼吸感的“歌唱”。而且，教材中穿插的练习曲目，虽然简单，但都具有很强的旋律性，这使得练习过程本身就成了一种愉快的音乐体验，而不是机械的肌肉训练。它成功地把我从“一个想弹琴的人”塑造成了“一个想要理解和表达音乐的人”，这是我之前所有学习材料都未能达到的高度。这种对音乐深层次表达的启蒙，才是这本教材最宝贵的价值所在。