单声部视唱基础教程谭惠玲上海音乐出版社考研大专教材9787806675724 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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谭惠玲 著

图书标签:

• 视唱练耳
• 音乐基础
• 单声部
• 谭惠玲
• 上海音乐出版社
• 考研
• 大专
• 教材
• 音乐教学
• 声乐基础

店铺： 佳期如梦图书专营店

出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787806675724

商品编码：29859853336

页数：270

图书基本信息
书名：	单声部视唱基础教程
丛书名：
作者/主编：	谭惠玲
出版社：	上海音乐出版社
ISBN号：	9787806675724
出版年份：	2014-02-01

版次：	第二版
总页数：	270
开本：	16开
图书定价：	48.00元
实际重量：	640g
新旧程度：	全新

使用说明 
部分 节奏练习 
基本节奏型名称及速记符号 
单元 入门练习及二八节奏型 
第二单元 含十六分音符的简单节奏型 
第三单元 附点节奏型 
第四单元 切分节奏型 
第五单元 八三拍子、八六拍子及三连音 
第六单元 弱起节奏及较复杂的切分节奏 
第七单元 不同拍子的对比练习 
第八单元 节奏综合练习 
第二部分 视 唱 
章 C大调及常用自然调式 
单元 高音谱表四二拍子 
第二单元 低音谱表四四拍子 
第三单元 四三拍子 
第四单元 含十六分音符的简单节奏型 
第五单元 附点节奏型 
第六单元 切分节奏型 
第七单元 弱起节奏 
第八单元 八三拍子和八六拍子 
第九单元 简单的三连音节奏 
第十单元 综合练习 
第二章 一、二、三个升降号调号内的大调及常用自然调式 
单元 G大调及常用自然调式 
第二单元 F大调及常用自然调式 
第三单元 D大调及常用自然调式 
第四单元 bB大调及常用自然调式 
第五单元 A大调及常用自然调式 
第六单元 bE大调及常用自然调式 
第七单元 和声大调及旋律大调 
第三章 三个升降号调号内的小调式 
单元 a小调 
第二单元 e小调 
第三单元 d小调 
第四单元 b小调 
第五单元 g小调 
第六单元 #f小调 
第七单元 c小调 
附录一 部分常用音乐术语 
附录二 指挥图式 
后 记

《单声部视唱基础教程》共分为两个部分：部分内容为节奏训练；第二部分内容为视唱。
　　《单声部视唱基础教程》书末附录部分常用音乐术语和指挥图式。

经典声乐训练与合唱艺术：全面解析与实践指南 本书聚焦于声乐艺术的基石——发声原理的深度探索，以及合唱实践中的核心技术与审美追求。它旨在为音乐学院学生、合唱指挥、专业声乐教师以及对声乐学习有浓厚兴趣的爱好者提供一套系统、全面且富有实践指导意义的参考资料。 --- 第一部分：人声发声机制的科学解析与训练基础 (约500字) 本部分将深入剖析人类发声器官的精细结构与功能，从生理学角度阐释“声音是如何产生的”。我们首先从呼吸系统的基础——气息的获得、储存与控制入手，详细阐述腹式呼吸（膈肌呼吸）的正确操作方法，区分不同类型的呼吸支撑，并提供一系列循序渐进的练习，以确保气息的稳定与持久性，这是所有高级技巧的先决条件。 接着，本书将重点探讨声带的振动机制。通过对声带形态、张力与厚度变化的研究，解释不同音高和强弱变化是如何通过声带的微调实现的。我们将辨析“声带闭合”的重要性，并提供针对性的练习来改善声带的有效接触，避免气息泄漏或过度挤压。 在共鸣腔体的运用方面，本书提供了详尽的图解和描述，将头腔、口咽腔、胸腔等主要共鸣区域的功能进行了细致划分。强调“打开喉咙”并非简单的张大口，而是通过调整舌位、软腭提升和下颚的放松来实现最佳的共鸣聚焦。针对不同类型的声音（如女高音、男中音等），书中会提供针对性的共鸣点引导，帮助学习者找到自己声音的“核心”与“穿透力”。 此外，音准的训练是本部分的核心环节之一。我们不仅停留在基础的听辨练习，更深入探讨听觉训练与发声控制之间的神经反馈机制。通过对纯律与十二平均律的理解，结合节奏与节拍的精确控制，确保学生在进行跨越式音程、半音阶及琶音练习时，能够建立起稳固的内在听觉模型。 关键词： 膈肌呼吸、气息支撑、声带闭合、共鸣聚焦、听觉训练、音高精确性。 --- 第二部分：歌唱技巧的精进与风格化处理 (约550字) 掌握了发声基础后，本部分着重于将这些基础转化为富有表现力的歌唱技巧。我们将系统地梳理不同声部（Soprano, Alto, Tenor, Bass）的技术特点与发展路径。 连贯性与换声区处理（Passaggio）： 换声区的平稳过渡是衡量一位歌唱家技术成熟度的重要标志。本书详细分析了胸声、中声区与头声的声学特征，并提供了一系列“声区融合”的练习，旨在消除声音的断裂感，实现音域内音色的统一性与流畅性。这部分内容将避免僵硬的“混声”概念，而是强调在不同区域内保持正确的发声感觉与共鸣位置的动态调整。 咬字与语言的清晰度： 歌唱中的吐字必须清晰可辨，同时不能破坏声音的连贯性与共鸣。书中将结合意大利语、德语、法语及母语（中文）的发音特点，提供具体的元音与辅音在歌唱中的处理技巧。强调“元音先行，辅音跟随”，确保咬字动作对歌唱气息和共鸣的干扰最小化。 力度控制与动态范围： 从极弱的 pianissimo 到强有力的 fortissimo，声音的动态变化是情感表达的翅膀。本书探讨了如何通过精确的气息压力调节来实现音量的平稳增减，避免“用力”带来的音质劣化。特别讨论了 crescendo 和 diminuendo 在不同乐句中的审美运用。 装饰音与花腔技巧： 针对巴洛克及古典时期音乐中常见的装饰音（如颤音、回音、琶音跑动等），本书提供了专门的练习体系，注重手指的轻巧与气息的持续性在这些快速技巧中的配合。强调装饰音的“精准性”远胜于“速度”。 风格与诠释： 技巧的最终目的是服务于音乐内容。本书简要介绍了不同历史时期（如文艺复兴、巴洛克、古典、浪漫直至近现代）的演唱风格差异，引导学习者理解文本、旋律与和声结构对演唱处理方式的影响，培养对作品的深度洞察力。 关键词： 换声区融合、音色统一、清晰咬字、动态控制、装饰音训练、风格辨识。 --- 第三部分：合唱排练与指挥艺术的桥梁 (约450字) 虽然本书的核心是个人演唱技巧，但理解合唱艺术的运作机制对于任何声乐学习者都至关重要。本部分从个体声音如何融入整体的视角，探讨合唱实践中的关键要素。 合唱声部的平衡与音响构建： 探讨如何根据作品的织体（Texture），调整个体音量，以实现和声的清晰度和整体音响的丰满度。重点分析了“内声部支撑”与“旋律线条突出”之间的动态平衡策略。 合唱音准的集体校准： 区别于独唱的个体音准，合唱对“平均律”的理解和对“纯律”的追求更为复杂。本书分析了和声进行中“导音”的处理，以及如何通过集体倾听来微调音高，实现和声的“共振”效果。 指挥与演唱者的沟通： 阐述了清晰的手势、眼神交流以及呼吸引导在合唱排练中的作用。对于演唱者而言，如何解读指挥的意图（如重音、连贯性、速度变化）并迅速在技术上予以实现，是高效排练的关键。 作品分析与角色定位： 即使在合唱中，每个声部也扮演着特定的音乐角色。本部分引导学习者进行乐谱的深度分析，理解自己声部的旋律走向、和声功能以及与整体的对话关系，从而使演唱更具目的性和深度。 关键词： 和声平衡、集体音准、指挥解读、乐谱分析、合唱织体。 --- 结语： 本书提供了一套基于科学原理和艺术实践相结合的系统方法论，旨在帮助学习者构建坚实的个人技术基础，并在此基础上，发展出富有表现力、技术全面且风格多样的演唱能力。通过对气息、共鸣、咬字与乐感的全面训练，读者将能够更自信、更深刻地驾驭不同类型的声乐作品。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计相当有心思，纸张的质感摸上去很舒服，不是那种廉价的、一翻就容易破损的纸张。封面设计简洁而不失稳重，配色和字体选择都很符合教材的定位，一看就是经过专业出版社打磨过的作品。内页的排版布局也十分清晰，五线谱的印刷清晰度极高，线条干净利落，即便是初学者面对密集的音符也不会感到眼花缭乱。作者在符号标注和关键概念的解释上，处理得非常到位，关键的重音、休止符的提示都用醒目的方式标示出来，这对于自学者来说简直是福音。更值得称赞的是，书中对音程和和弦结构的图解部分，不仅仅是文字描述，还配有非常直观的几何图形辅助理解，让抽象的乐理知识瞬间变得生动起来。这样的用心程度，让我感觉这不是一本冷冰冰的教学工具书，更像是一位经验丰富的老师在手把手地指导你入门。对于需要长期使用的教材来说，这种扎实的物理质量和精细的排版处理，无疑大大提升了学习的愉悦度和效率，绝对是物有所值的一笔投资。

评分☆☆☆☆☆

这本书的理论体系构建逻辑简直是教科书级别的典范，它没有急于求成地堆砌复杂的技巧，而是循序渐进地引导学习者建立稳固的基础认知。起初的章节对于基础乐理的复习和巩固做得极其扎实，每一个新的概念引入，都紧密地与前置知识点相连接，使得整个学习过程非常流畅，几乎没有卡壳的地方。我特别欣赏作者在处理视唱练习的难度递进上所展现出的精妙平衡感。例如，在引入不同拍号的练习时，首先会用最简单的节奏型进行铺垫，然后再逐步增加附点和切分音的复杂程度，这种“小步快跑”的策略让大脑有足够的时间去消化和吸收。更重要的是，它强调了“听觉”与“视觉”的同步训练，很多练习都是以音乐场景化的方式呈现，而不是单纯枯燥的音符排列，这极大地激发了我对音乐的感性理解，而不是仅仅停留在机械地“唱准”音高上。这种从宏观结构到微观细节都经过深思熟虑的编排，让人感到学习过程是建立在坚实的地基之上的，非常可靠。

评分☆☆☆☆☆

作为一名多年的乐理自学者，我深知市面上很多视唱教材在情感表达和音乐性培养方面往往有所欠缺，往往只注重音准和节奏的准确性，而忽略了音乐的“灵魂”。然而，这本教程在这方面做得尤为出色，它似乎不仅仅是在教你如何“看谱”，更像是在教你如何“听音乐”。在一些略微复杂的旋律段落，作者会附带一些简短的注解，提示学习者该如何处理乐句的呼吸和强弱变化，这些细微的指导，对于提升演唱的表现力至关重要。比如，在处理一些具有歌唱性的长乐句时，它会巧妙地引导我们去想象旋律的起伏，就像是说话一样去处理乐句的连贯性，而不是僵硬地逐个音符蹦出来。这种注重音乐内在逻辑和人文关怀的教学方式，让原本枯燥的视唱练习变成了一种富有创造性的探索。它不仅仅满足了应试的要求，更重要的是，它点燃了我们对真正音乐的追求，让我体会到视唱不仅仅是技术，更是一种音乐语言的入门。

评分☆☆☆☆☆

从实操性的角度来看，这本书的练习素材丰富程度和针对性达到了一个令人惊叹的水平。它似乎覆盖了几乎所有你在音乐学习道路上可能会遇到的视唱难点，无论是大跳音程的准确把握，还是复杂节奏型的流畅处理，都能在对应的章节找到精准的靶向练习。我尤其喜欢其中关于移调练习的设计，它不是简单地提供几组固定的调式转换，而是设计了一系列基于特定音程关系的练习组，这样可以训练我们在任何调上都能快速建立起相对音高感。此外，书中对节奏型的分解训练也非常到位，它不只是给出固定的节奏型，还会引导我们用不同的速度和力度去尝试，这对于培养节奏的稳定性和灵活性非常有帮助。很多练习的难度设置得恰到好处，当你感觉刚刚掌握了一种技巧时，下一组练习就会带来新的挑战，这种持续的、有压力的进步感是自学过程中最宝贵的东西。感觉作者对不同学习阶段的学员的“痛点”有着非常深刻的理解和洞察。

评分☆☆☆☆☆

这本书在辅助资源的整合与利用上也体现了现代教学的前沿理念。虽然我手头拿的是纸质版教材，但我注意到书中频繁出现的二维码和明确的网站指引，这表明它并非孤立存在的学习材料，而是与数字化资源深度融合的。这对于我们这些需要反复听取标准范唱来校准自己发声和音准的学习者来说，简直是太方便了。标准音频的提供，确保了我们在练习时能够拥有一个可参考的“黄金标准”。而且，根据我初步了解，这些配套资源不仅仅是简单的朗读或演唱音频，还包含了不同速度的伴奏版本，这允许学习者根据自己的进度自由选择练习环境，既可以追求准确性，也可以在更贴近真实演唱的条件下进行巩固。这种将传统纸质教材的深度与现代数字媒体的便利性完美结合的做法，无疑是当下高等音乐教育教材的一个优秀范本，极大地拓宽了传统教材的使用边界和学习体验。