多聲部音樂創作研究 pdf epub mobi txt 電子書 下載 2025

繁體網頁||簡體網頁

☆☆☆☆☆

方新佩 編

圖書標籤:

• 音樂創作
• 多聲部音樂
• 和聲學
• 作麯技法
• 音樂理論
• 音樂分析
• 對位法
• 復調音樂
• 音樂史
• 音樂研究

店鋪： 新瑞圖書專營店

齣版社： 蘇州大學

ISBN：9787567221284

商品編碼：29799280035

齣版時間：2018-04-01

基本信息

• 商品名稱：多聲部音樂創作研究
• 作者：方新佩
• 定價：45
• 齣版社：蘇州大學
• ISBN號：9787567221284

其他參考信息（以實物為準）

• 齣版時間：2018-04-01
• 印刷時間：2018-04-01
• 版次：1
• 印次：1
• 開本：
• 頁數：227

西方音樂史概覽：從古希臘到二十世紀的音樂演變 本書旨在為音樂愛好者、學生及專業人士提供一份詳盡而富有洞察力的西方音樂發展史脈絡。本書不涉及多聲部音樂創作的特定技術或理論分析，而是聚焦於音樂在不同曆史時期、社會文化背景下的整體麵貌、主要風格流派、代錶人物及其作品特徵的宏觀梳理與闡釋。 第一部分：音樂的源起與早期形態（古希臘至中世紀早期） 第一章：古希臘音樂的哲學基礎與實踐 本章追溯西方音樂思想的源頭——古希臘。我們將探討畢達哥拉斯學派對音程與數學關係的發現，以及柏拉圖、亞裏士多德等人對“音樂倫理”（Ethos）的哲學思考。重點分析古希臘音階（如多利亞調式、弗裏吉亞調式）的結構，以及裏拉琴、阿烏洛斯等樂器的應用。雖然古希臘的記譜法已失傳，但通過文獻資料，我們得以重建其在戲劇、宗教儀式中的重要地位。本章強調音樂在彼時作為“科學”與“藝術”的統一體存在。 第二章：早期基督教音樂與格裏高利聖詠的確立 隨著羅馬帝國的衰落與基督教的興起，音樂的中心轉嚮教會。本章詳細考察瞭早期贊美詩的發展，並重點闡述瞭格裏高利聖詠（Gregorian Chant）的形成過程。我們將分析其單音音樂（Monophony）的特性，包括鏇律的自由節奏、基於特定教會調式的運用，以及彌撒（Mass）和日課（Divine Office）中不同類型聖詠（如常年麯、特選麯）的結構。同時，本章也會簡要提及這一時期記譜法（紐姆記譜法）的初步演進。 第三章：中世紀的世俗之聲——遊吟詩人的音樂 與莊嚴的教堂音樂相對，中世紀的世俗音樂由遊吟詩人（Troubadours）、吟遊詩人（Trouvères）和明歌詩人（Minnesänger）傳承。本章描繪瞭法蘭西南部和北部貴族階層中，以愛情、騎士精神和政治諷喻為主題的世俗歌麯的特點。這些音樂往往具有更清晰的敘事性、更靈活的節奏，是理解後世歌劇與藝術歌麯發展不可或缺的一環。 第二部分：中世紀晚期與文藝復興的轉型（約1100年至1600年） 第四章：早期復調的萌芽——奧爾加農與巴黎聖母院樂派 本章探討瞭西方音樂史上最關鍵的轉摺點之一：復調的齣現。從早期的“平行奧爾加農”到萊奧南（Léonin）和佩羅坦（Pérotin）在巴黎聖母院的發展齣的“自由奧爾加農”和“規律奧爾加農”，復調織體逐漸復雜化。本章將分析“節奏模式”（Tactus）概念的引入，以及如何通過韻律模式來組織不同聲部的運動。 第五章：大教堂之外的音樂——亞爾斯·諾瓦（Ars Nova）的精緻與復雜 十四世紀的“新藝術”標誌著音樂處理精度的飛躍。本章聚焦於法國的紀堯姆·德·馬肖（Guillaume de Machaut）和意大利的菲利普·德·維特裏（Philippe de Vitry）。我們將探討等時節奏（Isorhythm）的成熟應用，以及復調織體在世俗音樂（如頌歌Chanson）中的日益復雜化，這為後來的音樂語法奠定瞭基礎。 第六章：文藝復興的和諧之美——人本主義與宗教音樂的革新 文藝復興時期，隨著人文主義思潮的興起，音樂追求清晰、平衡與情感的錶達。本章詳述瞭弗蘭德學派（如若斯坎·德普雷）對“模仿”手法的完善，使得不同聲部之間實現瞭更平滑的過渡。在宗教音樂方麵，我們將考察奧蘭多·德·拉絮斯（Orlande de Lassus）和帕萊斯特裏那（Palestrina）對宗教文本清晰性的堅持，以及世俗的法國香頌（Chanson）和意大利假麵歌（Madrigal）在對位與和聲探索上的突破。 第七章：器樂的獨立與早期閤奏形態 本章關注器樂在文藝復興末期開始獨立於聲樂而發展。我們將考察魯特琴（Lute）音樂的興盛、維也納古鋼琴（Virginal）作品的齣現，以及早期舞麯集和幻想麯（Ricercar）等器樂體裁的形成，為巴洛剋時期奏鳴麯和協奏麯的齣現奠定基礎。 第三部分：巴洛剋時代的輝煌與戲劇性（約1600年至1750年） 第八章：歌劇的誕生與早巴洛剋的風格革新 十七世紀初，佛羅倫薩的“卡梅拉塔”試圖復興古希臘戲劇的理想，催生瞭歌劇這一全新的綜閤藝術形式。本章詳細分析瞭濛特威爾第（Claudio Monteverdi）早期作品中“錶達性宣敘調”（Stile Concitato）與詠嘆調的初步分野，以及巴洛剋音樂“情感說理論”（Doctrine of Affections）的核心思想。 第九章：協奏麯與器樂的結構化 本章探討瞭巴洛剋時期器樂形式的規範化。重點解析瞭科萊利（Arcangelo Corelli）和維瓦爾第（Antonio Vivaldi）對大協奏麯（Concerto Grosso）和獨奏協奏麯的貢獻。通過分析“快-慢-快”的結構範式和快速音階的運用，展示瞭器樂在速度與技巧上的空前發展。 第十篇：巴赫與亨德爾：巴洛剋晚期的集大成 本章深入剖析瞭約翰·塞巴斯蒂安·巴赫（J.S. Bach）和格奧爾格·弗裏德裏希·亨德爾（G.F. Handel）的創作巔峰。巴赫的對位藝術（如《賦格的藝術》）與亨德爾的清唱劇（Oratorio，如《彌賽亞》）代錶瞭該時期的兩大高峰。本章著重比較瞭他們對巴洛剋晚期體裁（如平均律鍵盤麯、組麯、清唱劇）的貢獻，以及如何將復雜織體與清晰的結構完美結閤。 第四部分：古典主義的平衡與啓濛精神（約1750年至1820年） 第十一章：從洛可可到“暴風驟雨”——風格的過渡 本章考察瞭從巴洛剋晚期的繁復轉嚮古典主義的簡潔、清晰與自然。分析瞭“喜歌劇”（Opera Buffa）對音樂透明度的追求，以及“敏感風格”（Empfindsamer Stil）和德國“狂飆突進”風格（Sturm und Drang）在情感錶達上的過渡作用。 第十二章：奏鳴麯式的確立與交響樂的黃金時代 古典主義的核心在於結構與形式的邏輯性。本章詳細剖析瞭奏鳴麯式（呈示部、發展部、再現部）的內部邏輯，並討論瞭海頓（Joseph Haydn）如何將這一形式確立為器樂的基石。我們將跟隨海頓、莫紮特（Wolfgang Amadeus Mozart）的腳步，分析交響麯（Symphony）和弦樂四重奏（String Quartet）在奧地利維也納的成熟與完善。 第十三章：貝多芬：從古典到浪漫的橋梁 路德維希·範·貝多芬（Ludwig van Beethoven）是音樂史上承前啓後的巨人。本章側重於分析他的中期作品中，如何拓展奏鳴麯式、增加交響樂的規模與情感深度，以及他對於個人英雄主義精神的錶達。重點分析瞭其後期的精神探索，預示瞭浪漫主義的到來。 第五部分：浪漫主義的激情與民族主義（約1820年至1900年） 第十四章：早期浪漫主義的抒情與室內樂的精緻 本章聚焦於舒伯特（Franz Schubert）的藝術歌麯（Lied）創作，探討瞭鋼琴伴奏如何從簡單的支持轉變為與人聲同等重要的敘事角色。同時，分析瞭舒曼（Robert Schumann）和肖邦（Frédéric Chopin）對鋼琴這一樂器的獨特理解，以及他們創作的富有個性化的短篇鋼琴作品。 第十五章：交響詩與程序的復興——浪漫主義的敘事性 在十九世紀中葉，作麯傢們開始將音樂從純抽象的領域解放齣來，追求描繪文學、繪畫或曆史事件。本章詳細考察瞭李斯特（Franz Liszt）對交響詩（Symphonic Poem）的開創性貢獻，以及瓦格納（Richard Wagner）在歌劇領域對“總體藝術作品”（Gesamtkunstwerk）的追求，特彆是在和聲語言上的大膽革新。 第十六章：民族樂派的崛起與地域色彩的探索 隨著民族主義思潮在全球蔓延，俄羅斯五人組（Mighty Handful）、捷剋的德沃夏剋（Antonín Dvořák）以及挪威的格裏格（Edvard Grieg）開始從民間音樂和本國傳說中汲取靈感。本章將分析這些作麯傢如何將本民族的鏇律、節奏和音調融入既有的西方音樂體裁中，豐富瞭音樂的地域色彩。 第六部分：二十世紀的探索與多元化（1900年至今） 第十七章：印象主義與錶現主義的聽覺革命 二十世紀伊始，音樂進入瞭前所未有的多元化時期。本章探討瞭德彪西（Claude Debussy）如何通過全音階、五聲音階和微妙的和聲色彩來描繪“印象”；以及荀伯格（Arnold Schoenberg）如何從浪漫主義的極度緊張中走嚮無調性（Atonality）的探索，並最終確立瞭十二音體係（Dodecaphony）。 第十八章：新古典主義與原始主義的迴溯與反叛 麵對瓦格納式膨脹和無調性的極端，一些作麯傢選擇迴歸古典主義的清晰結構和平衡，形成瞭新古典主義（Neoclassicism），以斯特拉文斯基（Igor Stravinsky）的早期作品為代錶。同時，本章也分析瞭原始主義（Primitivism）對原始節奏和非西方音樂的藉鑒，特彆是斯特拉文斯基的《春之祭》所引發的巨大反響。 第十九章：戰後實驗音樂與電子媒介的介入 二戰結束後，音樂探索進入瞭新的階段。本章將介紹序列音樂（Serialism）的全麵發展（如布列茲的作品），隨機音樂（Aleatoric Music）的齣現，以及早期電子音樂（Musique concrète 和電子閤成）如何將錄音技術和新的聲源引入到傳統音樂領域，展示瞭西方音樂在當代如何持續地進行自我定義和拓展。 本書通過對上述曆史階段、風格演變、體裁發展和代錶人物的梳理，力求提供一個全麵而連貫的西方音樂發展全景圖。

評分☆☆☆☆☆

這本書在處理聲部分離與融閤這一核心矛盾時，展現齣瞭驚人的洞察力。它不僅關注“如何讓聲部聽起來獨立”，更深入探討瞭“如何讓這些獨立的聲部在聽覺上形成一個不可分割的整體”。我特彆欣賞其中關於“聲部邏輯”的討論，這套邏輯似乎超越瞭傳統的調性約束，轉而依賴於聲部自身進行中的內在必然性。閱讀過程中，我時常會感到一種思維的拓展——原來音樂的“內在美”並非僅僅是鏇律的悅耳，更在於其組織結構的嚴密性與內在的張力平衡。這本書為我提供瞭一個全新的視角去解構我聽到的每一部復雜的室內樂作品，讓我意識到，我們所聽到的宏大敘事，往往建立在那些不為人察覺的精細聲部互動之上。這是一部嚴肅、深刻、且極具啓發性的創作指南。

評分☆☆☆☆☆

這本《多聲部音樂創作研究》讀起來簡直像是一次對音樂思維的深度探險。它並非那種枯燥的理論堆砌，而是將復雜的復調織體拆解得清晰可見，仿佛作者是一位技藝精湛的織工，手把手地教你如何將不同聲部像絲綫一樣精密地交織在一起。我特彆欣賞它在曆史脈絡上的梳理，從巴赫時代的對位法精髓，到印象派聲部處理的微妙變化，再到現代音樂中那些大膽的和聲實驗，每一步都論證得有理有據。書中對具體的音樂實例的分析尤為精彩，它不是簡單地指齣“這裏是模仿”，而是深入剖析瞭這種模仿如何服務於整體的音樂結構和情感錶達。對於一個渴望從“寫鏇律”進階到“構建音樂世界”的創作者來說，這本書無疑是提供瞭堅實的結構性藍圖，讓你明白每一個音符的選擇背後，都可能蘊含著精妙的邏輯布局。它教會我的，不僅僅是如何寫好對位，更是如何用多維度的聲音景觀來敘事。

評分☆☆☆☆☆

我必須承認，這本書的閱讀體驗是相當挑戰性卻又無比充實的。它對於和聲的探討已經超齣瞭我們通常在基礎樂理中學到的範疇，更多地深入到瞭“聲部進行”的哲學層麵。例如，書中關於非功能性和聲的論述，以及如何利用聲部間的張力與釋放來構建全新的聽覺體驗，這些內容讓我對“和諧”與“不和諧”有瞭更辯證的理解。書中的圖例和配樂示例（雖然我需要自己去尋找對應的麯目進行驗證）都是極其詳盡的，作者似乎力求將所有潛在的創作陷阱和突破口都一一標示齣來。那種感覺就像是，你原本以為自己已經掌握瞭和聲的“規則”，但這本書卻猛然拉開瞭新的帷幕，展示瞭規則之外更廣闊的創作可能性。對於資深作麯傢或理論研究者而言，這無疑是一部不可多得的工具書，它迫使你走齣舒適區，去重新審視自己已有的創作習慣。

評分☆☆☆☆☆

這本書的敘事節奏和組織結構，給我一種非常“建築學”的感覺。它不是綫性的講解，而是像搭建一座復雜的音樂殿堂，從地基（基礎聲部關係）開始，逐步嚮上搭建起宏偉的結構（復雜的復調織體）。我尤其喜歡它在處理不同曆史時期對“多聲部”理解差異時所展現齣的細膩洞察力。比如，文藝復興時期那種追求均衡、渾厚的聲部交織，與浪漫主義時期那種為瞭突齣鏇律而犧牲聲部獨立性的做法，書中都進行瞭深入的對比分析，並且給齣瞭清晰的創作指導原則。這本書的語言風格是極其嚴謹的，充滿瞭術語和精準的描述，這使得我在閱讀過程中需要經常停下來，反復咀嚼那些定義和推論。它不適閤走馬觀花地閱讀，更像是一部需要被反復研讀、標注和思考的學術專著。

評分☆☆☆☆☆

說實話，對於非專業音樂教育背景的讀者來說，這本書的門檻相當高，但一旦被其內容吸引，便會深陷其中無法自拔。我感受最深的是作者對於“空間感”的營造是如何通過聲部寫作來實現的。這不是簡單的音域劃分，而是關於聲音的重量、密度和在聽覺空間中的移動軌跡的精妙設計。書中對序列主義和微觀復調的介紹，雖然篇幅相對集中，但其深度足以顛覆以往對傳統對位法的認知。它成功地將抽象的理論概念，轉化成瞭可操作的、可感知的創作手法。我從中獲得的啓發是，多聲部寫作的終極目的，或許在於創造一種聽眾無法用單一的鏇律綫去捕捉，卻能真切感受到其內部復雜運動的“聲場”。