音之源丛书(附光盘1级修订版共2册) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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林峥王秀玲林朝... 编

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店铺： 新瑞图书专营店

出版社： 上海音乐

ISBN：9787552301199

商品编码：29799316275

出版时间：2013-03-01

基本信息

• 商品名称：音之源丛书(附光盘1级修订版共2册)
• 作者：编者:林峥//王秀玲//林朝
• 定价：65
• 出版社：上海音乐
• ISBN号：9787552301199

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2013-03-01
• 印刷时间：2018-06-08
• 版次：1
• 印次：1
• 开本：
• 页数：106

旋律的阶梯：音乐理论与实践进阶指南 本书系不包含《音之源丛书（附光盘1级修订版共2册）》的独立音乐学习资源，旨在为初学至中级水平的学习者提供一套系统、深入且侧重实际应用的音乐理论与实践指导。 本指南着重于构建坚实的音乐基础，并逐步引导读者探索音乐创作与鉴赏的广阔领域。 --- 第一卷：基础乐理与听觉训练的深度构建 （旨在取代对初级教材的依赖，提供更具系统性和深度的入门知识体系） 引言：音乐的语言与逻辑 本卷将音乐视为一门精确而富有情感的语言。我们不会停留在简单的音符识别上，而是深入探究音高、节奏、节拍背后的物理学基础与人类听觉心理学原理。 第一章：音高与音组的精妙构造 超越五线谱的识读： 详细解析不同记谱法（简谱、六线谱、固定唱名法与相对唱名法的切换）的内在逻辑与适用场景。 音程的科学分析： 不仅是“大三度”或“纯五度”，更深入探讨音程在和声中产生的色彩差异、功能性（协和与不协和的辩证关系）。引入基于毕达哥拉斯和十二平均律的音程计算与微调概念。 调式系统的探索： 从大调、小调的基础结构出发，扩展至自然大调、和声大调、旋律大调的构建规则及其各自的情感倾向。重点介绍七声音阶之外的五声音阶、蓝调音阶在现代音乐中的核心地位。 第二章：节奏、节拍与时值的交织艺术 节拍的层级结构： 剖析复合拍号（如 6/8, 9/8）与变化拍号（如 5/4, 7/8）的内在律动。强调“强弱模式”的感知，而非单纯的数拍子。 复节奏与切分音的运用： 深入解析复节奏（Polyrhythm）如何在不同文化和音乐风格中体现张力。通过大量实例（巴赫的对位法与非洲鼓乐的切分）教授如何准确听辨和演奏复节奏。 速度的细微差别： 探讨节奏术语（如 Allegro, Andante）背后的历史演变及其与现代节拍器设置的对应关系，强调情感表达对速度选择的主导作用。 第三章：听觉训练与音乐记忆的强化 单音听辨与视唱进阶： 训练在不依赖乐器的情况下，准确辨别复杂的旋律线条与进行音程模唱。重点练习在不熟悉的调性中进行视唱。 和声听辨的核心技术： 识别三和弦的转位、七和弦的类型（属七、减七、增三和弦）及其在乐句中的功能（主、属、下属功能）。 节奏听辨与记录： 引入复杂节奏型的听写练习，要求学生不仅能记录音高，还能准确捕捉休止符的位置和附点音符的时值。 --- 第二卷：和声学原理与作曲基础技法 （关注如何在理论指导下，进行有效的和声分析与初步的音乐创作实践） 第四章：功能和声学的逻辑链条 三和弦的内在关系： 深入解析主和弦（T）、属和弦（D）、下属和弦（S）在功能上的相互作用。探讨和弦进行中“导向性”的建立。 七和弦的色彩与解决： 重点讲解属七和弦的导向性，以及如何利用它来创造解决感或不解决的悬念。介绍次属和弦（D7的代理和弦）在丰富和声色彩中的作用。 和弦的替代与转位： 学习如何通过和弦转位（根音位置、第一转位、第二转位）来创造更流畅的低音声部线条，以及如何使用同功能和弦替代（如用 VI 级和弦替代 IV 级和弦）来避免和声的单调性。 第五章：导向声部与复调织体的初步探索 声部进行的基本规则： 详细阐述平行五度、八度的避免、声部进行的方向性（趋同、背离、保持）对音乐织体清晰度的影响。 连接和弦的技巧： 教授经过连接音、经过和弦、副属和弦等技术手段，如何平滑地连接不相关的和弦，使乐句更具逻辑性。 基础复调概念： 引入模仿（Imitation）和对位（Counterpoint）的初步概念，通过两部卡农（Canon）的实例，理解独立旋律线条如何共存并相互作用。 第六章：曲式结构与音乐的宏观布局 乐段的构成要素： 分析乐句（Phrase）、乐段（Period）的完整结构（AABB, ABAC），强调“提问句”与“回答句”的平衡关系。 小型曲式的解析： 深入剖析三部曲式（ABA）的各个部分如何通过调性对比、织体变化来构建戏剧性。通过古典奏鸣曲式呈示部和再现部的基本结构对比，理解曲式作为“叙事框架”的作用。 风格化的和声运用： 结合不同历史时期的音乐实例，展示浪漫主义时期的借用和弦、印象主义的和弦外音（如挂留和弦、九和弦）在特定风格语境下的功能与效果。 --- 第三卷：实践应用与风格鉴赏 （强调理论知识必须转化为可操作的实践技能，并提升对各类音乐的鉴赏能力） 第七章：即兴演奏与伴奏技巧的实践 基于和弦的即兴旋律构建： 教授如何利用和弦音、经过音、外音，在既定和弦进行上创作出听起来“合理”的旋律线条。侧重于动机的展开与变化。 流行音乐的和弦标记解读： 掌握 Cmaj7, Am9/G, Fsus4 等复杂和弦标记的快速理解和演奏，以及如何在钢琴/吉他上快速找到其指法或键盘位置。 基础配器思维： 探讨不同乐器（弦乐、木管、铜管）的音域、音色特点，以及如何为简单的旋律进行基础的织体配器，使其听起来饱满而不拥挤。 第八章：音乐风格的鉴赏与理论溯源 古典时期的清晰与平衡： 分析海顿、莫扎特作品中，如何通过精确的乐段划分、明确的终止式来体现古典主义的理性美学。 浪漫主义的色彩与张力： 考察肖邦、李斯特作品中，和声如何被用来表达强烈的情感，重点分析半音进行和调性模糊对听众心理的影响。 爵士与布鲁斯的理论内核： 介绍 II-V-I 这一核心进行在爵士乐中的变奏（如使用七和弦、九和弦）。分析布鲁斯音阶的结构及其在即兴中的应用逻辑。 总结：持续学习的路径 本书提供了一套从基础认知到高级实践的完整框架，旨在培养学习者“知其所以然”的音乐思维。成功的音乐学习并非止步于掌握规则，而是学会在理解规则的基础上，灵活运用并创造新的可能性。本指南鼓励读者将理论学习与演奏、创作紧密结合，将旋律的源头内化为自身的音乐语言。

评分☆☆☆☆☆

这本书的配套光盘，简直是神来之笔，极大地弥补了纯文字教材在听觉体验上的缺失。我通常更倾向于“动手”而非“动眼”的学习方式，而这套教材完美地满足了我的需求。我试着跟着光盘里的一些练习曲目进行模仿和跟奏，里面的音色选择非常考究，清晰度极高，即便是细节处的弱奏或快速的琶音，也能听得真切。更让我惊喜的是，光盘中不仅包含了书本上的示例音频，似乎还加入了不同速度和不同配器的变奏版本，这对于训练耳朵的辨识能力和演奏的适应性有着莫大的帮助。比如说，在学习某个复杂的节奏型时，光盘提供了慢速的拆解示范，然后逐步加速到标准速度，这种“脚手架”式的教学设计，极大地降低了学习的挫败感。我记得有一次在学习如何感受“切分”时，光盘中的示范曲目通过增强了重音的对比，让我瞬间对这种节奏的“错位感”有了直观的领悟。这种视听结合的深度整合，让原本抽象的音乐概念变得鲜活立体起来，真正实现了“听着学、跟着练”的沉浸式体验，这种教学资源在同类教材中是相当罕见的精品配置。

评分☆☆☆☆☆

从实用性的角度来看，这套书的编排也体现了极强的针对性和时效性。虽然它涵盖了扎实的理论基础，但它似乎非常懂得现代学习者的时间成本和即时反馈需求。例如，在讲解完一个新的和弦连接后，紧接着就会有一组专门针对这个连接的“即时练习题”，这些练习题的设计非常巧妙，它们不会长得令人望而却步，而是短小精悍，旨在巩固刚刚学到的知识点，确保学习者不会“学了就忘”。更值得称赞的是，它对不同难度级别的区分做得非常细腻。我注意到有些章节会用不同的标识来区分“基础掌握”和“进阶拓展”，这让像我这样时间精力有限的业余学习者，可以根据自身进度灵活调整学习的深度，避免被过难的内容打击积极性，同时也能让那些希望深究的读者找到提升的阶梯。这种对读者群体需求的细致洞察，让这套教材的实用价值大大提高，它既能作为严肃的音乐学院参考用书，也能成为周末在家自学的得力助手，适应性极强，绝非那种高高在上的理论说教集。

评分☆☆☆☆☆

这套书的封面设计，初看之下，就给人一种沉静而富有历史感的印象，那种深邃的蓝色调与烫金的字体搭配，仿佛在诉说着音乐的深远与古典。装帧的质感也相当扎实，厚重的纸张拿在手里，让人油然而生一种珍视之感。我尤其喜欢它在排版上的细致考量，每一个音符、每一个符号的间距都处理得恰到好处，即便是初学者也能感到一种视觉上的舒适，不至于被密密麻麻的文字所困扰。内容上，它似乎更侧重于基础理论的构建，不是那种急于求成的速成手册，而是脚踏实地地从最核心的乐理知识讲起。我记得翻阅其中关于和声学的部分时，作者的阐述逻辑清晰得令人赞叹，复杂的概念被拆解成了易于理解的小块，辅以恰当的示例，让人感觉仿佛有位耐心的老师就在身旁指导。尤其是一些关于调式转换的讲解，不再是教科书上干巴巴的公式堆砌，而是结合了历史上不同音乐风格的演变来深入剖析，使得学习过程充满了探索的乐趣，而非枯燥的记忆。这种循序渐进、寓教于乐的编排方式，无疑是为那些真正想打下坚实基础的音乐爱好者量身定做的，它不仅仅是知识的传递，更像是一场关于音乐美学和思维方式的启蒙。

评分☆☆☆☆☆

每一次翻阅这套书，总能发现一些新的体会，这大概是好教材的共同特质——它随着读者的成长而“成长”。最初接触时，可能只是关注于如何准确地弹奏或理解某个音程关系，带着一种任务驱动的功利性。但随着我接触的音乐作品越来越多，我开始能从书中那些看似简单的定义背后，读出作者对于音乐情感表达的深层理解。比如，书中关于“力度变化（Dynamics）”的描述，初期我只把它看作是“大声”或“小声”的指令，但后来结合它对“呼吸感”和“乐句张力”的阐述，我才明白力度控制其实是构建音乐叙事的核心工具。它引导我从机械地执行音符，转变为有意识地塑造声音的形态。这种从技术层面到艺术层面的升华，是这套书最大的魅力所在。它提供了一个坚实的平台，但最终如何飞翔，则完全取决于学习者自身的感悟和运用，它像一位沉默但永恒的导师，在你迷茫时，总能提供最清晰的逻辑指引，帮助你回归音乐的本质——那份纯粹的声音之美。

评分☆☆☆☆☆

如果要用一个词来形容这套教材带给我的感受，那便是“体系感”。很多音乐入门书籍往往顾此失彼，或者过于偏重某个技巧而忽略了整体架构，读完后总感觉知识点零散，缺乏内在的连贯性。然而，这套书的编撰者显然拥有非常宏大的教学蓝图。它不是简单地把乐理知识堆砌起来，而是建立了一套严密的递进关系。比如，它在前几章建立起对基础音高的准确感知后，立刻就引入了大小调的基本情绪特征，而不是拖延到后面才讲解，这种时机的把握非常精准。当我学习到高阶的对位法时，回头去看前面对旋律线条构建的讲解，才恍然大悟，原来所有的复杂结构都源于那些最朴素的线条运动。这种“由简入繁，再由繁归简”的结构设计，使得学习者能够清晰地看到知识是如何层层叠加、相互支撑的。它培养的不仅仅是演奏技巧，更是一种结构化的音乐思维，让人在面对任何新的乐曲片段时，都能迅速抓住其核心骨架，而不是迷失在音符的海洋里。这种整体观的建立，对于音乐素养的长期培养，远比掌握一两个小技巧来得重要和持久。