多声部音乐创作研究 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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方新佩 编

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• 音乐创作
• 多声部音乐
• 和声学
• 作曲技法
• 音乐理论
• 音乐分析
• 对位法
• 复调音乐
• 音乐史
• 音乐研究

店铺： 新瑞图书专营店

出版社： 苏州大学

ISBN：9787567221284

商品编码：29799280035

出版时间：2018-04-01

基本信息

• 商品名称：多声部音乐创作研究
• 作者：方新佩
• 定价：45
• 出版社：苏州大学
• ISBN号：9787567221284

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2018-04-01
• 印刷时间：2018-04-01
• 版次：1
• 印次：1
• 开本：
• 页数：227

西方音乐史概览：从古希腊到二十世纪的音乐演变 本书旨在为音乐爱好者、学生及专业人士提供一份详尽而富有洞察力的西方音乐发展史脉络。本书不涉及多声部音乐创作的特定技术或理论分析，而是聚焦于音乐在不同历史时期、社会文化背景下的整体面貌、主要风格流派、代表人物及其作品特征的宏观梳理与阐释。 第一部分：音乐的源起与早期形态（古希腊至中世纪早期） 第一章：古希腊音乐的哲学基础与实践 本章追溯西方音乐思想的源头——古希腊。我们将探讨毕达哥拉斯学派对音程与数学关系的发现，以及柏拉图、亚里士多德等人对“音乐伦理”（Ethos）的哲学思考。重点分析古希腊音阶（如多利亚调式、弗里吉亚调式）的结构，以及里拉琴、阿乌洛斯等乐器的应用。虽然古希腊的记谱法已失传，但通过文献资料，我们得以重建其在戏剧、宗教仪式中的重要地位。本章强调音乐在彼时作为“科学”与“艺术”的统一体存在。 第二章：早期基督教音乐与格里高利圣咏的确立 随着罗马帝国的衰落与基督教的兴起，音乐的中心转向教会。本章详细考察了早期赞美诗的发展，并重点阐述了格里高利圣咏（Gregorian Chant）的形成过程。我们将分析其单音音乐（Monophony）的特性，包括旋律的自由节奏、基于特定教会调式的运用，以及弥撒（Mass）和日课（Divine Office）中不同类型圣咏（如常年曲、特选曲）的结构。同时，本章也会简要提及这一时期记谱法（纽姆记谱法）的初步演进。 第三章：中世纪的世俗之声——游吟诗人的音乐 与庄严的教堂音乐相对，中世纪的世俗音乐由游吟诗人（Troubadours）、吟游诗人（Trouvères）和明歌诗人（Minnesänger）传承。本章描绘了法兰西南部和北部贵族阶层中，以爱情、骑士精神和政治讽喻为主题的世俗歌曲的特点。这些音乐往往具有更清晰的叙事性、更灵活的节奏，是理解后世歌剧与艺术歌曲发展不可或缺的一环。 第二部分：中世纪晚期与文艺复兴的转型（约1100年至1600年） 第四章：早期复调的萌芽——奥尔加农与巴黎圣母院乐派 本章探讨了西方音乐史上最关键的转折点之一：复调的出现。从早期的“平行奥尔加农”到莱奥南（Léonin）和佩罗坦（Pérotin）在巴黎圣母院的发展出的“自由奥尔加农”和“规律奥尔加农”，复调织体逐渐复杂化。本章将分析“节奏模式”（Tactus）概念的引入，以及如何通过韵律模式来组织不同声部的运动。 第五章：大教堂之外的音乐——亚尔斯·诺瓦（Ars Nova）的精致与复杂 十四世纪的“新艺术”标志着音乐处理精度的飞跃。本章聚焦于法国的纪尧姆·德·马肖（Guillaume de Machaut）和意大利的菲利普·德·维特里（Philippe de Vitry）。我们将探讨等时节奏（Isorhythm）的成熟应用，以及复调织体在世俗音乐（如颂歌Chanson）中的日益复杂化，这为后来的音乐语法奠定了基础。 第六章：文艺复兴的和谐之美——人本主义与宗教音乐的革新 文艺复兴时期，随着人文主义思潮的兴起，音乐追求清晰、平衡与情感的表达。本章详述了弗兰德学派（如若斯坎·德普雷）对“模仿”手法的完善，使得不同声部之间实现了更平滑的过渡。在宗教音乐方面，我们将考察奥兰多·德·拉絮斯（Orlande de Lassus）和帕莱斯特里那（Palestrina）对宗教文本清晰性的坚持，以及世俗的法国香颂（Chanson）和意大利假面歌（Madrigal）在对位与和声探索上的突破。 第七章：器乐的独立与早期合奏形态 本章关注器乐在文艺复兴末期开始独立于声乐而发展。我们将考察鲁特琴（Lute）音乐的兴盛、维也纳古钢琴（Virginal）作品的出现，以及早期舞曲集和幻想曲（Ricercar）等器乐体裁的形成，为巴洛克时期奏鸣曲和协奏曲的出现奠定基础。 第三部分：巴洛克时代的辉煌与戏剧性（约1600年至1750年） 第八章：歌剧的诞生与早巴洛克的风格革新 十七世纪初，佛罗伦萨的“卡梅拉塔”试图复兴古希腊戏剧的理想，催生了歌剧这一全新的综合艺术形式。本章详细分析了蒙特威尔第（Claudio Monteverdi）早期作品中“表达性宣叙调”（Stile Concitato）与咏叹调的初步分野，以及巴洛克音乐“情感说理论”（Doctrine of Affections）的核心思想。 第九章：协奏曲与器乐的结构化 本章探讨了巴洛克时期器乐形式的规范化。重点解析了科莱利（Arcangelo Corelli）和维瓦尔第（Antonio Vivaldi）对大协奏曲（Concerto Grosso）和独奏协奏曲的贡献。通过分析“快-慢-快”的结构范式和快速音阶的运用，展示了器乐在速度与技巧上的空前发展。 第十篇：巴赫与亨德尔：巴洛克晚期的集大成 本章深入剖析了约翰·塞巴斯蒂安·巴赫（J.S. Bach）和格奥尔格·弗里德里希·亨德尔（G.F. Handel）的创作巅峰。巴赫的对位艺术（如《赋格的艺术》）与亨德尔的清唱剧（Oratorio，如《弥赛亚》）代表了该时期的两大高峰。本章着重比较了他们对巴洛克晚期体裁（如平均律键盘曲、组曲、清唱剧）的贡献，以及如何将复杂织体与清晰的结构完美结合。 第四部分：古典主义的平衡与启蒙精神（约1750年至1820年） 第十一章：从洛可可到“暴风骤雨”——风格的过渡 本章考察了从巴洛克晚期的繁复转向古典主义的简洁、清晰与自然。分析了“喜歌剧”（Opera Buffa）对音乐透明度的追求，以及“敏感风格”（Empfindsamer Stil）和德国“狂飙突进”风格（Sturm und Drang）在情感表达上的过渡作用。 第十二章：奏鸣曲式的确立与交响乐的黄金时代 古典主义的核心在于结构与形式的逻辑性。本章详细剖析了奏鸣曲式（呈示部、发展部、再现部）的内部逻辑，并讨论了海顿（Joseph Haydn）如何将这一形式确立为器乐的基石。我们将跟随海顿、莫扎特（Wolfgang Amadeus Mozart）的脚步，分析交响曲（Symphony）和弦乐四重奏（String Quartet）在奥地利维也纳的成熟与完善。 第十三章：贝多芬：从古典到浪漫的桥梁 路德维希·范·贝多芬（Ludwig van Beethoven）是音乐史上承前启后的巨人。本章侧重于分析他的中期作品中，如何拓展奏鸣曲式、增加交响乐的规模与情感深度，以及他对于个人英雄主义精神的表达。重点分析了其后期的精神探索，预示了浪漫主义的到来。 第五部分：浪漫主义的激情与民族主义（约1820年至1900年） 第十四章：早期浪漫主义的抒情与室内乐的精致 本章聚焦于舒伯特（Franz Schubert）的艺术歌曲（Lied）创作，探讨了钢琴伴奏如何从简单的支持转变为与人声同等重要的叙事角色。同时，分析了舒曼（Robert Schumann）和肖邦（Frédéric Chopin）对钢琴这一乐器的独特理解，以及他们创作的富有个性化的短篇钢琴作品。 第十五章：交响诗与程序的复兴——浪漫主义的叙事性 在十九世纪中叶，作曲家们开始将音乐从纯抽象的领域解放出来，追求描绘文学、绘画或历史事件。本章详细考察了李斯特（Franz Liszt）对交响诗（Symphonic Poem）的开创性贡献，以及瓦格纳（Richard Wagner）在歌剧领域对“总体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）的追求，特别是在和声语言上的大胆革新。 第十六章：民族乐派的崛起与地域色彩的探索 随着民族主义思潮在全球蔓延，俄罗斯五人组（Mighty Handful）、捷克的德沃夏克（Antonín Dvořák）以及挪威的格里格（Edvard Grieg）开始从民间音乐和本国传说中汲取灵感。本章将分析这些作曲家如何将本民族的旋律、节奏和音调融入既有的西方音乐体裁中，丰富了音乐的地域色彩。 第六部分：二十世纪的探索与多元化（1900年至今） 第十七章：印象主义与表现主义的听觉革命 二十世纪伊始，音乐进入了前所未有的多元化时期。本章探讨了德彪西（Claude Debussy）如何通过全音阶、五声音阶和微妙的和声色彩来描绘“印象”；以及荀伯格（Arnold Schoenberg）如何从浪漫主义的极度紧张中走向无调性（Atonality）的探索，并最终确立了十二音体系（Dodecaphony）。 第十八章：新古典主义与原始主义的回溯与反叛 面对瓦格纳式膨胀和无调性的极端，一些作曲家选择回归古典主义的清晰结构和平衡，形成了新古典主义（Neoclassicism），以斯特拉文斯基（Igor Stravinsky）的早期作品为代表。同时，本章也分析了原始主义（Primitivism）对原始节奏和非西方音乐的借鉴，特别是斯特拉文斯基的《春之祭》所引发的巨大反响。 第十九章：战后实验音乐与电子媒介的介入 二战结束后，音乐探索进入了新的阶段。本章将介绍序列音乐（Serialism）的全面发展（如布列兹的作品），随机音乐（Aleatoric Music）的出现，以及早期电子音乐（Musique concrète 和电子合成）如何将录音技术和新的声源引入到传统音乐领域，展示了西方音乐在当代如何持续地进行自我定义和拓展。 本书通过对上述历史阶段、风格演变、体裁发展和代表人物的梳理，力求提供一个全面而连贯的西方音乐发展全景图。

评分☆☆☆☆☆

这本《多声部音乐创作研究》读起来简直像是一次对音乐思维的深度探险。它并非那种枯燥的理论堆砌，而是将复杂的复调织体拆解得清晰可见，仿佛作者是一位技艺精湛的织工，手把手地教你如何将不同声部像丝线一样精密地交织在一起。我特别欣赏它在历史脉络上的梳理，从巴赫时代的对位法精髓，到印象派声部处理的微妙变化，再到现代音乐中那些大胆的和声实验，每一步都论证得有理有据。书中对具体的音乐实例的分析尤为精彩，它不是简单地指出“这里是模仿”，而是深入剖析了这种模仿如何服务于整体的音乐结构和情感表达。对于一个渴望从“写旋律”进阶到“构建音乐世界”的创作者来说，这本书无疑是提供了坚实的结构性蓝图，让你明白每一个音符的选择背后，都可能蕴含着精妙的逻辑布局。它教会我的，不仅仅是如何写好对位，更是如何用多维度的声音景观来叙事。

评分☆☆☆☆☆

我必须承认，这本书的阅读体验是相当挑战性却又无比充实的。它对于和声的探讨已经超出了我们通常在基础乐理中学到的范畴，更多地深入到了“声部进行”的哲学层面。例如，书中关于非功能性和声的论述，以及如何利用声部间的张力与释放来构建全新的听觉体验，这些内容让我对“和谐”与“不和谐”有了更辩证的理解。书中的图例和配乐示例（虽然我需要自己去寻找对应的曲目进行验证）都是极其详尽的，作者似乎力求将所有潜在的创作陷阱和突破口都一一标示出来。那种感觉就像是，你原本以为自己已经掌握了和声的“规则”，但这本书却猛然拉开了新的帷幕，展示了规则之外更广阔的创作可能性。对于资深作曲家或理论研究者而言，这无疑是一部不可多得的工具书，它迫使你走出舒适区，去重新审视自己已有的创作习惯。

评分☆☆☆☆☆

这本书的叙事节奏和组织结构，给我一种非常“建筑学”的感觉。它不是线性的讲解，而是像搭建一座复杂的音乐殿堂，从地基（基础声部关系）开始，逐步向上搭建起宏伟的结构（复杂的复调织体）。我尤其喜欢它在处理不同历史时期对“多声部”理解差异时所展现出的细腻洞察力。比如，文艺复兴时期那种追求均衡、浑厚的声部交织，与浪漫主义时期那种为了突出旋律而牺牲声部独立性的做法，书中都进行了深入的对比分析，并且给出了清晰的创作指导原则。这本书的语言风格是极其严谨的，充满了术语和精准的描述，这使得我在阅读过程中需要经常停下来，反复咀嚼那些定义和推论。它不适合走马观花地阅读，更像是一部需要被反复研读、标注和思考的学术专著。

评分☆☆☆☆☆

说实话，对于非专业音乐教育背景的读者来说，这本书的门槛相当高，但一旦被其内容吸引，便会深陷其中无法自拔。我感受最深的是作者对于“空间感”的营造是如何通过声部写作来实现的。这不是简单的音域划分，而是关于声音的重量、密度和在听觉空间中的移动轨迹的精妙设计。书中对序列主义和微观复调的介绍，虽然篇幅相对集中，但其深度足以颠覆以往对传统对位法的认知。它成功地将抽象的理论概念，转化成了可操作的、可感知的创作手法。我从中获得的启发是，多声部写作的终极目的，或许在于创造一种听众无法用单一的旋律线去捕捉，却能真切感受到其内部复杂运动的“声场”。

评分☆☆☆☆☆

这本书在处理声部分离与融合这一核心矛盾时，展现出了惊人的洞察力。它不仅关注“如何让声部听起来独立”，更深入探讨了“如何让这些独立的声部在听觉上形成一个不可分割的整体”。我特别欣赏其中关于“声部逻辑”的讨论，这套逻辑似乎超越了传统的调性约束，转而依赖于声部自身进行中的内在必然性。阅读过程中，我时常会感到一种思维的拓展——原来音乐的“内在美”并非仅仅是旋律的悦耳，更在于其组织结构的严密性与内在的张力平衡。这本书为我提供了一个全新的视角去解构我听到的每一部复杂的室内乐作品，让我意识到，我们所听到的宏大叙事，往往建立在那些不为人察觉的精细声部互动之上。这是一部严肃、深刻、且极具启发性的创作指南。