吉他高手进阶之路！：吉他和弦攻略 音乐 书籍 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

图书标签:

• 吉他
• 吉他和弦
• 音乐
• 书籍
• 进阶
• 乐器
• 音乐教学
• 吉他学习
• 音乐指南
• 吉他技巧

店铺： 宇涛伟业图书专营店

出版社： 人民邮电出版社

ISBN：9787115461964

商品编码：29797144887

商品基本信息，请以下列介绍为准
商品名称：	吉他高手进阶之路！：吉他和弦攻略 音乐 书籍
作者：	[日]山口和也
定价：	45.0
出版社：	人民邮电出版社
出版日期：
ISBN：	9787115461964
印次：
版次：	1
装帧：	平装-胶订
开本：	小16开

内容简介

本书是为吉他爱好者和吉他专业者编写的吉他和弦配置手册，在本书中，你将会学会各种和弦配置的方法，提升你对和弦的运用能力，丰富音乐的色彩。 当我们看着和弦标记来弹奏吉他时，很多的人会以6弦或者5弦弹奏根音。但如果能迅速按出根音在2弦的和弦，那么他所演奏的和弦范围也可以得到相应的扩展。同一和弦如果能够记住根音在不同位置下的按弦方法，那么弹奏时将更加方便。更进一步来说还能够掌握刻意省略根音的指型，能熟记这些排列方式，那你就能够成为吉他达人了。本书旨在让读者以[根音位置]为中心进行思考，让读者能够根据具体情况，弹奏出多样的和弦排列方式，从而成为指法达人。本书通过有效的和弦图示 实践练习进行解释说明。本书列举了大量的和弦图解，即使把它当做字典来使用也是可以的！

目录

根音在6弦~1弦时能够运用的和弦配置 第二章 引申音和根音省略 根音在6弦~1弦时能够运用的和弦配置 无需按压根音的和弦配置 第三章 创造和弦的方法以及转位的活用 第四章 按照要点来练习各和弦配置

编辑

本书主要讲解的是吉他和弦的各种弹奏方法，使得读者在吉他弹奏中更灵活的运用吉他和弦，不受吉他和弦使用的限制。本书共分为四个章节，第1章节讲解的是常用的三和弦和七和弦的弹奏，第二章讲解的是和弦的扩展用法，第三章主要是和弦的活学活用，第四章就是和弦的练习及实践。

摇滚之魂：电吉他音色雕刻与舞台表现力解析 图书简介 本书《摇滚之魂：电吉他音色雕刻与舞台表现力解析》并非一本基础入门教材，它将吉他手视为一位声音的建筑师和舞台的艺术家。本书深度聚焦于电吉他演奏者在进阶阶段所面临的核心挑战——如何将技术掌握转化为独特的个人风格，以及如何在舞台上散发不可抗拒的魅力。 本书的核心理念在于“声音即是语言，舞台即是宣言”。我们认为，达到一定技术水准后，真正的飞跃在于对音色细节的掌控和对舞台能量的有效传达。本书内容结构严谨，分为三大核心板块，层层递进，旨在帮助有经验的吉他手突破瓶颈，迈向专业水准。 --- 第一部分：音色矩阵的构建与精修（The Sonic Blueprint） 本部分完全脱离基础音阶和和弦指法的讲解，转而深入探究电吉他音色的“微观世界”。我们假设读者已经熟悉电吉他拾音器、音箱和效果器的基本原理，本书将聚焦于如何将这些元件组合成一个具有辨识度的、服务于音乐表达的音色矩阵。 1. 拾音器的哲学选择与调校： 主动与被动拾音器的深度对比： 不仅停留在输出电平的差异，更深入探讨它们在高增益环境下对泛音结构（Harmonics）和中频响应的影响。分析不同品牌（如Seymour Duncan、DiMarzio、Lundgren等）的经典型号如何塑造特定音乐流派（如早期布鲁斯摇滚、Thrash Metal或现代Djent）的“底色”。 线圈分离（Coil Tapping/Splitting）的精妙运用： 讲解如何通过电路改动或效果器模拟，实现单线圈的清澈与双线圈的厚重之间的瞬间切换，并结合具体乐段的动态要求进行应用实例分析。 音色匹配度分析： 探讨吉他木材、琴桥系统（固定桥与浮动摇把）与拾音器阻抗匹配的细微关系，如何通过微调安装高度来控制拾音器对琴弦振动的“感知”强度。 2. 失真与动态：增益结构的艺术（The Art of Gain Staging）： 多级增益的层次堆叠： 详细分解“前级失真（Preamp Distortion）”、“后级功率管压缩（Power Tube Saturation）”和“效果器过载（Overdrive/Distortion Pedal）”三者之间的相互作用。通过波形图解析，说明每级增益对声音波形的削波（Clipping）点、谐波丰富度和动态余量的具体影响。 “甜点”查找： 针对不同音箱的特定“甜点区”（Sweet Spot），即在不引入过多噪音的前提下获得最大化动态响应的音量与增益组合，提供实验方法和记录模板。 动态压缩的精准控制： 区分“电平管理型压缩”与“动态塑造型压缩”。讲解如何使用Attack和Release参数来控制拨弦瞬间的瞬态（Transient）和延音部分的密度，避免声音听起来“死板”。 3. 空间感与环境模拟：延迟与混响的深度融合： 非线性混响的应用： 探索板式、弹簧混响之外，如何运用卷积混响（Convolution Reverb）来精确复刻特定录音室环境的声学特征，并结合技术演奏（如点弦、击弦）创造出超越物理限制的空间感。 多重延迟的对位与节奏感： 讲解如何设置双重或三重视点延迟（例如，一个用于宽度，一个用于节奏律动），确保延迟音不会与主旋律产生“泥泞”的混淆，而是增强节奏的复杂性。 --- 第二部分：技术超越演奏：乐句的叙事性与即兴哲学（Narrative Technique & Improvisation Philosophy） 本部分将演奏技术视为一种叙事工具，旨在帮助吉他手从“弹奏音符”提升到“讲述故事”。 1. 跨越速度的精准性与弹性： “内部节奏感”的培养： 讲解如何通过身体感应（Body Sensing）来内化节拍器，实现超越机械点击的“弹性律动”（Groove Elasticity）。分析著名放克（Funk）吉他手如何故意在小节线前后轻微“漂移”以创造律动张力。 揉弦（Bending）的音高控制与情感表达： 详细拆解不同幅度揉弦所需的手指力量分配、手腕角度与共鸣点的关系。探讨如何将揉弦的“微颤”（Subtle Warble）作为乐句的呼吸和情感高潮点。 扫拨（Sweep Picking）的流畅性优化： 重点分析拨片进入琴弦的角度（Sweep Angle）与阻力控制，以及如何通过精准的力度控制，消除连续扫拨中相邻音符之间的粘滞感。 2. 即兴的结构化思维：从模型到创造： 垂直与水平的辩证统一： 探讨如何在使用音阶/调式（垂直）的同时，时刻关注和弦进行（Horizontal）的进行方向。提供一套“和声敏感度训练法”，强制要求演奏者在即兴中必须对和弦根音、三音、七音进行明确的强调和回应。 动机发展（Motivic Development）的实战策略： 教授如何从一个简单的四音短句出发，通过节奏变形、音程转换、移调等手法，在Solo中构建一个完整的、有逻辑的“迷你乐章”，而非随机音符的堆砌。 对“不和谐音”的战略性运用： 分析如何有意识地引入经过音（Passing Tones）或暂时性的紧张音程，并在关键节点回归稳定音，以此来制造音乐张力和释放感，这是区分“出色Solo”与“炫技片段”的关键。 --- 第三部分：舞台表现力与专业形象塑造（Stage Presence & Professional Persona） 成功的吉他手不仅要听起来好，更要“看起来”和“感觉上”令人信服。本部分将舞台表演视为音乐表达的延伸。 1. 肢体语言与能量场构建： 舞台空间感知的训练： 如何利用舞台的不同区域（靠近观众、靠近鼓手、靠近音箱）来对应音乐的不同情绪强度。讲解如何在不影响演奏的情况下，有效利用头部、身体的微小动作来强调重音或节奏。 与乐队成员的视觉互动： 强调吉他手作为旋律推进者的角色，如何通过眼神交流和肢体暗示，引导鼓手和贝斯手在速度、力度上的微妙变化，实现“乐队作为一个整体的呼吸”。 “镜头感”与观众连接： 针对录像和直播环境，分析不同角度的姿态对视觉冲击力的影响。如何建立短暂但有力的眼神接触，使录像前的观众感受到被“点名”的体验。 2. 设备管理与舞台故障排除（Live Rig Efficiency）： 舞台布线与信号链优化： 讲解如何设计一个抗干扰能力强、切换逻辑清晰的舞台效果器布局，最小化故障点。提供一套“快速现场诊断流程”——当音箱突然哑火或效果器失灵时，如何在30秒内定位问题并切换至备用系统。 无缝的音色切换策略： 详细分析使用MIDI控制器或多效果器切换音色时，如何消除切换瞬间的噪音（Pop Noise）和音量突变（Volume Jump），确保舞台上只有音乐的连续性。 3. 形象的内化与辨识度（Iconic Identity）： 本书拒绝提供肤浅的“穿衣指南”，而是探讨如何将个人生活哲学、音乐态度融入到舞台形象中，形成一种自然流露的、与演奏风格高度一致的“舞台人格”。分析不同时代摇滚偶像如何通过他们标志性的乐器、服装选择或舞台习惯，构建了持久的文化符号。 《摇滚之魂》旨在成为进阶吉他手案头必备的“思维工具箱”，帮助他们将多年的技术积累，升华为具有深度和感染力的个人艺术表达。这本书是写给那些渴望在舞台上留下自己独特印记的“声音匠人”的。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版逻辑实在是太聪明了，完全打破了传统乐谱书籍那种呆板的左右分栏格式。作者巧妙地运用了大量的图示和流程图来梳理复杂的练习路径。比如，当介绍到“五声音阶的五种把位转换”时，它不是简单地罗列五个图表，而是用一个动态的、类似“路径导航”的布局，清晰地展示了从一个把位如何平滑地移动到下一个把位，中间需要经过哪些过渡音。这种视觉化的引导，极大地降低了大脑处理信息的负荷。我发现自己记忆指板上的音符和和弦转换路径的速度明显加快了，因为我的视觉记忆被有效地利用起来了。这种现代化的信息呈现方式，让枯燥的重复练习也变得更有目的性和趣味性。

评分☆☆☆☆☆

我购买这本书主要是想解决一些高级乐理和即兴演奏方面的困惑，这本书在“色彩和弦”的运用解析上，达到了我预期的上限，甚至有所超越。作者没有停留在讲解“七和弦”的基本结构，而是详细探讨了如何通过添加九音、十一音、十三音来“调味”普通的三和弦，并结合不同调式（比如弗里吉亚调式、利迪亚调式）来选择最适合的色彩音。他给出的“色彩和弦速查表”，虽然不是传统意义上的“和弦大全”，但却是针对“情绪表达”的优化列表，比如需要“忧郁”时用哪个和弦，需要“紧张感”时用哪个和弦。这种以“听感”和“情感”为导向的讲解，对于试图摆脱“只会弹”到“会表达”的乐手来说，具有极高的参考价值，可以说对我的创作思维产生了深刻的影响。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我是一个偏爱指弹独奏的乐手，平时对节奏型和伴奏的关注度不高，但这本书在“律动感构建”那一块的讲解，完全颠覆了我的固有印象。作者深入剖析了如何通过细微的手指拨弦力度变化和扫弦的“切音”技巧，来营造出丰富的节奏层次感。书中提供的几种“万能”扫弦模式，我试着用在几首流行歌曲里，效果立竿见影，瞬间让我的伴奏听起来不再单调平板，多了那种“弹性”。而且，他非常注重“手感”的培养，有专门的章节教你如何调整自己的持琴姿势和手腕角度，以达到最佳的耐力和精准度。这部分内容对于那些长期受困于手腕酸痛的练习者来说，简直是福音，体现了作者对演奏者生理结构的深入理解。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计简直是艺术品！封面采用了磨砂质感的硬壳，拿在手里沉甸甸的，一看就知道是精心制作的。那种深邃的藏蓝色背景，搭配着烫金的吉他指板线条，低调中透着一股专业范儿。内页纸张的厚度适中，印刷的清晰度非常高，即便是复杂的和弦图表，每一个音符和指位都能看得清清楚楚，长时间阅读眼睛也不会感到疲劳。我特别喜欢它在章节过渡页上印制的一些经典吉他手的剪影，充满了对音乐的敬意。翻阅起来非常顺滑，那种“咔哒”一声合上的质感，让人心情愉悦。光是捧着它，就能感受到制作者对细节的极致追求，这对于一本工具书来说，无疑是加分项，让人更有动力去翻开它学习。它不仅仅是一本书，更像是一件可以陪伴吉他学习生涯的收藏品。

评分☆☆☆☆☆

我花了三天时间把前三章通读了一遍，发现作者在理论讲解上采用了非常生活化的比喻。比如，他把“大横按”比作是“给吉他装上了一个统一的支点”，一下子就明白了为什么这个按法会影响到后续的和弦转换。很多我以前听课或者看其他教材都理解得云里雾里的概念，比如“和声色彩”和“替代和弦”的实际听感差异，作者都通过非常形象的描述，结合乐理知识点进行了拆解。最让我惊喜的是，他没有堆砌晦涩难懂的专业术语，而是采用了循序渐进的“搭积木”式的教学法。每讲一个新的技巧，都会立刻提供几个实际的乐曲片段作为应用案例，这种学以致用的设计，极大地增强了学习的实操性，让我感觉自己不再是孤军奋战，而是有位经验丰富的导师在旁边指导。