扬琴演奏艺术(技巧与练习)/哆唻咪快乐音乐教与学丛书 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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刘达章 编

图书标签:

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店铺： 博睿图书

出版社： 人民音乐

ISBN：9787103017289

商品编码：29691112057

出版时间：1999-09-01

基本信息

• 商品名称：扬琴演奏艺术(技巧与练习)/哆唻咪快乐音乐教与学丛书
• 作者：编者:刘达章
• 定价：40
• 出版社：人民音乐
• ISBN号：9787103017289

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：1999-09-01
• 印刷时间：2018-01-01
• 版次：1
• 印次：5
• 开本：
• 页数：0

音乐之境：跨越时空的旋律探索 图书名称： 音乐之境：跨越时空的旋律探索 作者： 罗伯特·A·范德堡 出版社： 和声文化出版社 页数： 580页 装帧： 精装 出版日期： 2023年10月 --- 内容简介： 《音乐之境：跨越时空的旋律探索》并非一部侧重于特定乐器技法或单一音乐流派的专著，而是一部宏大且深入的音乐哲学与美学史的综合性著作。本书旨在带领读者穿越音乐历史的长河，从古老的仪式性音乐探索其原始形态，直至当代电子音乐的抽象表达，构建一个全面而立体的音乐世界图景。 本书结构严谨，分为四个核心部分，逻辑清晰地引导读者进行深度思考与探索。 第一部分：声音的起源与远古的共鸣 本部分聚焦于人类最早与声音的互动。作者首先追溯了音乐在史前文明中的角色，探讨了骨笛、陶鼓等早期乐器的制造工艺及其在部落仪式、沟通和精神寄托中的功能。我们不再将音乐视为纯粹的娱乐，而是作为一种社会结构和社会秩序的建构工具。重点章节分析了古希腊音乐理论的奠基性作用，特别是毕达哥拉斯对音程的数学化描述，这为西方音乐的理性发展设定了最初的框架。随后，本书细腻描绘了中世纪教会音乐的单音音乐（Gregorian Chant）如何确立了西方音乐的“神圣性”表达模式，以及“奥尔加农”（Organum）等早期复调尝试如何预示了和声的诞生。 第二部分：复调的崛起与巴洛克的辉煌 进入中世纪晚期和文艺复兴时期，本书详细阐述了复调音乐（Polyphony）的复杂性发展。从奥兰多·迪·拉索到帕莱斯特里那，对声部交织、模仿与对位法的精妙处理被视为智力与信仰的完美结合。 巴洛克时期是本书着墨较多的一个阶段。作者并没有停留在对巴赫、亨德尔等大师作品的表面分析，而是深入探讨了“巴洛克精神”——那种强烈的戏剧性、情感的二元对立与精密的结构组织。本书详细解读了协奏曲（Concerto）和歌剧（Opera）的结构如何服务于情感的爆发与张弛。特别是对于巴赫赋格曲的分析，不仅仅是技法上的解析，更上升到宇宙秩序和逻辑思辨的层面，展示了理性如何服务于情感的表达。 第三部分：古典主义的平衡与浪漫主义的激情 古典主义时期，被誉为“平衡的艺术”。本书剖析了奏鸣曲式（Sonata Form）作为一种叙事结构如何在海顿和莫扎特的笔下达到了近乎完美的和谐。我们看到，音乐语言是如何从复杂的巴洛克语汇中提炼出来，变得更加清晰、优雅且普适。 进入浪漫主义，情绪的解放成为主题。本书认为，浪漫主义音乐是德意志唯心主义哲学在听觉领域的投射。肖邦的室内私语，瓦格纳的“无穷旋律”以及马勒的交响诗，都标志着作曲家试图超越纯音乐的界限，去描绘文学、哲学乃至个人的生存困境。作者特别探讨了民族乐派的兴起，如德沃夏克和格里格，他们如何在吸收西方主流音乐技法的同时，坚守并弘扬本民族的民间音乐元素，使得音乐的版图更加多元化。 第四部分：现代性的解构与未来的和声 进入二十世纪，音乐界经历了前所未有的剧变。本书以严谨的笔触描述了从德彪西的印象主义色彩到勋伯格的无调性（Atonality）革命。作者强调，现代音乐并非是“退步”或“混乱”，而是对传统调性体系的“解放”与“重构”。 德彪西对音色（Timbre）的关注，斯特拉文斯基对原始节奏的挖掘，以及布列兹在序列主义中对结构控制的极致追求，都被视为对十九世纪过度浪漫化的反叛。本书还开辟了专门章节讨论爵士乐、布鲁斯和摇滚乐作为“流行文化”如何深刻地影响了严肃音乐的创作观念，尤其是在节奏与即兴创作方面的启发。最后，本书展望了电子音乐、计算机音乐以及生成艺术（Generative Art）的崛起，探讨了技术如何正在重塑我们对“作曲”、“演奏”乃至“听觉”本身的定义。 阅读体验： 《音乐之境》的魅力在于其广阔的视野和深刻的洞察力。它避免了教科书式的枯燥，而是以一种充满激情的叙述方式，将音乐史、美学理论与技术发展融为一体。书中配有精选的乐谱示例片段分析，旨在让读者在阅读理论的同时，能够“看见”声音的结构。对于任何渴望超越被动聆听，想要主动理解音乐背后复杂思想与情感的爱好者、学生和研究者而言，本书提供了一张通往音乐世界核心的详尽地图。它不教你如何弹奏，但它教你如何倾听，如何思考音乐的力量与永恒的魅力。

评分☆☆☆☆☆

我必须提到本书在理论架构上的严谨性，这体现了作者深厚的音乐学功底。全书的逻辑层次划分得极其清晰，从最基础的持弓稳定性的细微调整，到复杂的多声部和弦的织体构建，每一步都像是精密的手术刀般，层层递进，环环相扣。尤其是在探讨某种特定调式在扬琴上的转指技巧时，作者并非简单地给出一个指法图，而是先从音律学的角度解释了为什么这个转指在听觉上是最和谐的，然后再结合人体工程学来优化演奏者的手部肌肉负担。这种“知其然，更要知其所以然”的教学理念，极大地提升了读者的理解深度。它不是教你“照做”，而是引导你去“思考”，去创造性地解决问题。对于希望深入钻研演奏机制的专业人士而言，这本书的理论深度是无可替代的。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计简直是视觉享受，那种雅致的淡蓝色调配上鎏金的字体，初次翻开时就有一种被古典艺术熏陶的庄重感。内页纸张的质感也无可挑剔，即便是长时间阅读，手指在书页上滑动的触感也十分舒适。我尤其欣赏它在排版上的用心，不仅仅是文字的清晰度，更在于那些穿插其中的乐理图示和历史小典故，它们不是生硬的插入，而是像涓涓细流般自然地融入到叙述之中，让人在学习技法的同时，也能感受到音乐背后的深厚文化底蕴。特别是关于某个特定时期扬琴发展脉络的梳理，作者的考据功力令人叹服，引用的文献资料翔实而精准，让原本枯燥的历史知识变得生动起来，仿佛能亲眼目睹那乐器在历史长河中的演变轨迹。这本书无疑是为那些对乐器发展史有强烈求知欲的读者准备的，它提供了远超一般教材的学术深度，是一本可以放在案头常翻阅的精装本。

评分☆☆☆☆☆

这本书的“练习曲”部分设计得极具针对性，根本不像市面上那些千篇一律的机械重复。我惊喜地发现，作者对不同阶段学习者可能遇到的瓶颈进行了细致的分类。比如，针对初学者常见的手腕僵硬问题，设计了一组模仿自然动作的“解放性练习”，完全没有传统意义上枯燥的音阶重复。而对于进阶者，他则引入了许多看似古怪但实则高效的“节奏变形练习”，目的在于打破肌肉记忆的惰性，强迫大脑以新的方式处理熟悉的音符组合。更绝的是，这些练习曲后面都附带了“效果自检清单”，让你在练习结束后能客观评估自己的进步点和遗漏点，形成一个闭环的学习系统。这套练习体系的科学性和趣味性结合得非常好，让人每天都充满期待去“攻克”下一个难关，而不是被练习本身所拖垮。

评分☆☆☆☆☆

这本书的叙事风格非常具有个人色彩，读起来有一种和一位经验丰富的老琴师面对面交谈的感觉。作者的语气平易近人，没有那种高高在上的学院派腔调，而是充满了实战经验的智慧。他常常会用一些生动的比喻来解释那些抽象的演奏技巧，比如形容某个快速轮竹的难点时，会提到“就像控制两只在水面快速飞舞的蜻蜓翅膀”，一下子就让人明白了那种轻盈与力度的平衡。而且，书中对于舞台表演和心态调整的部分着墨不少，这在许多技术手册中是常常被忽略的。他分享了自己当年在重要演出前如何克服紧张、如何处理突发状况的经历，这些“幕后故事”比单纯的指法讲解更加具有指导意义，因为它触及了艺术实践中最核心的“人”的层面。对于正在努力将演奏从“熟练”提升到“艺术”层面的学习者来说，这部分内容简直是醍醐灌顶的良药。

评分☆☆☆☆☆

从文献引用和曲目选材来看，这本书的广博度令人印象深刻。它不仅仅局限于某一地域或某一学派的经典曲目，而是巧妙地将不同流派的精髓进行了融会贯通的展示。在解析一些传统曲目时，作者会引用非常罕见的早期手稿作为参考，并对比不同年代的演奏风格差异，这为我们理解和诠释经典提供了多维度的视角。此外，书中对近现代作曲家为扬琴创作的新技术曲目的介绍也相当到位，没有回避当代音乐对演奏技法提出的挑战。这使得全书的视野非常开阔，它既是对历史的致敬，也是对未来发展的展望。阅读它，就像是进行了一次跨越时空的音乐之旅，让人充分感受到扬琴这件乐器蓬勃的生命力与无限的可能性。