约翰·汤普森简易钢琴教程:彩色大音符版:4 音乐 书籍 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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出版社： 人民音乐出版社

ISBN：9787103053553

商品编码：29692185378

商品基本信息，请以下列介绍为准
商品名称：	约翰·汤普森简易钢琴教程:彩色大音符版:4 音乐 书籍
作者：	人民音乐出版社辑部
定价：	22.0
出版社：	人民音乐出版社
出版日期：	2017-06-01
ISBN：	9787103053553
印次：
版次：	1
装帧：	平装-胶订
开本：	大16开

内容简介

本书稿为《约翰·汤普森 简易钢琴教程4》,以原版《约翰?汤普森 钢琴简易教程》（第四册）为基础进行翻译。为了更适合国内琴童使用，在翻译过程中对原稿中的英文歌名、歌词等做出一定的修改。并加入少量演奏提示来帮助琴童更好地掌握钢琴弹奏。

《音乐的奇迹：从古典到现代的旋律探索》 一部跨越时空，深入剖析西方音乐发展脉络的深度读物 本书并非传统意义上的入门教材，它更像是一部充满洞察力的音乐史诗，旨在带领读者穿越巴洛克时代的宏伟殿堂，步入浪漫主义的激情燃烧，最终抵达二十世纪乃至当代音乐的无限可能。我们避开了枯燥的乐理定义和技巧训练，转而聚焦于“音乐如何思考”以及“伟大作曲家们如何创造世界”。 第一部分：秩序与情感的交织——巴洛克与古典主义的辉煌 第一章：巴洛克的宏伟结构与灵魂的张力 本章深入探讨了巴洛克时期（约1600-1750年）音乐的核心特征——对精细结构、对位法（Counterpoint）的极致追求，以及强烈的戏剧性对比。我们详细解析了巴赫的《赋格的艺术》，不仅仅是分析其技术层面上的精妙，更着重于探究这些复调织体如何象征着当时欧洲对宇宙秩序的理解与虔诚的信仰。 亨德尔与歌剧的盛衰： 分析了意大利歌剧如何传入英国，以及亨德尔在《弥赛亚》中对宗教题材的戏剧化处理，探讨了“清唱剧”这一形式如何成为公众音乐生活的重要组成部分。 协奏曲的诞生： 从维瓦尔第的《四季》出发，解读“快-慢-快”的结构如何奠定了后世协奏曲的基础，以及“独奏”与“合奏”之间对话的哲学意义。 第二章：启蒙之光下的清晰与平衡——古典主义的理性美学 古典主义时期（约1750-1820年）是音乐从巴洛克的复杂装饰转向清晰、平衡、易于理解的结构美学的关键转折点。海顿被称为“交响曲之父”，本书分析了他如何将早期的序曲形式提炼、规范化，并最终确立了奏鸣曲式（Sonata Form）这一古典主义的基石。 莫扎特：天才的透明度： 重点剖析了莫扎特歌剧，如《费加罗的婚礼》和《唐璜》，探讨了他如何通过音乐的细微变化来刻画复杂的人性，揭示人物的内心矛盾，这远超当时同行的水平。我们不谈音阶，只谈他如何用和声的色彩来描绘喜悦与悲哀的瞬间交替。 贝多芬的“英雄”宣言： 本章将贝多芬视为连接古典与浪漫的桥梁。他的《第三号交响曲“英雄”》不仅仅是篇幅的增加，更是音乐表达的个体化和主观化的标志。我们探讨了“动机发展”的革命性，即如何将一个简单的音乐片段扩展成宏大的叙事结构。 第二部分：情感的火山爆发——浪漫主义的自我表达 第三章：主观体验的无限拓展（19世纪上半叶） 浪漫主义音乐的核心是对“自我”的绝对肯定和对超自然、异国情调的向往。舒伯特和舒曼将诗歌与音乐结合得天衣无缝，创造了“艺术歌曲”（Lied）这一精巧的形式。 钢琴诗篇： 深入探讨了肖邦的作品，他几乎将所有的创作精力投入到钢琴独奏曲中，特别是玛祖卡和夜曲。这些作品如何将波兰的民族情感与个人的忧郁气质融合在一起，成为“钢琴的母语”。 柏辽兹与“意象”的构建： 柏辽兹是“标题音乐”的先驱。我们详细分析了《幻想交响曲》，重点关注他如何运用“固定音型”（Idée fixe）来代表特定的角色或情感，以及他如何将管弦乐队的音色运用到极致，如同调色盘上的颜料。 第四章：民族主义与超大型作品的时代（19世纪下半叶） 随着民族意识的觉醒，欧洲各地的作曲家开始从本国的民间音乐、传说和历史中汲取灵感。 德奥的瓦格纳体系： 瓦格纳的“乐剧”是对传统歌剧的彻底颠覆。我们分析了其“主导动机”（Leitmotif）系统，以及他对和声的不断推进，特别是《特里斯坦与伊索尔德》中的“三全音”如何象征着无尽的渴望与不安，直接预示了二十世纪的音乐方向。 东欧的色彩与力量： 德沃夏克（捷克）和柴可夫斯基（俄国）如何将本土的民间旋律融入到宏大的交响乐结构中，使之既具有普世的感染力，又不失强烈的地域特色。 第三部分：破碎与重构——二十世纪的音乐革命 第五章：印象与色彩的模糊（世纪之交） 德彪西和拉威尔的作品标志着对德国浪漫主义的彻底反叛。他们不再追求清晰的结构和明确的情感，而是捕捉瞬间的光影和氛围。 “印象派”的声波： 本章侧重于德彪西对五声音阶、全音阶的运用，以及他如何通过乐器的独特音色组合（如竖琴、长笛）来营造“水面波光粼粼”的听觉效果。 第六章：结构与无调性的冲击 二十世纪初的音乐进入了爆炸性的实验阶段。勋伯格及其追随者彻底放弃了沿用数百年的大小调体系。 十二音体系的逻辑： 我们摒弃了复杂的规则讲解，而是从哲学层面探讨“无调性”的必然性——当浪漫主义的情感表达达到顶峰后，音乐需要一种新的组织方式。十二音体系正是这种对逻辑和均衡的极端追求的体现。 斯特拉文斯基与原始主义的回归： 《春之祭》的创作背景和首演的混乱场面，是理解现代音乐冲击力的关键。我们分析了其对原始节奏的迷恋，以及如何用不和谐的和弦和不规则的节拍来唤醒听众内心深处的野性。 第七章：战后探索与电子媒介的融入 二战后，音乐实验进入了更极端的领域。从斯托克豪森的序列主义（Serialism）到约翰·凯奇对机遇（Chance）的探讨，音乐的定义本身受到了挑战。 沉默的意义： 深入分析凯奇的《4分33秒》。这不是对音乐的嘲弄，而是对“什么是音乐”这一基本命题的深刻反思，引导听众重新关注环境噪音和聆听行为本身。 电子音乐的兴起： 探讨磁带音乐、合成器的出现如何拓展了声音的疆界，使音乐创作不再局限于传统乐器的物理限制。 结语：永恒的对话 本书最终引导读者认识到，音乐史并非一条直线，而是由无数次革新、回归和融合构成的复杂网络。从巴赫的严谨到贝多芬的激情，再到德彪西的朦胧和凯奇的静默，每一阶段的音乐都是其时代精神的直接映射。理解这些音乐的“为什么”和“如何”，远比掌握多少指法或背诵多少年代更为重要。这是一部邀请你深入倾听世界的指南。

评分☆☆☆☆☆

作为一名孩子的家长，我为我的小侄女挑选了很多音乐启蒙材料，市面上很多号称“儿童版”的教材，要么是图片太幼稚，要么就是内容组织得太松散，学不了两页就不知道该往哪儿跑了。这套书的结构设计非常合理，它的逻辑链条非常清晰。从最基础的认识键盘、认识音符开始，每一步都建立在前一步的基础上，知识点之间的衔接过渡得非常自然，几乎没有断层感。我最欣赏它在情感表达上的引导，它不只是教孩子“弹对”，更教孩子“弹好听”。它会鼓励孩子们在演奏简单的曲子时加入自己的理解，比如“想象你正在花园里散步”，这种情景化的教学方式极大地激发了孩子的想象力和对音乐的热爱。而且，那些练习曲目虽然简单，但旋律性都非常强，不像有些教材为了练习技巧而编排的曲子听起来像是机器生成的噪音。每次我侄女弹完一首曲子，她都会非常自豪地向我展示，这不仅仅是学会了一段旋律，更是建立了一种通过努力获得成就感的良性循环。

评分☆☆☆☆☆

我是一位琴龄有几年但基础一直不扎实的中级学习者，我过去用的教材大多是苏联体系或者一些非常注重古典技巧的教材，感觉在“趣味性”和“即时满足感”上总差那么点意思。当我翻开这本教材时，那种久违的新鲜感扑面而来。它不像那种严肃的教科书，更像一位耐心的音乐伙伴。我特别欣赏它在基础知识点讲解上的细腻程度，它不仅仅告诉你“要这么弹”，还会解释“为什么要这么弹”，用非常生活化的语言来解析乐理概念。比如，它解释节奏时，会用走路的步频来做比喻，一下子就明白了那些复杂的拍号是怎么回事。我过去总是对视谱感到头疼，因为它要求你同时处理音高和节奏，但这本书里加入了大量的配图和口诀，让视谱不再是单纯的死记硬背，而是一种有迹可循的解码过程。虽然我已经不是完全的新手，但这本书提供的扎实基础巩固和全新的视角，让我对过去学过的内容有了更深层次的理解，感觉像是重新打通了任督二脉。它真的不是那种只适合零基础的书，对希望查漏补缺的进阶者也大有裨益。

评分☆☆☆☆☆

这本书简直是为我这种零基础小白量身定做的！我一直对钢琴心生向往，但传统的教材对我来说就像天书一样，密密麻麻的五线谱和枯燥的练习曲让我望而却步。这套书的“彩色大音符版”真的太贴心了，每个音符都有明确的颜色标记，加上字体又大又清晰，我第一次上手就能很快地找到对应的琴键，完全没有那种“我是谁？我在哪？”的迷茫感。它不是那种上来就要求你弹复杂的和弦或者练习什么高难度的指法，而是循序渐进地引导你熟悉键盘和基础乐理。我记得第一课就是教识别中央C，配上那些生动的插图，简直像在玩一个有趣的音乐游戏，而不是在啃教材。每天抽出半小时跟着书上的节奏练习，不知不觉中，我的手指变得灵活了不少，连我妈都说，听着我弹的那些简单的旋律，感觉整个屋子的氛围都变得轻快起来了。对于那些因为害怕复杂性而迟迟不敢开始学琴的朋友们，强烈推荐从这本入门，它真正做到了“简易”，把学习钢琴的门槛降到了最低，让人充满了坚持下去的动力。

评分☆☆☆☆☆

我对音乐教育领域的一些传统方法持保留意见，总觉得它们过于强调重复和僵硬的肌肉记忆，而忽略了大脑对模式的认知和乐趣的驱动。这本教材给我的感觉是，它真正理解了现代学习者的需求——高效、有趣、且具有即时反馈性。它在视觉设计上做到了极致的平衡，既有吸引人的色彩，又保证了五线谱的专业性不被打折扣，这在很多“花里胡哨”的教程中是很难做到的。我注意到，它的练习部分通常会先用大音符教你弹奏旋律，紧接着就会引入简单的伴奏或和弦练习，这种循序渐进的复合训练，能让学习者很快体验到“自己能完整演奏一首曲子”的满足感。此外，书中的附注和提示非常人性化，它们没有使用晦涩的音乐术语，而是用直白的语言解释了力度变化、连奏等基本表现手法，让初学者能很快上手，避免了早期养成错误演奏习惯的风险。这本书无疑是现代钢琴教学理念的一个优秀范例。

评分☆☆☆☆☆

我曾经尝试过自学好几本不同的入门书，但最终都因为某个环节的卡壳而放弃了，特别是关于节奏的理解，对我来说简直是噩梦。这本教材在节奏部分的处理方式简直是神来之笔。它似乎非常懂得学习者在阅读乐谱时常常会遇到的阅读障碍点，并针对性地进行了优化。比如，它引入了一些非常巧妙的图示来分解复杂的拍号，将乐谱的视觉结构转化为更容易处理的逻辑块。我记得有一次我对着一个切分音型感到非常困惑，但书里配上的一个“滴答”声的节奏练习，让我瞬间就抓住了那个重音的位置。这本书的排版设计也极其考究，留白充足，不会让人觉得信息过载，每页的内容量都经过精心计算，确保学习者能在不感到疲劳的情况下完成当天的学习任务。它给人的感觉不是在“教”你弹琴，而是在“陪伴”你爱上弹琴，这种潜移默化的影响，远比生硬的灌输有效得多。对我来说，这不仅仅是一本教材，更像是一个成功的学习方法的载体。