音乐理论简单学(2)/我爱乐理 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 博睿图书

出版社： 广西师大

ISBN：9787559801647

商品编码：29690916459

出版时间：2018-03-01

基本信息

• 商品名称：音乐理论简单学(2)/我爱乐理
• 作者：编者:(马来)琳娜昂|译者:陈娴
• 定价：40
• 出版社：广西师大
• ISBN号：9787559801647

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2018-03-01
• 印刷时间：2018-03-01
• 版次：1
• 印次：1
• 开本：
• 页数：48

目录

加线(Ledger Lines)
拍号(Time Signatures)
A、Bb和Eb大调(The Major Keys of A，Bb and Eb)
复习1(Revision 1)
三连音(Triplets)
A、E和D小调(The Minor Keys of A，E and D)
音符和休止符组合(Grouping of Notes and Rests)
音程(Intervals)
复习2(Revision 2)
编写节奏(Rhythm Writing)
演奏指示(Performance Directions)
综合练习(General Exercises)
纵横填字游戏(Know Your Italian Terms Game)
复习3(Revision 3)

《音乐理论简明指南：从基础到进阶的系统学习》 一、 引言：音乐之美的钥匙 音乐，作为人类情感最直接的表达方式之一，其背后蕴含着深刻而系统的规律。理解这些规律，如同获得了一把开启音乐世界大门的钥匙。本书《音乐理论简明指南：从基础到进阶的系统学习》旨在为所有对音乐怀有热情，希望深入了解其结构、原理与美学的人们，提供一条清晰、系统且易于掌握的学习路径。我们深信，无论您是零基础的音乐爱好者，还是有一定基础希望巩固和拓展知识的演奏者、作曲者，本书都将成为您不可或缺的工具书和学习伙伴。 本书的结构设计遵循“由浅入深，螺旋上升”的原则，确保学习者能够稳扎稳打地建立起坚实的理论基础，并逐步迈向更复杂的音乐现象分析与创作实践。我们避免了过于枯燥的术语堆砌，而是采用大量的实例、图表和对比分析，力求将抽象的理论概念具象化、生动化。 二、 第一部分：奠定基石——音乐的最小构成要素 本部分专注于构建学习者对音乐基本元素最直观的认知。这是理解后续一切复杂理论的前提。 1. 音高与记谱法：声音的坐标系 音高与频率的关系： 详细阐述什么是音高，以及物理学中的频率（赫兹，Hz）如何决定了我们听到的音高差异。介绍科学的音高命名法（如C4，中央C）。 五线谱的构建： 深入解析五线谱的结构——五条线、四个间。讲解高音谱号、低音谱号、中音谱号（中提琴与大提琴常用）的准确使用与转位。 音符与休止符的时值： 全面覆盖全音符、二分音符、四分音符乃至更细的十六分音符、三十二分音符的时值关系，以及对应的休止符。特别强调附点音符和延音线在改变节奏长度中的作用。 音程的测量与识别： 定义音程，区分“数”与“质”。系统讲解大、小、增、减、纯五度、纯八度等概念，并提供大量的听辨练习方法。 2. 节奏与节拍：音乐的脉搏 节拍的结构： 解释拍号（如4/4、3/4、6/8）的含义，区分强拍、次强拍和弱拍，这是形成音乐律动感的核心。 复合拍号与自由节奏： 介绍如何处理如5/4、7/8等复合拍号的内部结构划分（如2+3或3+2）。探讨切分音（Syncopation）——打破常规重音，制造张力的技巧。 速度的标记： 学习意大利语速度术语（如Allegro, Adagio, Presto），以及节拍器标记（BPM）的实际应用。 三、 第二部分：色彩与和声的初探 在掌握了音高和节奏之后，我们开始探索声音组合在一起时产生的“色彩”——和声。 1. 调性系统：音乐的家园 大调与小调的结构： 详述大调音阶的“全-全-半-全-全-全-半”结构。系统区分自然小调、和声小调（引入导音）与旋律小调（上行与下行音阶的差异化处理）。 关系大小调： 精准解释关系大调与关系小调之间的三度关系，以及它们在谱号和调性上的关联性。 移调的原理与实践： 教授如何快速准确地将乐曲从一个调性移至另一个调性，包括使用移调乐器和固定音高的操作方法。 2. 三和弦与和弦的构建 和弦的基本构成： 定义三和弦（Triad）——由三个音按三度音程叠加而成的和弦。重点分析大三和弦、小三和弦的构成音。 和弦转位： 学习原位和弦、第一转位（六和弦）和第二转位（四六和弦）的记谱法和听觉特征。理解转位对手部在键盘上的影响及音响的稳定性变化。 七和弦的引入： 初步介绍属七和弦（Dominant Seventh, V7）作为功能和声的核心，以及它解决到主和弦的强烈倾向性。 3. 常用和声功能与导进 和声功能分析： 引入和声学的基本功能划分——主功能（Tonic, I）、属功能（Dominant, V, V7）和下属功能（Subdominant, IV）。理解这些功能在乐曲中扮演的角色（稳定、紧张、准备稳定）。 基础和弦连接（Chord Progressions）： 详细分析最常见的和弦进行，如I-IV-V-I，I-vi-IV-V，及其在不同风格（古典、流行）中的应用模式。 四、 第三部分：结构的深化与扩展 本部分将理论的深度推向更广阔的领域，涉及模态、调式以及更复杂的和声色彩。 1. 调式音乐的探索 中国古代的“调”与西方“调式”的对应： 介绍教会调式（Church Modes），从伊奥尼亚调式（大调）到洛克利亚调式（Locrian）。 旋律小调与和声小调的进一步细化： 探讨这两种小调在不同音乐语境下如何服务于旋律的流畅性或和声的色彩性。 五声音阶与蓝调音阶： 简要介绍这些非传统调式在民族音乐和现代爵士、摇滚乐中的重要地位和构建方式。 2. 更多和声色彩的运用 副属和弦（Secondary Dominants）： 讲解如何利用V/V、V/IV等和弦，实现短暂的“借用”功能，为调性内部的和声色彩增加光彩和动感。 减七和弦的特性： 深入分析减七和弦（Diminished Seventh）的对称结构和模糊性，它在模进和转调中的强大功能。 借用和弦（Modal Mixture）： 探讨如何从平行小调中借用和弦（例如，在大调中使用iv和弦），以增添情绪的深度与对比。 3. 旋律的写作与分析 动机的展开： 讲解音乐素材的最小单位——动机（Motif）的识别。 发展技巧： 系统介绍反复、移位、增值、减值、倒影、转位等动机发展手法，这是巴赫赋格和贝多芬奏鸣曲创作的核心。 乐句的构建： 分析乐句（Phrase）、乐段的平衡结构（如二句式、三句式），以及如何通过旋律线的走向实现呼吸感和张力释放。 五、 第四部分：器乐体裁与曲式结构 理论的最终目的是为了理解和再创造音乐的宏大结构。 1. 基础曲式结构 重复段与二部曲式（A-B）： 分析简单民谣、歌曲中常见的重复结构。 再现部曲式（A-B-A）： 详解三部曲式（Ternary Form）的平衡性，特别是中段（B段）如何通过对比色彩或调性变化来服务于整体的统一。 主题与变奏（Theme and Variations）： 分析变奏曲中的常见手法，如节奏变奏、织体变奏和调性变奏。 2. 奏鸣曲式简介 呈示部、发展部与再现部的功能： 以清晰的语言界定奏鸣曲式三个主要部分的结构任务——冲突建立、主题展开与冲突解决。重点解析再现部中“固定调性”的重要性。 3. 赋格曲（Fugue）的入门 对位法的基本概念： 引入对位（Counterpoint）——两条或多条独立旋律线的交织。 赋格的要素： 解释主调（Subject）、应答（Answer）、插部（Episode）以及“入进”（Entry）的组织方式。 六、 结论：从理解到创造 本书的终极目标是让读者不仅能“听懂”音乐，更能“看透”音乐的内在逻辑。我们希望读者能够将所学的理论知识，系统地应用于实际的乐谱分析、演奏技巧的精进，乃至个人的音乐创作实践中去。理论是工具，而音乐的无限可能性，正等待着您用这些工具去探索和实现。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计着实抓人眼球，色彩搭配大胆却不失和谐，给人一种既专业又易于亲近的感觉。我尤其欣赏封面上那些抽象的音符和五线谱元素，它们以一种非常艺术化的方式呈现出来，让人在还未翻开内页之前，就已经对即将接触到的音乐世界充满了期待。内页的排版也做得非常用心，字体选择清晰易读，段落间距和留白拿捏得恰到好处，即便是面对复杂的乐理概念，阅读起来也不会感到压抑或眼花缭乱。作者在图示的使用上也下了不少功夫，那些示意图和表格不仅美观，更是巧妙地将抽象的乐理知识具象化，比如对和弦结构的解析，或是一些节奏型态的对比，都通过直观的图形得到了完美的诠释。这种对阅读体验的重视，无疑为学习过程增添了许多乐趣，使得原本可能枯燥的理论学习，变成了一种视觉和智力上的享受。它就像一本精心制作的艺术品，让人忍不住想把它放在书架最显眼的位置。

评分☆☆☆☆☆

我购买这本书的目的，是想系统地梳理自己零散的音乐知识，特别是对和声学部分的理解。这本书在这方面的表现简直是教科书级别的典范。它对功能和声的讲解细致入微，从最基础的三和弦到复杂的转位、副属和弦的引入，每一步都衔接得天衣无缝，没有出现任何逻辑上的跳跃。更让我惊喜的是，作者在讲解每一个和弦进行时，都会附带简短的“听觉描述”或“情感暗示”，这对于提升我的乐感至关重要。过去我只能死记硬背和弦的功能，但现在我能“听”出属和弦的紧张感和主和弦的解决感。这种理论与实践听觉的结合，极大地加速了我的理解进程，让我不再把乐理看作是一堆冰冷的规则，而是成为我内心音乐世界的“语法指南”。

评分☆☆☆☆☆

这本书的实用性体现在它的“可操作性”上。它不仅仅是用来“阅读”和“理解”的，更是一本“可以动手操作”的工具书。书中所提供的练习题设计得非常巧妙，它们不是那种枯燥的机械重复，而是富有启发性的“小挑战”。例如，在讲解到节奏切分时，它会要求读者尝试用不同的乐器组合来“敲出”或“唱出”这种节奏，强迫读者将视觉信息转化为听觉和肢体动作。这种沉浸式的学习方法，极大地巩固了知识的吸收。每完成一章的学习，我都有种“我真的掌握了”的充实感，而不是仅仅停留在“我好像懂了”的模糊状态。这种由内而外的自信心构建，是任何一本纯理论书籍都难以企及的成就感。

评分☆☆☆☆☆

与其他市面上动辄上千页、内容冗余的乐理大部头相比，这本书的“精炼”让人耳目一新。它没有追求包罗万象，而是精准地抓住了核心概念，并且用最高效的方式呈现出来。对我这种需要快速上手应用到编曲实践中的学习者来说，这种克制与专注简直是福音。它避免了大量不常使用的、过于古典化的乐理细节，将重点放在了对现代音乐创作最有价值的部分，比如配器法的一些基础概念、以及常见音阶和调式在不同风格音乐中的应用范例。这种“少即是多”的编辑理念，使得学习过程保持了极高的专注度和动力，我能清晰地看到自己所学知识点是如何直接服务于我的创作目标的，学习效率因此得到了显著提升。

评分☆☆☆☆☆

初次接触乐理知识时，我最大的困扰就是那些看似高深莫测的术语和规则，总感觉自己像是在试图破译一套古老的密码。然而，这本书的叙述方式彻底颠覆了我的这种印象。作者的文字充满了生活气息和一种引导性的魔力，他仿佛不是在“教”你乐理，而是在“带着”你探索音乐的奥秘。他擅长用最朴实的语言来解释那些看似艰涩的原理，比如对“调性”的描述，他没有直接抛出复杂的定义，而是通过类比日常生活中的色彩和情绪变化，让我瞬间领悟了调性对音乐情感基调的决定性作用。这种循序渐进、层层递进的讲解结构，完美地照顾到了完全零基础的学习者，每翻过一页，都能感受到自己知识边界的拓展，而非被陌生的词汇淹没。它真正做到了让“理论”褪去神秘的外衣，显露出其内在的逻辑美和规律性。