全新布格缪勒钢琴练习曲作品109吴晓娜西南师范大学出版社考研教材9787562173595 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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吴晓娜，詹艺虹 编

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出版社： 西南师范大学出版社

ISBN：9787562173595

商品编码：29684843738

页数：57

图书基本信息
书名：	布格缪勒钢琴练习曲（作品109）（教学版）
丛书名：	21世纪钢琴教学丛书
作者/主编：	吴晓娜, 詹艺虹
出版社：	西南师范大学出版社
ISBN号：	9787562173595
出版年份：	2015年5月1日

版次：	第2版
总页数：	57页
开本：	8
图书定价：	16元
实际重量：	200g
新旧程度：	正版全新

1．私语

2．珍珠
3．牧场的傍晚
4．吉卜赛人
5．泉
6．愉快的少女
7．摇篮曲
8．焦虑
9．晨钟
10．快步
11．小夜曲
12．森林中的觉醒
13．暴风雨
14．船夫之歌
15．空气中的精灵
16．离别
17．进行曲
18．纺织歌
附：本册音乐术语对照表

《布格缪勒钢琴练习曲（作品109 教学版）/21世纪钢琴教学丛书》共有18首乐曲。全书乐曲按照识谱难度和技术难度由易到难排列，每首乐曲后的文字部分以速度、调性调式、训练要点对曲谱进行了全面细致地分析解读，对部分技术难点问题做了训练提示，以便读者学习。《布格缪勒钢琴练习曲（作品109 教学版）/21世纪钢琴教学丛书》文字部分将各种音乐体裁的训练要点溶于意境，且部分配有插图，目的是使初、中级程度的学琴者能更好地达到其训练要求，弹奏中表现其音色美，从而能够对美的声音的各种触键方法有更高的追求。书中这些精心撰写的训练要点，不仅有助于教师有针对性地展开教学，还可以帮助学生快速提高钢琴演奏水平。

钢琴演奏技巧精进与音乐审美拓展 聚焦于巴赫、莫扎特、贝多芬时期及浪漫主义前期作品的深入解析与实践指南 引言：通往钢琴艺术殿堂的阶梯 本册精选教材，旨在为致力于钢琴演奏艺术的学子和爱好者提供一套系统、深入且富有启发性的学习资源。本书的编写理念，根植于对古典主义与早期浪漫主义音乐语汇的深刻理解，并致力于将精湛的演奏技巧与高雅的音乐审美融会贯通。我们深知，一部伟大的钢琴作品，不仅需要扎实的技术支撑，更需要演奏者对作曲家时代背景、创作意图以及音乐结构有细致入微的洞察。 本书内容涵盖了从巴洛克晚期到浪漫主义初期，钢琴艺术发展史中若干关键阶段的代表性作品选段与练习曲目。这些精选曲目并非孤立的技术堆砌，而是承载着特定的音乐性格、演奏挑战与美学思想。通过对这些文献的研习，学习者将能够构建起坚实的演奏技能体系，同时培养出对音乐进行深度诠释的能力。 --- 第一部分：巴洛克遗产的继承与转化——精选练习曲的严谨性训练 本部分将视野聚焦于巴赫及其对后世钢琴演奏风格的深远影响，特别是如何将复调思维融入单音键盘乐器的演奏实践中。 1. 巴赫作品的织体与声部控制 我们选取了若干巴赫键盘作品中具有典型复调特点的练习片段。这些片段侧重于训练演奏者在多声部进行中，对不同声部（如旋律声部、低音支撑声部以及中声部的填充）的独立控制和平衡处理。 对位法训练的实践应用： 详细解析了如何通过指尖的力度差异、触键的深浅变化，来突出主导声部，同时保持伴随声部的清晰流动性。这要求演奏者具备极高的听觉辨识能力和手指的精确分离控制。 节奏的稳定与精确性： 针对巴赫音乐中严谨的节奏结构，本书提供了专门的节拍器训练方案，旨在消除演奏中的拖沓或急躁，确保每一个音符的“位值”都准确无误。 2. 古典主义的清晰度与形态分析 过渡到古典主义早期，音乐的线条变得更加清晰、结构更加明确。本部分结合了早期奏鸣曲中的片段，强调“线条的连贯性”与“乐句的呼吸感”。 奏鸣曲式的初步认知： 选取了部分古典早期奏鸣曲的呈示部练习，帮助学习者理解主题的呈示、对比与发展。重点在于如何在保持技术连贯的同时，凸显主题的性格差异。 装饰音的规范处理： 针对莫扎特时期常用的颤音、回音等装饰音，本书严格遵循历史演奏习惯，指导学生如何将装饰音视为乐句有机组成部分，而非单纯炫技的附加物，确保其在速度和音色上与主要旋律保持和谐。 --- 第二部分：古典主义的典范——贝多芬的力度对比与情绪张力 贝多芬的音乐是技术与情感交汇的里程碑。本部分将重点剖析其作品中蕴含的戏剧性张力与强大的结构逻辑。 1. 触键的革命：从“清晰”到“力度” 贝多芬的作品要求钢琴演奏者突破早期羽管键乐器的限制，充分挖掘钢琴音量的潜能。 强弱的极端对比训练： 选取了包含大量 sforzando (突强) 和 pianissimo (极弱) 标记的练习。这要求手指具备极强的爆发力和瞬间的控制能力，实现力度层次的快速转换，而非简单的音量增减。 音群的颗粒感与整体性： 针对贝多芬中晚期奏鸣曲中常见的八度或和弦音型的快速推进，我们侧重于训练手指的“集中”与“放松”，确保音群在宏大感的同时，仍能保持清晰的颗粒感，避免“砸音”。 2. 乐思的逻辑性展开 贝多芬的音乐是高度理性的，情感的宣泄必须服从于整体的结构。 发展部的驱动力： 通过对奏鸣曲发展部主题动机的片段练习，指导演奏者如何追踪和推进作曲家的思维路径。这不仅是技术上的跑动，更是“逻辑链条”的构建，理解动机的模进、转位与片段的有机连接。 节奏的灵活性与“戏剧停顿”： 探讨了贝多芬如何运用切分音、休止符以及不规则的节拍强调来制造悬念和冲突。练习的重点在于把握这些“戏剧化时刻”的准确性和冲击力。 --- 第三部分：浪漫主义的色彩与诗意——技术表达的自由与深度挖掘 进入十九世纪，钢琴演奏开始强调主观情感的抒发、音色的丰富变化以及炫技手法的精妙运用。 1. 音色（Timbre）的雕琢与延音的运用 浪漫主义音乐极大地依赖于钢琴的延音踏板和丰富的音色变化来营造氛围。 踏板的“绘画”技巧： 区别于简单的延音覆盖，本书教授如何使用“半踏板”和“分层踏板”技术，来描绘不同的音乐场景，例如雾气弥漫的朦胧感或瞬间爆发的光彩。 和声色彩的凸显： 针对包含丰富和弦变化的段落，训练手指对不同音区（高音区、中音区、低音区）的音量配比，使和声的色彩层次得以充分展现，避免所有音符被平均化处理。 2. 速度与速度术语的精确理解 浪漫主义作曲家对速度术语的使用更为自由和个性化，这要求演奏者在技术上达到更高的驾驭水平。 速度标记的音乐化解读： 不仅是机械地达到标记的速度，更重要的是理解 Allegro con brio (带激情地快板) 或 Andante cantabile (如歌的行板) 背后的情绪要求。例如，在 rubato（自由速度）的运用中，需保持低音声部的稳定作为“锚点”，而旋律声部可以进行恰当的弹性伸缩。 炫技段落的“歌唱性”： 选取了部分展现快速琶音、音阶与和弦跑动的练习，强调技术段落必须具备“歌唱性”，即技术是为旋律服务的，不能沦为空洞的指法展示。 --- 结语：技术与心灵的对话 本书所提供的练习与解析，是引导学习者从“会弹”走向“会听”、“会想”的关键桥梁。通过系统地、深入地剖析古典与早期浪漫主义作品的技法要求与美学精神，学习者不仅能锤炼出坚实的演奏技巧，更能培养出对音乐作品深刻而独到的理解力，最终实现技术与心灵的完美对话，使每一次演奏都成为一次真诚的艺术表达。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计一下子就吸引了我，那种简洁又不失典雅的风格，让人看了就觉得这是一本值得认真对待的教材。拿到书本时，能明显感受到纸张的质感很不错，印刷清晰度也值得称赞，长时间阅读下来眼睛也不会感到特别疲劳。我之前尝试过其他版本的练习曲集，但常常在乐谱的排版上遇到问题，要么是音符挤得太密，要么是页码衔接不流畅，导致练习时经常需要费力地翻页。而这本教材在排版上确实下了不少功夫，每一个音符的间距都处理得恰到好处，即便是初学者也能轻松辨认，这对于提高练习效率有着非常直接的帮助。尤其是一些复杂的指法部分，教材会特别用心地在旁边做一些标注或者提示，虽然没有细致到每一个音符的触键力度，但这种宏观的指导已经足以让人受益匪浅。可以说，光是打开这本书，我就对接下来的学习充满了信心。它不仅仅是一堆乐谱的集合，更像是一位经验丰富的老师在身边，默默地引导你进入布格缪勒的世界。我尤其欣赏它在细节处理上的用心，这体现了出版社对教材质量的严格把控。

评分☆☆☆☆☆

这本书的选曲编排逻辑性极强，循序渐进的难度爬升设计，简直是为钢琴学习者量身定做的“升级地图”。我一直觉得，好的教材不光是要提供练习材料，更重要的是要构建一个科学的学习路径。这本练习曲集在这方面做得尤为出色。从最基础的五指练习，到需要一定协调性和力度的复合型练习，每首曲目之间的过渡都设计得非常平滑自然。我个人最大的体会是，以前学某些技术点时，总感觉像是在“啃硬骨头”，技术瓶颈期特别明显。但用了这本教材后，我发现那些曾经让我头疼的难点，在新一课的练习中似乎都找到了对应的铺垫和解决思路。比如，某一个快速的音阶练习，它可能在前几首练习曲中就已经通过分解和弦的形式，悄无声息地为你打好了手指的独立性和均匀度基础。这种“润物细无声”的教学方法，极大地减少了学习过程中的挫败感，让人感觉进步是持续且可感知的。对于那些希望系统性提升演奏技巧的琴童或者成年学习者来说，这种结构化的设计无疑是最高效的学习保障。

评分☆☆☆☆☆

从整体的学习体验来看，这本书成功地营造了一种既有挑战性又充满成就感的学习氛围。它没有过度简化那些技术难题，保持了布格缪勒作品原有的艺术性和技术深度，这对于希望打下扎实基本功的学习者来说至关重要。我发现，坚持按照这个系列的进度练习下来，我的手指在灵活性、力度控制和节奏准确性这三个维度上都获得了显著的提升。更重要的是，它培养了我对音乐细节的敏感度。很多以前只是“弹过去”的音符，现在在练习过程中，我会开始思考它们之间的关系、应该如何给予不同的色彩。这种由技术训练带来的音乐感提升，是任何纯理论学习都无法替代的。我强烈推荐给任何在钢琴学习的进阶阶段感到迷茫的人，这本书提供的系统性训练和清晰的指向性，能有效地帮助学习者突破平台期，真正实现从“会弹”到“会唱”的飞跃。它确实物超所值，是对自己钢琴技能投资的明智选择。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计非常耐用，这点对于经常需要反复翻阅和练习的乐谱来说简直是福音。我经常在练琴时，可能手上沾着一点汗水或者不小心滴到咖啡渍，一般的乐谱用不了多久就会出现书页脱胶、封面破损的情况。但这本教材的骑马钉装订（或锁线装订，取决于实际情况）非常牢固，即便我需要将书本完全摊平在琴架上，它也能保持平整，不会有合拢的趋势，这一点极大地提升了演奏的便利性。而且，纸张的克重拿捏得很好，既保证了足够的韧性，又没有笨重到让人难以携带。我把它经常放在我的琴包里带着走，几次不小心的挤压后，书角依旧保持着相对完好的形态，这说明它的抗压能力很强。这种对物理耐用性的重视，体现了出版方对用户使用场景的深刻理解，他们明白，对于钢琴学习者而言，教材需要经受住高频率、高强度的“实战”考验。

评分☆☆☆☆☆

作为一本高等院校出版社出版的教材，它的学术严谨性是毋庸置疑的，这从曲目的注释和导读部分就能看得出来。书中对于每首练习曲的背景介绍，虽然篇幅不算冗长，但切中要害，简明扼要地说明了该曲目主要需要解决的技术难点和音乐处理要点。这对我这种不仅仅满足于“弹会”一首曲子，而是追求“弹好”的实践者来说，价值非凡。我常常在练习前，先快速阅读一下导读，这能帮助我带着明确的目标去面对接下来的练习，而不是盲目地去碰。比如，当练习到某首需要大量快速琶音的曲目时，如果导读里提到了关于手腕放松和重量转移的建议，我就会立刻在实践中去检验和体会这些理论指导，效果往往立竿见影。这种理论与实践紧密结合的编排方式，使得这本书超越了一般的“曲谱集”范畴，更像是一本集演奏指南与技术分析于一体的工具书。对于考研的学子来说，这种对作品深层理解的培养，是至关重要的得分点。