正版四部和声写作邹承瑞西南师范大学出版社21世纪高校音乐教材9787562145189 ? pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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邹承瑞 ? 著

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• 邹承瑞
• 四部和声
• 音乐理论
• 21世纪高校教材
• 9787562145189
• 音乐教学

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出版社： 重庆西南师范大学出版社

ISBN：9787562145189

商品编码：29684844270

页数：262

图书基本信息
书名：	四部和声写作
丛书名：	21世纪高等院校音乐教材
作者/主编：	邹承瑞
出版社：	西南师范大学出版社
ISBN号：	9787562145189
出版年份：	2009年

版次：	第1版
总页数：	262页
开本：	1/16
图书定价：	35.00元
实际重量：	522g
新旧程度：	正版全新

 第*章 调式基础与和声功能第二章 四部和声写作的基本常识第三章 原位正三和弦第四章 转位正三和弦第五章 重要的属功能和弦——属七和弦第六章 副三和弦第七章 三和弦的再叠置第八章 属功能的属功能——重属和弦第九章 单一调性的复杂化——离调第十章 调性分类及调性连接类型第十一章 通过共同和弦的转调（一）第十二章 通过共同和弦的转调（二）第十三章 模进第十四章 和弦外音（一）第十五章 和弦外音（二）第十六章 属变和弦及下属变和弦第十七章 同主音调式和弦的互借第十八章 通过借用和弦的转调第十九章 减七和弦的等和弦转调第二十章 属七和弦的等和弦转调第二十一章 增三和弦的等和弦转调第二十二章 持续音第二十三章 四部和声写作的总体规划附录 习题 

《四部和声写作》有以下特点：一、对和声学内容进行了梳理、归纳，内容更加、完善。如正三和弦、副三和弦、转调、和弦外音等，都集中讲解了其共同规律。对调的分类进行了明确的说明，提出了简便的记忆方法，且列出了各调关系的总表；对转调的共同和弦按调的分类进行了归纳，使转调和调的分类结合起来；对没有共同和弦的四级关系调的转调，排列出了无遗漏的可能性方案；对减七、属七及增三等和弦转调，进行了条理性的归纳并提出了更多的可能性方案，等等。二、各部分内容的讲解均结合四部和声写作实例，并提供了我在教学中总结的一些方法，目的是使该内容所涉及的技法更容易掌握。例如：对原位正三和弦的连接总结了“口诀”并提出利用排列法不变的方法进行快速连接；对和弦转换、三音跳进等提出先做好习题中固定连接的地方，再往前后拓展的办法进行快速连接，等等。三、各部分的四部和声例题，有的做了不同的方案以进行优劣比较，使该内容的写作更加熟练和准确。四、除了在各部分结合该部分内容讲解四部和声写作要领外，在全书后的第二十三章还专门讲了“四部和声写作的总体规划”并提供了例题，使学习者对四部和声写作能从总体上进行更好的把握。《四部和声写作》附录为编写的书面习题，有旋律题和低音题。少数习题选自斯波索宾等人的《和声学教程》。旋律题和低音题都可以做多种方案。《四部和声写作》文字叙述比较简练，内容阐述比较集中，参照所讲内容再做题，比较容易理解和掌握。  

音乐理论与实践的殿堂：一部跨越时代的教学经典 本书并非《正版四部和声写作：邹承瑞 著，西南师范大学出版社，21世纪高校音乐教材，ISBN：9787562145189》。 本书是一部深度聚焦于西方音乐传统核心——对位法与和声学原理的综合性著作，旨在为音乐学院本科生、研究生以及高阶音乐爱好者提供一套严谨、系统且富有启发性的学习路径。它超越了单纯的规则罗列，深入探讨了音乐语言的内在逻辑与历史演变，强调理论与创作实践的深度融合。 --- 第一部分：基础和声的哲学与结构 本书首先将读者带入功能和声学的宏伟殿堂。我们不再仅仅将和弦视为一组音符的堆砌，而是将其视为推动音乐叙事前进的“动力单元”。 第一章：音响的张力与功能 本章详细解析了调性系统的基本构造，重点阐述了主、属、下属三和弦在调性结构中所扮演的不可替代的角色。我们探讨了和弦功能背后的心理学基础——解决与不解决带来的听觉期待与满足。特别引入了“和声色彩”的概念，区分了明亮、忧郁、紧张与舒缓等不同音响质地，并指导学生如何通过和弦的替代与延伸（如九和弦、增六和弦的引入）来丰富音乐的表情。 第二章：线性连接的艺术——和弦的连接规则精研 本书对和弦连接提出了比传统教材更为细致的规范。我们着重分析了“平行五八度”和“隐藏进行”等禁忌的历史性缘由，而非仅仅机械地禁止。随后，重点转向了“声部进行”的平滑性与逻辑性。大量的范例将展示如何通过巧妙的转位和连接，实现声部线条的优美、连贯，确保每一声部都在叙述一个清晰的旋律轮廓。这部分内容融入了巴洛克时期合唱音乐的范例，以展现连接的“纯粹之美”。 第三章：导向与扩展：副属和弦群像 副属和弦（Secondary Dominants）被视为连接不同调性色彩的“桥梁”。本书系统地分类和讲解了所有次级属和弦的用法，并深入探讨了功能迁移的现象。我们对比分析了不同作曲家（如莫扎特与舒伯特）在运用副属和弦时，其色彩侧重点的差异，帮助学习者掌握“何时使用”、“使用何种程度的色彩”的创作直觉。 --- 第二部分：和声的深化与拓展：色彩的调色板 随着基础的稳固，本书带领读者进入更具复杂性和表现力的和声领域，探索调性边界的模糊与拓展。 第四章：半音化和弦与调性模糊 半音化和弦是拓展和声色彩的关键工具。本章详细剖析了减七和弦的多功能性（作为属和弦的替代、转调的枢纽），以及增三和弦在特定情绪渲染中的作用。通过对浪漫主义早期作品（如肖邦的夜曲）的分析，展示了如何利用这些半音和弦来营造梦幻、不安或深沉的意境，而不会彻底瓦解调性中心。 第五章：非功能性和弦的探索 面对20世纪的音乐思潮，本书并未回避非功能性或色彩性（Chromatic）和弦。本章引入了帕代雷夫斯基和弦、那不勒斯六和弦等特殊和弦的结构与功能（或曰“非功能性”的听觉效果）。我们的目标是理解这些和弦在特定历史语境下如何被用来替代传统属和弦，从而实现瞬间的情绪冲击或色彩的“闪现”，而非作为日常构建的基石。 第六章：和声织体的变化与配器考量 和声不仅关乎音的垂直组合，更关乎如何将这些音分配给不同的乐器。本章讨论了音域对和声色彩的影响。例如，同样是C大三和弦，由低音提琴、大提琴和中提琴演奏时，与长笛、双簧管和单簧管演奏时，其听觉重量和情感色彩截然不同。本章提供配器练习，强调“声部密度”与“音色对比”在和声表达中的重要性。 --- 第三部分：对位法的精神与实践 本书认为，和声的逻辑必然导向对位法的线性思维。这一部分旨在训练学生独立思考声部线条的能力，这是区分音乐匠人与音乐艺术家的关键。 第七章：巴赫精神的继承——严格对位法入门 我们从两部对位法（第一、三、四、五种“法”）入手，遵循早期对位法的精神，强调声部间的独立性与相互制约。本章详尽区分了“协调（Consonance）”与“不协调（Dissonance）”的解决路径。大量的练习将要求学生不仅写出正确的音高关系，更要保证每一条旋律线自身的流畅性与节奏的独立性。 第八章：三部与四部对位法的复杂性 在掌握了基础法则后，本书逐步引入更多声部，探讨如何处理声部间的交叉、模仿和声部的高低转换。特别关注模仿对位的技巧，即如何在一个既定的旋律动机基础上，发展出相互呼应、但又不失个性的多条声部线索。这部分内容要求学生具备极强的空间听觉能力。 第九章：旋律的复调化——赋格曲的蓝图 本章将对位法推向其艺术高峰：赋格曲的写作原理。我们拆解了主题的提出（Entrance）、主导（Leader）与随伴（Answer）的转换，以及中段（Episodes）的构建。重点解析了赋格的展开技巧，如倒影（Inversion）、增值（Augmentation）和减值（Diminution）等，指导学生如何将单线条的对位练习转化为宏大、多层次的复调结构。 --- 结语：理解历史，面向未来 本书的最终目标是培养一种“历史敏感度”。我们相信，只有深入理解了自巴洛克至印象派期间和声与对位逻辑的演变脉络，学习者才能在当代创作中，有意识地选择、运用或颠覆既有的语法体系。本书中的所有范例均精选自西方音乐史上的经典片段，辅以大量针对性的写作练习与分析任务，确保理论知识能够转化为扎实的音乐实践能力。它不仅仅是参考书，更是陪伴学习者从理论新手迈向成熟音乐思想家的必备工具。

评分☆☆☆☆☆

我用过好几本关于和声写作的教材，但这本书真正让我感受到了“系统性”的力量。很多其他教材往往侧重于某一个时间段或某一种风格的和声，而这本书的覆盖面广，但组织得又异常紧凑，它构建了一个完整的、自洽的理论体系。特别是对于那些需要融会贯通、打通知识壁垒的学习者来说，这本书的价值无可替代。它不仅教你“怎么写”，更重要的是教你“为什么这么写”，以及在不同的情境下，如何灵活变通地运用这些原则。我发现，自从开始研读此书后，我在处理自己的作品时，思路明显变得开阔了许多，不再局限于陈旧的模式。这本书的厚度本身就是一种承诺，承诺着内容的详实和覆盖的全面。对于有志于在音乐领域深耕的人士，这本书绝对是案头不可或缺的案头参考书，它的每一次翻阅，都能带来新的领悟和启发，是真正值得反复研读的精品。

评分☆☆☆☆☆

拿到这本书后，我最先关注的是它的配图和示例的质量。坦白说，很多音乐理论书的配图常常是粗糙的、难以辨认的，但这本书在这方面做得非常出色。所有的乐谱示例都清晰可辨，字体规范，即便是复杂的对位段落，也能一眼看清声部的走向和和声的进行。更难能可贵的是，作者在选择示例曲目时，体现了极高的音乐品味和教学智慧。它们既包含了经典的范例，也穿插了相对现代的、更贴近当代审美的作品，这极大地拓宽了我的视野，让我认识到和声学并非是束之高阁的古代遗物，而是充满生命力的当代语言。此外，书中对于一些容易混淆的概念，常常会配有对比性的图表或流程图，这些视觉辅助工具，极大地减轻了我的记忆负担，让复杂的知识点一目了然。可以说，这本书在视觉传达和内容呈现的精细度上，达到了一个非常高的水准，体现了出版社和作者对读者的尊重。

评分☆☆☆☆☆

这本书的目录结构编排得极其精妙，逻辑链条清晰得令人赞叹。它并非简单地堆砌理论，而是构建了一个层层递进、环环相扣的知识体系。从最基础的和声单元开始，作者如同建筑师一般，稳扎稳打地铺设地基，然后逐步向上搭建结构，每引入一个新概念，都紧密地与前文知识点相呼应，使得学习过程如同攀登一座设计精良的阶梯，每一步都踏实有力。我尤其喜欢它在章节末尾设置的“思考与实践”环节，那些富有启发性的问题，迫使我不能只是被动地接受信息，而是要主动地去消化、去构建自己的理解框架。这种互动式的学习体验，极大地提高了我的学习效率和积极性。翻阅其中的案例分析部分，那些经过精心挑选的音乐片段，无一不展现了理论在实际创作中的应用价值，它们是活生生的教材，让抽象的规则瞬间具象化，不再是枯燥的符号组合。这本书的深度和广度，都超出了我原先的预期，它真正做到了将学术的严谨性与教学的实用性完美地融合在一起。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计简直是一场视觉的盛宴，色彩的搭配充满了古典的韵味，又不失现代的活力。初次拿到手里，我就被它厚重的质感所吸引，那种纸张的纹理和油墨的清香，让人瞬间沉浸在知识的海洋中。我特地找了一个阳光明媚的午后，泡上一杯清茶，翻开这本书的扉页，每一个字都像是精心雕琢的艺术品，排版布局疏密得当，阅读起来毫无压力。作者的文字功底深厚，行文流畅自然，即便是初学者也能感受到那种娓娓道来的亲切感。我最欣赏的是它对核心概念的阐释，总能用最简洁明了的语言，将那些看似深奥的理论描绘得栩栩如生，这对于我们这些还在摸索阶段的爱好者来说，无疑是最好的指引。这本书不仅仅是一本教材，更像是一位循循善诱的良师，它默默地陪伴着我，每当我遇到困惑时，总能从其中找到豁然开朗的解答。我甚至会时不时地摩挲一下书页的边缘，感受着这份沉甸甸的知识分量，它让我对未来的学习充满了信心和期待。

评分☆☆☆☆☆

这本书的阅读体验，简直是一场与大师的深度对话。作者的叙事风格非常独特，他似乎有一种魔力，能将复杂的学术论证转化为充满激情的讲述。在阐述一些关键的理论转变时，他会适时地引入历史背景和作曲家的心路历程，让冰冷的规则背后，充满了人文的光辉和艺术的张力。我感觉自己不是在机械地学习规则，而是在追溯和声演变的历史脉络，理解不同时代音乐家是如何应对和解决听觉上的挑战的。这种带着温度的教学方式，极大地激发了我对音乐历史的好奇心。更令人称道的是，书中的语言选择既保持了学术的准确性，又避免了过度晦涩的术语堆砌，真正做到了“雅俗共赏”。每一次捧读，都像是一次精神的洗礼，不仅提升了我的专业技能，更深化了我对音乐艺术本质的理解，让我对那些伟大的作品有了更深层次的共鸣。