歌曲写作教程陈国权人民音乐出版社正版教材课本歌曲写作教材9787103031513 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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陈国权 著

图书标签:

• 歌曲写作
• 音乐教材
• 陈国权
• 人民音乐出版社
• 音乐理论
• 流行音乐
• 创作技巧
• 教材
• 课本
• 9787103031513

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出版社： 人民音乐出版社

ISBN：9787103031513

商品编码：29684845309

页数：510

图书基本信息
书名：	歌曲写作教程
丛书名：	音乐自学丛书作曲卷
出版社：	人民音乐出版社
ISBN号：	9787103031513
出版年份：	2007年8月1日

版次：	第1版
总页数：	510页
开本：	1/32
图书定价：	42元
实际重量：	299g
新旧程度：	正版全新

 编辑《音乐自学丛书(作曲卷):歌曲写作教程(修订版)》由人民音乐出版社出版。

 目录前言 上篇 第*章 歌曲写作的整体构思 1.什么是整体构思 2.同一首歌词的不同整体构思 第二章 主题乐句的写作 1.节奏的安排 2.调式的安排 3.旋律的构成 4.句法的安排 5.临摹歌曲主题句 第三章 旋律发展手法 1.原样重复 2.重复变化 3.模进 4.节奏重复 5.自由延伸 6.旋律进行幅度的扩大和收缩 7.承接发展 第四章 乐段结构歌曲的写作（上） 1.起、承、转、合的方正四句乐段 2.四句乐段的扩充和补充 3.两大句乐段 第五章 乐段结构歌曲的写作（中） 1.词曲结构不同步的乐段（之一）——重复歌词 2.词曲结构不同步的乐段（之二）——加进衬词 3.词曲结构不同步的乐段（之三）——词多曲少 4.词曲结构不同步的乐段（之四）——词少曲多 第六章 乐段结构歌曲的写作（下） 1.两句乐段 2.两句（四句）乐段的重复、变化 3.五句乐段 4.六句乐段 5.多句乐段 第七章 两段体歌曲写作 1.两乐段之间的对比类型 2.再现与不再现的两段体 3.分节歌、通谱歌和副歌 4.两乐段之间的音区、节奏和主题对比 5.两乐段之间的调性对比 6.两乐段之间的收拢与开放 7.两段体歌曲的结构规模 8.两段体的长度比例和构成类型 9.两段体的高潮 第八章 三段体歌曲写作 1.三段体歌曲的结构类型及各段关系 2.中间段的写作——节奏、音区、旋律的对比写法 3.中间段的写作——派生和发展的写法 4.中间段的写作——体裁、速度和情绪的对比写法 5.中间段的结构容量 6.再现段的写作——完全再现与旋律变化再现 7.再现段的写作——结构变化再现 8.再现段的写作——AB两段综合再现 9.不再现的三段体 10.两段体和不再现三段体之间的兼有型 第九章 多段体歌曲写作和歌曲结构布局 1.变奏曲体 2.复合两段体 3.回旋曲体 4.带再现的多段体 5.并列多段体 6.歌词的结构布局 第十章 固定音调、固定节奏的贯串和音调引用 1.固定节奏的贯串 2.固定音调的贯串 3.音调引用 第十一章 前奏（引子）、间奏、后奏（尾声） 1.前奏 2.间奏 3.后奏 4.人声演唱的引子和尾声 下篇 第十二章 曲调与声调 1.“字正”与“倒字” 2.词曲声韵结合的一般规律 3.唇齿音、辅助词 第十三章 装饰变音、色彩变音、离调、特性调式变音和转调 1.装饰变音 2.色彩变音 3.离调 4.特性调式变音 5.转调 第十四章 拖腔、重复歌词、衬词 1.拖腔 2.歌词的重复 3.衬词 第十五章 歌曲的常见体裁 1.抒情歌曲 2.队列群众歌曲 3.歌舞歌曲 4.叙事歌曲 5.幽默诙谐歌曲 6.劳动歌曲 7.戏歌 第十六章 艺术歌曲特征 1.古典艺术歌曲 2.我国艺术歌曲 第十七章 通俗歌曲特征 1.节奏 2.旋律 3.结构 4.通俗歌曲的艺术性探索 附录一：声部音色音域和定调演唱形式演唱风格 附录二：歌曲题头的版面样式 附录三：部分习题解答提示 后记  

《音乐自学丛书(作曲卷):歌曲写作教程(修订版)》以一般性歌曲、艺术歌曲和通俗歌曲为主要研究对象，适宜于开始进行歌曲写作并熟练掌握五线谱，以及有初步和声知识的读者阅读。《音乐自学丛书(作曲卷):歌曲写作教程(修订版)》分为上、下篇。上篇是从拿到歌词以后，如何一步步写下去，亦即沿着结构如何一句一句、一段一段延展下去作为主线的。因而结构安排、曲调和歌词的结合以及一般性的歌曲写作技巧是上篇的主要内容。下篇则是对写作的一些技术性内容以及有关歌曲的体裁进行阐述。  

音乐之径：从理论到实践的旋律构建之旅 一、引言：打开音乐创作的神秘之门 音乐，作为人类情感最直接的表达方式之一，其创作过程却常常笼罩着一层神秘的面纱。许多有志于歌曲创作的人士，无论是初学者还是希望提升技艺的音乐人，都渴望找到一条清晰、系统且富有实效的路径，将脑海中涌现的灵感转化为动听的旋律和感人的歌词。本书并非侧重于某一特定流派的技巧解析，而是致力于提供一套普适性、结构化的歌曲写作方法论，旨在帮助学习者建立起稳固的音乐理论基础，并将其有效地应用于实际的创作流程之中。我们深信，优秀的歌曲源于精心的设计与扎实的功底，而非仅仅依赖偶然的灵感乍现。 二、基石：音乐理论的扎实构建 歌曲创作，归根结底，是音乐语言的运用。因此，本书将大量篇幅投入到对音乐基本要素的深入探讨中，确保读者能够掌握构建音乐的“砖块”和“水泥”。 2.1 节奏的脉动与结构： 节奏是音乐的骨架。我们将细致剖析时值、拍号、节拍的内在逻辑。重点讲解如何通过复杂的节奏型变化来营造不同的情感张力，如何运用切分音和附点音符来增加律动的趣味性。此外，对乐句的划分与对齐，即如何使旋律的呼吸感与歌词的自然停顿相匹配，将作为重要的实践环节贯穿其中。 2.2 和声的色彩与功能： 和声是歌曲的情感基调决定者。本书将系统梳理西方传统和声学的基础知识，包括三和弦、七和弦的构成与功能（主、属、下属）。但我们更关注其在流行音乐语境下的应用。我们将探讨如何运用借用和弦、副属和弦等手段来丰富音乐色彩，避免听觉上的单调乏味。特别地，我们会提供大量范例，演示如何根据歌词的情绪起伏，动态地选择和弦进行，实现“和声随情境而变”的高级技巧。 2.3 旋律的线条与记忆点： 旋律是歌曲的灵魂，也是最难掌握的部分。本书将旋律的创作分解为可操作的步骤。我们将研究动机（Motif）的建立与发展，讲解如何通过重复、移位、扩大、缩短等手法，将一个简单的音乐动机发展成一段完整的旋律线。书中会大量引用不同风格的经典歌曲片段，分析其音程选择（大跳与级进的平衡）、音域控制以及如何设计易于传唱的“钩子”（Hook Line）。强调旋律与歌词重音的完美咬合，确保旋律的“可唱性”和“记忆性”。 三、架构：歌曲形式的布局与设计 一首歌曲的成功，往往取决于其内在的结构是否严谨、推进是否自然。本书摒弃了僵化的格式说教，转而探讨功能性结构的搭建。 3.1 经典结构的解构与重构： 我们将深入分析流行音乐中最常见的AABA、主歌-副歌-桥段（Verse-Chorus-Bridge）等结构。重点在于理解每个部分的功能定位：主歌如何铺陈背景与叙事，副歌如何集中情感爆发点，桥段如何提供新鲜感与情绪转折。 3.2 能量曲线的控制： 创作不仅仅是堆砌片段，更是对听众注意力的管理。本书提供了一套“能量曲线”设计模型，指导作者如何在全曲中布局高潮、低谷，确保听众始终保持投入。例如，如何在第二次副歌后通过节奏或配器上的细微变化来“推一把”，避免结构重复带来的疲劳感。 3.3 导引与收尾的艺术： 歌曲的开头（Intro）需要迅速抓住听众，结尾（Outro）则需要留下回味。我们将探讨如何利用乐器织体、和声铺垫来设计一个引人入胜的开场，以及如何通过渐弱、减速或重复动机等手法，优雅地结束一首作品。 四、文本：歌词的文学性与音乐性结合 歌词是歌曲的血肉。本书将歌词创作视为一种高度凝练的诗歌艺术，并强调其必须服务于音乐的表达。 4.1 叙事、意象与情感的平衡： 我们将教授如何从抽象的情感中提炼出具体的意象（Imagery），避免空洞的口号式表达。探讨叙事推进的技巧，如“展示而非告知”（Show, Don't Tell）。同时，分析不同主题（如爱情、社会观察、个人挣扎）下歌词的切入角度。 4.2 韵律与音韵的打磨： 歌词的韵脚并非仅仅为了押韵。我们将详细讲解韵脚的分布规律、韵脚的松紧度，以及如何利用同音异义词、谐音等手段增强歌词的趣味性与深度。更重要的是，如何确保歌词的音节长度和重读位置能够自然地嵌入到预先设定的旋律框架中，避免出现“拗口”或“不自然”的咬字问题。 4.3 情绪的递进与张力释放： 优秀的歌词段落之间存在内在的逻辑和情绪张力。本书指导读者如何设计歌词的密度和焦点，确保主歌的细节铺垫最终在副歌得到情感上的完美释放，实现词曲一体的最高境界。 五、实践与迭代：从草稿到成品的全过程 创作是实践的艺术。本书的最终目标是让学习者能够独立完成一首具有市场潜力的歌曲。 5.1 工具的选择与运用： 介绍现代音乐创作中常用的辅助工具，包括基础的记谱软件和数字音频工作站（DAW）的基本操作逻辑，强调这些工具应作为创作的延伸，而非束缚思维的枷锁。 5.2 灵感捕获与快速原型构建： 如何在高效率下将“一闪而过”的灵感转化为可编辑的片段。教授“速写”技巧，先搭框架，后填细节的创作流程。 5.3 关键的反馈循环： 创作完成后，如何客观地自我评估和接受他人的有效反馈。提供一套自检清单，涵盖和声进行是否合理、旋律是否流畅、歌词主题是否统一等核心要素，帮助作者完成从“完成作品”到“打磨佳作”的蜕变。 结语： 本书旨在提供一套清晰的行动指南和坚实的理论后盾，帮助每一位热爱音乐的创作者，系统地、有目的地，踏上构建属于自己独特音乐世界的旅程。通过不懈的练习与对这些原理的深刻理解，你将能更自信地驾驭旋律、和声与文字的力量。

评分☆☆☆☆☆

这本《歌曲写作教程》简直是音乐制作新手的福音，我从拿到手开始，就爱不释释手。陈国权老师的讲解深入浅出，对于我这种科班出身但实践经验不足的乐迷来说，简直是打开了新世界的大门。书里没有那种故弄玄虚的理论说教，而是非常扎实地从基础的和声进行、旋律构建讲起，每一步都有清晰的范例和分析。尤其是关于如何捕捉生活中的灵感，并将其转化为具有生命力的歌词和旋律的章节，让我受益匪浅。它不仅仅是一本教材，更像是一位资深制作人在耳边细语，手把手地教你如何搭建起一首完整的作品。我特别喜欢书中对不同音乐风格的剖析，比如流行、民谣甚至是一些小众音乐的创作手法，都能找到对应的讲解。读完一遍后，我感觉自己对音乐的理解不再停留在“听”的层面，而是开始“看”到音乐背后的结构和逻辑，那种掌握了创作密码的兴奋感，是任何线上课程都无法比拟的。

评分☆☆☆☆☆

我是一个已经写了几年歌，但总感觉作品缺乏“灵魂”的业余作者。在尝试了各种自学方法和网络资源后，我抱着试试看的心态买了这本陈国权的教程。说实话，一开始我有点担心内容会过于学术化，但事实证明我的顾虑完全是多余的。这本书最打动我的地方在于它的实用性和对“人”的关注。它没有把歌曲创作变成冰冷的数学公式，而是强调情感的真实流露和音乐的叙事性。书中关于如何打磨“钩子”（hook）的部分，简直是神来之笔，寥寥数语就点明了流行音乐抓住听众耳朵的关键。我按照书中的建议调整了我几首搁置已久的作品，效果立竿见影，原本平淡无奇的副歌突然焕发出了光彩。这本书就像是一把精密的雕刻刀，帮助我剔除了多余的装饰，让旋律回归到最纯粹的表达上。如果你也和我一样，在技巧的门槛后徘徊不前，这本书绝对是你需要的催化剂。

评分☆☆☆☆☆

从一个纯粹的音乐爱好者，到尝试自己创作，中间的鸿沟常常让人望而却步。这本人民音乐出版社出版的教材，以其严谨的出版质量和陈国权先生的深厚功底，为我搭建了一条坚实的桥梁。我尤其欣赏它在乐理和创作实践之间的平衡。很多教程要么过于偏重高深的理论，让初学者望而却头，要么就是过于“速成”，只教皮毛。而这本教程，在介绍基础乐理时，总是紧密联系到实际的歌曲段落进行分析。比如，当讲到调式转换时，会立刻举例说明这种转换如何营造出特定的情绪场景。这种“理论先行、实践为证”的编排方式，使得枯燥的知识点变得鲜活起来。对于我这种需要系统化学习路径的人来说，这种结构化的内容组织，极大地提升了学习效率，让我感觉每翻一页，都在向着“完整创作”的目标迈进一大步。

评分☆☆☆☆☆

我一直认为，好的歌曲创作是天赋与方法的结合。这本书，完美地诠释了“方法”的重要性。我之前总以为自己的旋律写得不够好，可能是因为我的“天赋”不够。但读完这本书，我才明白，很多时候不是天赋问题，而是缺乏正确的工具箱。陈国权老师提供的工具箱里，装满了各种处理不同创作困境的“扳手”和“螺丝刀”。比如，当面对歌词与旋律的适配性难题时，书中给出的几条检验标准和修改建议，简直是茅塞顿开。特别是关于如何让歌词的重音和旋律的强拍自然契合的讲解，解决了困扰我很久的一个技术难题。这不像是一本冰冷的教科书，更像是作者倾其毕生经验，提炼出的精华浓缩液。读它的时候，我常常需要停下来，拿起自己的乐器去试验书中的技巧，这种即时反馈的学习体验，让知识点牢牢地扎根在了我的音乐思维中。

评分☆☆☆☆☆

购买这本书，是基于对人民音乐出版社的信任，以及对陈国权老师作品一贯风格的期待，事实证明这次投资非常值得。与其他侧重于特定流派的创作指南不同，这本书的覆盖面非常广，它传授的是一种普适性的、适用于多种风格底层的创作思维框架。我个人对它在处理歌曲结构——尤其是如何设计引人入胜的“桥段”（Bridge）——所下的功夫印象深刻。很多歌曲，在主歌和副歌的成功之后，往往在桥段处功亏一篑，变得平淡无奇。这本书针对此提供了好几种有效的结构变化策略，教会读者如何在保持歌曲整体连贯性的同时，制造出必要的听觉张力和情绪转折。这本教材的价值在于，它不仅教你如何“写”歌，更教你如何“构建”一个完整的音乐故事，让听众能够跟随你的情绪起伏，直至最终的高潮和收尾。这是一本需要反复阅读，每次都会有新发现的宝藏之书。