| 图书基本信息 | |
| 书名: | 曲式与作品分析 |
| 丛书名: | 音乐学院教材 |
| 作者/主编: | 吴祖强 |
| 出版社: | 人民音乐出版社 |
| ISBN号: | 9787103027196 |
| 出版年份: | 2003年 |
| 版次: | 第2版 |
| 总页数: | 408页 |
| 开本: | 1/16 |
| 图书定价: | 29.00元 |
| 实际重量: | 365 g |
| 新旧程度: | 正版全新 |
曲式与作品分析(修订版)/音乐学院教材》系音乐学院作曲系、音乐学系、指挥系本科的曲式与作品分析课的教材之一。该教材中选用的谱例和所分析的乐曲除了根据课程内容需要之外,也考虑到一般情况下教学必需的乐谱、唱片及其他资料的可能条件,在选用我国作品时,也部分地由于这些方面条件的限制,选用的不一定都是具有代表性的作品。本教材仅为课堂讲授之用,学生的作业、课堂讨论的曲目可由授课教师根据具体情况另行选订。
这本书的装帧和印刷质量也绝对配得上它的内容价值。纸张的选用很考究,字迹清晰锐利,即便是需要对照着乐谱反复查阅的复杂图表和例证,阅读起来也毫不费力,这对于长时间伏案学习的人来说,是极其重要的体验。很多学术书籍在排版上不注重细节,导致阅读体验大打折扣,这本书在这方面做得相当到位,体现了出版社对经典教材的重视。此外,全书的结构逻辑安排得非常清晰,章节之间过渡自然,索引做得详尽,便于快速定位到感兴趣的部分进行回顾和深入学习。作为一本工具书性质的教材,它的易用性直接决定了它在学习过程中的价值。它不像是一本一次性的读物,更像是一个可以陪伴我度过数年学习生涯的“知识伙伴”。对于有志于音乐学术研究或者专业演奏的同行们来说,投资这样一本高品质、内容扎实的教材,绝对是物超所值的。它带来的知识积累和分析能力的提升,是任何临时的学习资料所无法替代的深度和厚度。
评分这本书,说实话,拿到手的时候,那种沉甸甸的质感就让人觉得非同一般,封面设计得既古典又不失现代感,那种墨绿色的调调配上烫金的字体,一看就知道是正经的学术著作。我之前听过一些关于音乐分析的讲座,总觉得有些理论框架过于抽象,难以落地到具体的作品中去。这本书的编排,从最基础的和声语汇开始,娓娓道来,一步步构建起复杂的曲式结构分析的逻辑体系。特别是它对不同历史时期、不同体裁作品的范例选取,非常精妙。举个例子,它讲解奏鸣曲式的那个章节,没有停留在机械地套用“呈示部-展开部-再现部”的模板,而是深入剖析了贝多芬晚期作品中那种打破常规的创作手法,那种如何通过主题的变形和材料的重组来达到情感张力的描述,简直是醍醐灌顶。作者的文字功底也值得称赞,行文流畅,逻辑清晰,即便是初学者也能顺着作者的思路,逐步领悟到音乐内部那些精巧的构造之美。翻阅的过程中,总能发现一些过去自己忽略掉的音乐细节,让人不禁感叹,原来音乐的魅力,不仅仅在于听觉上的愉悦,更在于其内在的结构智慧。这本书,绝对是想真正理解西方音乐体系的必备良器。
评分我接触音乐理论学习已经有些年头了,市面上各种版本的教材也看过不少,但坦率地说,很多书的通病在于,理论总是高悬于上,教条刻板,读起来枯燥乏味,让人提不起精神去深入钻研那些复杂的图表和术语。这本书的价值就在于,它成功地将“分析”从一种冰冷的解构还原成一种富有生命力的“聆听”过程。作者似乎非常懂得学习者的痛点,他没有把分析变成一种“找茬”的艺术,而是引导我们去发现作曲家在特定历史背景下,为了实现某种情感表达或结构目的所做的匠心独运的选择。书中对段落划分、结构层次的探讨,极其细腻入微,特别是对复调音乐中织体与曲式的交叉分析部分,简直是教科书级别的示范。我记得我曾花了一个下午的时间,对照着书里的讲解,去重新聆听某部室内乐作品,过去只是觉得好听,现在却能清晰地“看到”主题是如何在不同的声部间穿梭、交织、发展,那种感觉,就像是拿到了一份高清的建筑蓝图,让你彻底明白了宏伟大厦是如何拔地而起的。对于那些希望从“听者”蜕变为“鉴赏家”的读者来说,这本书提供了一条扎实而又不失趣味的路径。
评分说实话,我购买这本书的初衷是想系统性地梳理一下自己散乱的音乐知识体系,特别是那些关于大型器乐作品(如交响曲、协奏曲)的曲式结构,总觉得心里没个底。这本书在这方面做得极为出色,它不是简单地罗列“什么是A段,什么是B段”,而是着重强调了功能性分析的重要性,即每一个音乐片段在整个作品的“叙事”中扮演了什么角色。作者对“对比”与“统一”这两个核心概念的阐述,贯穿始终,让你明白,看似千变万化的音乐语言,背后始终遵循着某种内在的逻辑张力。让我印象深刻的是,书中对“动机发展”这一主题的论述,引用了大量实例,细致到每一个音型的变形和扩展,这种层层递进的分析方法,极大地提高了我的分析敏感度。以前分析作品时,总像是盲人摸象,现在通过这本书的指导,仿佛突然拥有了一双慧眼,能洞察到音乐线条中那些隐秘的联系和布局。对于研究生阶段的学习者来说,这本书的深度和广度,完全可以作为核心参考书目,它为构建稳固的音乐分析思维打下了坚实的基础。
评分我给这本书打这么高的分,还有一个重要的原因,就是它在处理理论与实践的结合上找到了一个非常微妙的平衡点。很多理论书籍过于偏重抽象的定义,导致读者学完后,一面对到实际乐谱就束手无策;反之,有些实践导向的书籍又过于注重个案的堆砌,缺乏普适性的理论指导。而这本,则像是搭建了一座坚固的桥梁。它在介绍完一个曲式概念后,几乎会立刻跟进几个跨越不同时期、不同国别的范例进行对比分析,这种“泛化——聚焦——再泛化”的节奏,非常有助于理解音乐形式的演变规律。尤其是在处理一些混合性的体裁或晚期作品中出现的模糊边界时,作者的分析角度既保持了学术的严谨性,又充满了对作曲家创造力的尊重,没有一味地用僵硬的框架去套裁。这种处理方式,让我在学习过程中,不仅掌握了分析的“工具”,更培养了一种开放性的、批判性的研究视角。可以说,这本书不仅仅是教你怎么“看”作品,更重要的是教你怎么“思考”音乐结构背后的文化与审美意图。
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