曲式与作品分析课程谱例集3公共课音乐学院出版社作品教研室9787810960380 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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中央音乐学院作品分析教研室 著

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出版社： 中央音乐学院出版社

ISBN：9787810960380

商品编码：29684843184

页数：318

图书基本信息
书名：	曲式与作品分析课程谱例集3（公共课）
作者/主编：	音乐学院作品分析教研室
出版社：	音乐学院出版社
ISBN号：	9787810960380
出版年份：	2004年

版次：	第1版
总页数：	318页
开本：	1/16
图书定价：	39.00元
实际重量：	558 g
新旧程度：	正版全新

《曲式与作品分析课程谱例集3:公共课》由音乐学院出版社出版。

1.法国组曲第六首 阿勒芒德舞曲 库朗特舞曲 萨拉班德舞曲 加沃特舞曲 波洛奈兹舞曲 小步舞曲 布雷舞曲 吉格舞曲 2.钢琴奏鸣曲（D大调） 3.○四交响曲（伦敦） 4.钢琴奏鸣曲（悲怆） 5.钢琴奏鸣曲（热情） 6.第六交响曲（悲怆） 7.《皮尔·金特》组曲 晨景 奥赛之死 安尼特拉舞曲 在山神的宫中 8.《贝尔加玛斯克》组曲 前奏曲 小步舞曲 月 光 帕赛比叶舞曲 9.第五交响曲（命运） 10.小提琴协奏曲（D大调）

《曲式与作品分析课程谱例集3:公共课》内容包括：法国组曲第六首；阿勒芒德舞曲；库朗特舞曲；萨拉班德舞曲；加沃特舞曲；波洛奈兹舞曲；小步舞曲；布雷舞曲；吉格舞曲；钢琴奏鸣曲（D大调）；○四交响曲（伦敦）；钢琴奏鸣曲（悲怆）等。 

《西方音乐史纲》 引言：音乐的演进与人类文明的交响 本书旨在为音乐学习者提供一份全面而深入的西方音乐史脉络梳理。从古希腊文明的音乐萌芽到二十世纪的多元探索，音乐的发展始终与人类社会的政治变迁、哲学思潮和技术进步紧密相连。我们力求超越简单的年代罗列和风格划分，深入探讨音乐如何作为一种独特的艺术语言，承载和反映特定历史时期的精神风貌。全书以清晰的结构和丰富的史料为支撑，力求构建一个既有宏观视野，又不失细节描摹的音乐历史图景。 第一部分：古代与中世纪的奠基（约公元前500年 - 1400年） 第一章：古希腊罗马的音乐遗产 本章首先追溯西方音乐的源头。我们将详细考察古希腊的“穆西卡”（Mousikē）概念，探讨毕达哥拉斯学派对音程和数学在音乐中应用的发现，以及柏拉图、亚里士多德等哲学家对音乐伦理学和功能性的论述。重点分析古希腊的记谱尝试、乐器（如里拉琴、阿夫罗斯笛）的形制及其在戏剧、宗教仪式中的作用。随后，简要概述古罗马时期对希腊传统的继承与转化，为中世纪音乐的诞生做好铺垫。 第二章：早期基督教音乐与格里高利圣咏的形成 中世纪是西方音乐体系确立的关键时期。本章聚焦于基督教礼仪音乐的标准化过程。深入分析格里高利圣咏（Gregorian Chant）的特点：单音性、无固定节拍、自由的节奏以及与拉丁文本的紧密结合。探讨教会在确立音乐规范中的作用，以及不同地区圣咏风格的差异（如古罗马、加洛林等）。 第三章：记谱法的革命与早期复调的萌芽 本章的重点是记谱技术的重大突破。详细阐述纽姆记谱法（Neumes）如何从指示音高到精确记录旋律，这使得音乐的准确流传成为可能。随后，进入复调音乐的早期阶段——奥尔加农（Organum）的出现。考察巴黎圣母院乐派（Notre Dame School）的先驱莱奥宁（Léonin）和佩罗坦（Pérotin）在发展平行、自由和有规律复调方面的贡献，标志着横向音乐思维的觉醒。 第二章：文艺复兴：人文主义的音乐回响（约1400年 - 1600年） 第四章：世俗音乐的兴起与“新艺术”的萌动 文艺复兴时期，人文主义思潮深刻影响了音乐创作。本章探讨以法国“法布尔”（Ars Nova）和早期尼德兰乐派为代表的风格演变。重点分析世俗音乐形式的繁荣，如法国香颂（Chanson）和意大利的室内歌曲（Madrigal）在表达人类情感方面的解放。 第五章：尼德兰乐派的鼎盛与宗教音乐的完善 本章集中讨论以杜飞（Dufay）、雅克·布迪（Josquin des Prez）为代表的尼德兰作曲家。分析他们如何精炼对位技巧，将模仿手法推向成熟，并实现声部之间平衡的“普世风格”（Universal Style）。深入剖析弥撒曲和经文歌在这一时期的结构和织体变化，强调文本清晰度和情感的微妙表达。 第六章：晚期文艺复兴的风格分流 晚期文艺复兴见证了风格的地域性发展。在意大利，马德里加尔在蒙特威尔第（Monteverdi）手中逐渐导向对位与主调结合的过渡形态。在英格兰，对位技巧的精致化体现在威廉·拜尔德（William Byrd）等人的作品中。同时，本章也会涉及对宗教改革和反宗教改革（如特伦特会议）对音乐规范的影响的考察。 第三章：巴洛克：情感的强度与结构的宏大（约1600年 - 1750年） 第七章：歌剧的诞生与数字低音的统治 本章探讨巴洛克音乐最伟大的创新——歌剧在佛罗伦萨的起源。分析“第二实践”（Seconda Prattica）对强调歌词表达的追求，以及由此产生的宣叙调（Recitative）和咏叹调（Aria）的基本模式。深入解析通奏低音（Basso Continuo）的运作机制，及其如何确立了和声基础和“巴洛克式”的驱动力。 第八章：器乐体裁的成熟与协奏曲的建立 随着器乐地位的提升，重要的器乐体裁得以确立。本章详细介绍奏鸣曲（Sonata）、组曲（Suite）的结构演变。重点分析协奏曲（Concerto）的发展，从科雷利（Corelli）的合奏协奏曲（Concerto Grosso）到维瓦尔第（Vivaldi）的独奏协奏曲，探讨快-慢-快的三乐章结构和“返始”（Ritornello）原则的应用。 第九章：巴赫与亨德尔的集大成 本章以巴洛克音乐的两位巨匠作为高潮。分析巴赫（J.S. Bach）对复调技艺的极致运用，尤其是在《平均律钢琴曲集》中的调性探索和赋格（Fugue）的结构逻辑。同时，考察亨德尔（G.F. Handel）在意大利歌剧和英格兰清唱剧（Oratorio）中的宏大叙事能力，如《弥赛亚》对宗教戏剧的深刻描绘。 第四部分：古典主义：平衡、清晰与结构之美（约1730年 - 1820年） 第十章：洛可可与早期古典乐派的过渡 本章阐述从巴洛克晚期的复杂转向更趋向自然、清晰的“情感风格”（Empfindsamer Stil）。分析加兰特风格（Style Galant）如何为古典主义的简洁做准备。重点介绍曼海姆乐派对管弦乐队的规范化以及早期奏鸣曲式（Sonata Form）的初步形态。 第十一章：维也纳古典乐派的黄金时代 古典主义音乐的核心在维也纳形成。本章详细解析海顿（Haydn）在交响曲和弦乐四重奏中的贡献，他如何确立了奏鸣曲式的成熟范式。随后，深入探讨莫扎特（Mozart）在歌剧（如《费加罗的婚礼》）中对角色心理的刻画，以及他在协奏曲中对乐队与独奏者对话的精妙处理。 第十二章：贝多芬的革命：从古典到浪漫的桥梁 贝多芬（Beethoven）的工作被视为古典主义的巅峰与浪漫主义的先声。本章分析其作品中情感张力的增强、动机的戏剧性发展，以及对传统形式（如奏鸣曲式）的拓展和重构。重点研究他晚期作品中超越时代的前瞻性特征。 第五部分：浪漫主义：主观情感的无限扩张（约1800年 - 1900年） 第十三章：浪漫主义的哲学基础与音乐特征 本章探讨浪漫主义思潮对音乐的影响，包括对个体情感、自然崇拜、民族主义和超自然元素的偏爱。分析音乐语言上的变化：和声的扩张、旋律的抒情化、配器的色彩化，以及速度和力度标记的丰富性。 第十四章：浪漫主义的器乐与声乐革新 考察室内乐和钢琴独奏曲的发展。肖邦（Chopin）如何将波兰民族元素融入精巧的钢琴小品中；李斯特（Liszt）的交响诗（Symphonic Poem）如何使器乐叙事化。在声乐方面，舒伯特（Schubert）的艺术歌曲（Lied）如何通过钢琴伴奏实现与歌词的完美融合。 第十五章：民族主义的兴起与大型戏剧音乐 十九世纪中叶，各国作曲家开始挖掘本土民间音乐，形成强烈的民族风格。本章分析俄国的“五人强力集团”、捷克的德沃夏克（Dvořák）以及北欧的格里格（Grieg）等如何将民族元素融入交响乐和歌剧创作。同时，瓦格纳（Wagner）的“整体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）及其主导动机（Leitmotif）系统在德奥歌剧中的革命性地位。 第六部分：二十世纪至今：多元化的探索与边界的消解（约1900年至今） 第十六章：印象主义与表现主义的审美转向 进入二十世纪，对既有规范的反叛成为主流。本章首先分析德彪西（Debussy）的印象主义，如何通过音色、模糊的和声和对调性的松动来描绘瞬间的感受。随后，转向奥地利表现主义，深入探讨勋伯格（Schoenberg）如何通过极端的主观情感表达，最终导致了无调性（Atonality）的出现。 第十七章：新古典主义与序列音乐的理性回归 为对抗浪漫主义的过度主观化，斯特拉文斯基（Stravinsky）倡导的新古典主义（Neoclassicism）强调对古典形式和清晰度的回归。同时，勋伯格发展出的十二音体系（Twelve-Tone Technique）及其后继者对“序列音乐”（Serialism）的探索，代表了音乐理性化和结构化的极致追求。 第十八章：二十世纪后半叶的实验浪潮 后二战时期，音乐探索进入“前卫”阶段。本章探讨欧洲的“达姆施塔特学派”对全面序列化的推进；美国作曲家约翰·凯奇（John Cage）对偶然性音乐（Aleatoric Music）和沉默的哲学探讨；以及电子音乐、磁带音乐和空间音乐的兴起，标志着声音的来源和音乐的定义被彻底拓宽。 结语：当代音乐的语境与未来展望 本书的最后部分将回顾当代音乐多元共存的格局，分析极简主义（Minimalism）的重复结构，以及对传统调性和节奏的重新审视。展望未来，音乐将如何在技术飞速发展的时代继续扮演其文化角色，并与全球音乐文化进行更深层次的对话。 附录：关键术语索引与重要作曲家年表

评分☆☆☆☆☆

这本乐理教材的排版和印刷质量实在令人印象深刻，翻阅起来非常舒适。纸张的质感厚实，不容易透光，这对于需要反复对照乐谱和文字讲解的学习者来说简直是福音。装帧设计也颇具匠心，平摊在书桌上也很稳固，不用担心它会自己合起来，影响学习的连贯性。更值得称赞的是，书中对各个音乐作品的标注清晰明了，字体选择大小适中，即便是长时间阅读也不会感到视觉疲劳。音乐学院出版社的出品果然名不虚传，细节之处见真章，看得出在制作过程中投入了大量的精力和用心，这对于一本专业的教学用书而言，是至关重要的硬件条件。好的载体能极大地提升学习体验，让原本枯燥的理论学习变得更加享受和高效。

评分☆☆☆☆☆

我尤其欣赏这部作品集在选材上的独到眼光和广博的视野。它并没有局限于那些被过度解读和分析的“标准曲目”，而是巧妙地穿插了一些在曲式分析教学中相对新颖但又极具代表性的范例。这种平衡的选材策略，既保证了学生对经典曲式结构（比如奏鸣曲式、回旋曲式等）的扎实理解，又通过引入不同风格、不同时期、甚至不同地域音乐的片段，极大地拓宽了学习者的音乐视野和分析的敏感度。这种“以点带面”的编排方式，远比死记硬背定义来得有效，它让曲式分析不再是抽象的几何图形，而变成了有血有肉的音乐实践。能感受到编者在挑选每一个例证时，都经过了深思熟虑，力求做到“一曲一法度，一例一乾坤”。

评分☆☆☆☆☆

从教学法的角度来看，这部谱例集的结构安排简直是教科书级别的示范。它并非简单地堆砌乐谱，而是遵循了由浅入深、循序渐进的逻辑脉络。初期的例子可能侧重于基础的段落划分和功能性分析，帮助新手建立起基本的分析框架；随着章节的推进，难度和复杂度会自然攀升，引入了更多复杂的套曲结构、对比织体以及调性关系的深度剖析。这种精心设计的难度梯度，使得学习者能够稳扎稳打，每攻克一关，都有清晰的成就感，避免了初学阶段就因面对过于庞杂的结构而产生的挫败感。这种对学习者心理的洞察，是衡量一本优秀教材的关键标准之一，而本书在这方面做得非常出色。

评分☆☆☆☆☆

对于我们这些已经积累了一定理论基础，但希望在作品理解上更上一层楼的进阶学习者而言，这本书的价值体现在其对“作品”深度的挖掘上。它不仅仅停留在对“形式”的机械标记，更重要的似乎是在引导读者去探究“为什么是这样的曲式”。例如，在分析某个段落转调时，谱例会引导你去思考这种转调在情绪表达上起到了什么作用，它如何服务于作曲家想要传达的戏剧性或抒情性。这种超越技术层面的艺术性探讨，是纯粹的理论书籍所难以提供的。它将枯燥的“分析工具”与活生生的“音乐语言”紧密结合起来，真正培养了将技术能力转化为艺术鉴赏力的能力。

评分☆☆☆☆☆

我必须承认，最初我对这本教材抱有一些保守的看法，毕竟市场上类似的谱例集已经非常多了，很难想象还能有什么突破。然而，当我真正开始使用它进行深入研究后，才发现它的独特性在于其对不同时期风格的内在一致性和差异性的细致对比。书中对不同时代作曲家处理同一曲式（比如赋格）时所体现出的时代烙印和个人风格的差异，进行了非常精妙的对比展示。这种横向和纵向的对比分析，极大地提升了我们对音乐史与曲式演变之间关系的认识。它不是孤立地看待每一个作品，而是将它们置于一个宏大的音乐发展图景中去审视，这种系统性和全局观的构建，对于培养一个全面而深刻的音乐分析家来说，是不可或缺的财富。