声乐演唱实践与表演训练 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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莫大尼唐芳 编

图书标签:

• 声乐
• 演唱技巧
• 表演
• 音乐教学
• 声乐训练
• 舞台表现
• 音乐表演
• 发声
• 呼吸
• 共鸣

店铺： 博库网旗舰店

出版社： 中国纺织

ISBN：9787518027941

商品编码：29673889438

开本：16

出版时间：2018-07-01

基本信息

• 商品名称：声乐演唱实践与表演训练
• 作者：莫大尼//唐芳
• 定价：71
• 出版社：中国纺织
• ISBN号：9787518027941

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2018-07-01
• 印刷时间：2018-07-01
• 版次：1
• 印次：1
• 开本：16开
• 包装：平装
• 页数：262
• 字数：227千字

内容提要

莫大尼，唐芳著的《声乐演唱实践与表演训练》 对声乐演唱实践与表演训练的相关内容进行了系统探 讨研究，主要内容包括：美声唱法的技巧与实践、民 族唱法的技巧与实践、流行唱法的技巧与实践、声乐 其他唱法实践、声乐表演作品的分析与情感表达、声 乐表演排练与心理训练、声乐表演的形体训练与舞台 实践等。本书内容系统且有针对性，条理清晰，内容 丰富新颖，是一本值得学习研究的著作。
    

目录

第一章 美声唱法的技巧与实践
第一节 美声唱法的产生与发展
第二节 美声唱法的声音造型特征
第三节 美声唱法技巧
第四节 美声唱法的演唱实践
第二章 民族唱法的技巧与实践
第一节 民族唱法的发展与创新
第二节 民族唱法的具体类型
第三节 民族唱法的风格特征
第四节 民族唱法技巧
第五节 民族唱法的演唱实践
第三章 流行唱法的技巧与实践
第一节 流行唱法的界定
第二节 流行唱法的源流与历史进程
第三节 流行唱法的技巧分析与训练
第四节 流行唱法的演唱实践
第四章 声乐其他唱法实践简析
第一节 原生态唱法实践
第二节 戏曲与曲艺唱法实践
第五章 声乐表演作品的分析与情感表达
第一节 声乐表演作品的选择
第二节 声乐表演作品的分析与处理
第三节 声乐表演语调的情感表达
第六章 声乐表演排练与心理训练
第一节 声乐表演排练的步骤及方法
第二节 不同样式的声乐表演排练
第三节 声乐表演心理调控与训练
第七章 声乐表演的形体训练与舞台实践
第一节 声乐表演的形体训练
第二节 声乐表演中的“台风”
第三节 声乐表演中与伴奏者的合作
参考文献

音乐理论与实践：巴赫键盘作品的演奏策略研究 作者： [此处填写虚构作者姓名] 出版年份： [此处填写虚构年份] 出版社： [此处填写虚构出版社名称] --- 内容提要： 本书深入探讨了约翰·塞巴斯蒂安·巴赫（Johann Sebastian Bach）键盘作品的演奏实践与理论基础，聚焦于如何将严谨的音乐学分析转化为富有洞察力的舞台呈现。全书摒弃了对巴赫音乐的浪漫化或过度诠释倾向，转而提倡一种基于历史语境、结构逻辑和声学原理的演奏方法论。 本书的核心论点在于，理解巴赫作品的“技艺”（Kunst）与“结构”（Architektur）是实现有效“表达”（Ausdruck）的前提。作者通过对《平均律键盘曲集》、《哥德堡变奏曲》、《英国与法国组曲》以及各种赋格与前奏曲的细致剖析，构建了一套系统化的演奏训练框架，旨在帮助演奏者超越技巧的表面模仿，抵达巴赫音乐内在的逻辑之美与精神深度。 第一部分：巴赫键盘作品的演奏史语境与理论基石 第一章：巴赫键盘音乐的乐器学基础与时代声音 本章首先追溯了巴赫时代键盘乐器的发展历程，包括羽管键琴（Cembalo）、古钢琴（Clavichord）以及管风琴的音色特性、机械结构及其对演奏技法的影响。探讨了音律体系（如中庸全音律）如何塑造了巴赫和声语言的听觉效果。重点分析了“适度音准”对于区分不同调性色彩的重要性，以及在不同乐器上实现巴赫音乐的“颗粒感”与“线条清晰度”的差异化要求。 第二章：音乐的织体分析：赋格与复调的透视法 深入解析巴赫音乐中复调织体的核心——赋格曲（Fugue）。本章详述了主题的呈示、展开、入进（Stretto）的逻辑关系，并引入了“声部关系学”（Part-writing Kinematics）的概念。阐述了演奏者如何通过对不同声部的动态分配、触键深度和乐句划分，来清晰地勾勒出多重独立旋律线之间的对话与张力，避免“一团和气”的模糊处理。具体案例分析了《平均律》第一册D大调赋格中主题的动态层次构建。 第三章：节奏的结构性：律动与时间感 本书挑战了将巴赫节奏简单等同于“机械的均匀性”的传统观点。本章侧重于探讨巴赫音乐中潜藏的“装饰性节奏”与“基础律动”的关系。通过分析托卡塔（Toccata）中的自由处理与组曲（Suite）中舞曲节奏的固定性，阐释了“韵律的弹性”（Rhythmic Flexibility）并非自由拖沓，而是基于对小节结构和舞蹈原型理解的精确控制。引入了“周期性重音”理论，指导演奏者在长乐句中维持能量的稳定输出。 第二部分：特定体裁的演奏策略与技术研习 第四章：组曲的结构与风格：从法式到英式的跨越 详细比较了《英国组曲》与《法国组曲》在结构布局、装饰手法和精神气质上的差异。重点解析了组曲中舞曲段落（如萨拉班德、吉格）的特征节奏型（Affekt）与速度设定。提出了“风格适应性触键”（Style-Specific Articulation）的练习方案，以区分羽管键琴上所需的轻盈、清晰的断奏与古钢琴上可接受的略微连贯性。 第五章：变奏曲的逻辑延伸：以《哥德堡变奏曲》为例 本书将《哥德堡变奏曲》视为一个整体的建筑群，而非孤立的单元。本章探讨了巴赫如何通过“变奏母题”——低音的固定咏叹调（Aria）——来约束所有二十九个变奏的内在连贯性。重点分析了难度极高的交错手变奏（如第5、14、20变奏）中，声部重叠、跨越、以及手指交叉时的空间管理与运动效率优化。提出了一种基于“身体轴心旋转”而非单纯指力推动的技术改进方案。 第六章：赋格前奏曲的即兴精神与结构约束 本章针对巴赫键盘作品中常见的自由体裁——前奏曲（Prelude）——进行了深入研究。分析了如C小调前奏曲（BWV 847）中那种看似即兴的快速音群如何在严密的和声进行约束下运作。强调了在处理“琶音式”或“音阶式”前奏曲时，必须维持声音的均匀度与气息的连贯性，将其视为一个宏大的“气息流”，而非零散的音符堆砌。 第三部分：演奏诠释与技术精进的整合训练 第七章：触键的动态光谱与音色塑造 将触键技术视为演奏诠释的物理基础。详细讨论了如何利用手指的重量、角度和释放速度，在不使用踏板（或仅使用极少踏板）的情况下，模拟出丰富的音色对比。通过对巴赫作品中表情记号（如p和f在巴洛克语境下的含义）的重新界定，指导演奏者建立一个清晰的动态等级体系，确保低音部的支撑力和高音声部的穿透力。 第八章：乐句学与宏观结构听觉 本章关注演奏的整体架构感。如何处理一个跨越数分钟的复杂乐句，使其在听众的感知中保持方向性？引入了“句法驱动的呼吸”概念，即演奏中的“停顿”和“加速”必须服务于和声解决或主题句的完整表达。通过对巴赫大型作品（如媒介组曲的序曲或大型托卡塔）的宏观结构图谱分析，指导演奏者在大脑中预设音乐的“高光点”与“能量低谷”。 第九章：排练方法论：从技术克服到艺术呈现 提供了针对巴赫键盘作品的实战排练指南。强调“分离训练”——将技术难点（如声部独立性、复杂和弦的均衡）单独解决，然后“整合连接”——将技术方案置入音乐的语境中。推荐了一种“慢速结构听觉重构法”，即在极慢速下，不仅要关注指尖的准确性，更要听清不同声部在空间中的相对位置与相互作用，从而在提高速度后保持对内在逻辑的清晰掌控。 结语：巴赫的永恒对话 总结巴赫音乐的演奏并非对历史的复古，而是通过精确的分析工具，与一位伟大作曲家的思维进行跨越时空的对话。成功的巴赫演奏，是结构清晰度、技术精确性和深刻人文关怀的完美统一。 --- 本书特色： 强调结构先于情感： 拒绝先入为主的浪漫主义诠释，主张“结构清晰即是最高的表达”。 技术与语境结合： 每一项技术练习都紧密关联于特定的历史乐器和音乐体裁要求。 图表化分析： 包含大量手绘的声部织体图、节奏律动图谱，便于视觉化理解复杂的复调关系。 无适用乐器限制： 虽然聚焦于羽管键琴语境，但其方法论对钢琴演奏者理解巴赫亦具有指导意义。

评分☆☆☆☆☆

这部书的内容简直是为我量身定制的！我一直觉得自己的声乐技巧停滞不前，尤其是那些高难度的技巧，总感觉抓不住要领。这本书的讲解方式非常细致入微，简直像一位经验丰富的声乐老师手把手地教你。它不是那种空泛的理论堆砌，而是充满了实用的练习和科学的训练方法。我特别欣赏它对气息控制的深入剖析，很多我之前理解有偏差的地方，通过书中的图文并茂的讲解，一下子就豁然开朗了。特别是针对不同声部和不同风格的歌曲处理，提供了非常具体的指导，让我明白如何才能真正地将技术融入到音乐表达中去，而不是仅仅追求音准和音高。我已经迫不及待地想把书中学到的东西应用到我接下来的排练中，相信一定能带来质的飞跃。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我原本对这类书籍抱持着一种“试试看”的心态，因为市面上的声乐教材汗牛充栋，真正有深度的屈指可数。然而，这本书的视角非常独特，它不仅仅关注“怎么唱”，更深入探讨了“为什么这样唱”。作者对于发声原理的阐述，既有扎实的科学依据，又结合了大量的舞台实践经验，使得理论不再是枯燥的公式，而是活生生的指导方针。我尤其喜欢其中关于舞台表演心理建设的部分，这方面的内容往往被其他教材所忽略。面对观众时的紧张感、如何快速进入角色状态等问题，书中都给出了非常接地气且行之有效的解决方案。这本书极大地拓宽了我的视野，让我从一个单纯的“歌者”向一个完整的“表演者”转变。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版和编排实在是一绝，看得出来编辑团队在易读性上下了大功夫。对于一个忙碌的在职人士来说，时间就是金钱，我需要的是能够快速定位到我需要的知识点的内容。这本书的结构清晰，章节之间的逻辑衔接非常自然流畅。当你遇到一个特定的技术瓶颈时，翻开相应的章节，总能找到清晰的步骤分解和示例分析。我过去常因为一些技术细节上的困惑而感到挫败，但这本书就像一个随时待命的私人教练，用清晰的语言和专业的术语，引导我逐步攻克难关。我已经把它放在我的琴谱架旁边，几乎每天都会翻阅，每次都有新的收获，这种持续的启发性价值是其他书籍难以比拟的。

评分☆☆☆☆☆

我是在一位资深音乐教授的推荐下购入的这本书，他称赞其为近年来难得的集大成之作。我的感受是，它成功地架起了一座连接学院派理论与现代舞台实践的桥梁。书中对不同历史时期声乐风格的对比分析尤其精彩，它不仅仅是描述，而是通过具体的演唱范例（虽然书里是文字描述，但其描述之精妙，足以让人在脑海中“听”到差异），教导我们如何尊重原作精神，同时注入个人理解。对于那些准备参加专业比赛或申请更高学位的学习者来说，这本书提供的深度和广度是必不可少的工具。它让我对“什么是真正的专业水准”有了更深刻的认识，同时也提供了清晰的路径去达成那个标准。

评分☆☆☆☆☆

阅读完这本书，我感到最大的收获是心境上的成熟。很多时候，我们在追求完美的音色和技巧时，反而迷失了音乐本身的情感表达。这本书的后半部分，重点阐述了如何通过深入理解歌词背后的文化背景和人物情感，来实现真正打动人心的演唱。它教导我们如何倾听，如何与钢琴伴奏进行有效的对话，如何让自己的声音成为故事的载体，而非炫技的工具。这种对音乐“人文关怀”的强调，让我重新审视了自己的演唱态度。这本书不仅仅是一本技术手册，更像是一部关于声乐艺术哲学的入门指南，它教会了我如何用更成熟、更富同理心的方式去对待每一首作品，这对我接下来的艺术生涯至关重要。