世界民族音乐概论 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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王耀华 编

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店铺： 火把图书专营店

出版社： 上海音乐

ISBN：9787805536705

商品编码：29489670531

基本信息

• 商品名称：世界民族音乐概论
• 作者：王耀华
• 定价：38
• 出版社：上海音乐
• ISBN号：9787805536705

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：
• 印刷时间：
• 版次：1
• 印次：1
• 开本：
• 包装：平装
• 页数：300
• 字数：244千字

探寻人类文明的交响：一部跨越时空的音乐文化史诗 书名： 《人类文明的律动：全球音乐文化深度考察》 作者： [此处可填充一位虚构的、具有人类学或音乐学背景的资深学者姓名，例如：陈嘉宇、艾琳娜·瓦西里耶娃] 字数： 约 1500 字 --- 书籍简介： 《人类文明的律动：全球音乐文化深度考察》并非一部关于特定地域或流派的音乐教程，而是一部宏大叙事下的音乐人类学与文化符号学的综合性著作。本书致力于揭示音乐作为人类社会最古老、最普世的表达形式之一，是如何在不同地理、历史与社会结构中被塑造、被赋予意义，并反过来影响人类认知与集体行为的。我们不再将目光局限于民族音乐的“记录”与“分类”，而是深入探讨音乐实践背后的“为什么”与“如何是”。 本书的核心论点在于：音乐的本质并非其音高、节奏或调式，而是其在特定社会语境中所承载的文化能量与身份构建功能。 每一段旋律，每一次鼓点，都是人类适应环境、表达情感、维系社会结构和进行精神交流的活化石。 第一部分：声音的起源与早期社会结构 本部分将时间轴拉回到人类文明的曙光。我们探讨的并非某一特定族群的歌谣，而是对史前人类声音世界的推演和重建。 章节聚焦： 1. 口语诞生前夕的“前音乐”： 分析早期人类的喉音、身体打击乐（如跺脚、拍手）在狩猎、迁徙和祭祀中的原始功能。我们引入考古学和神经科学的交叉视角，探究人类大脑对韵律和重复模式的先天敏感性，这构成了所有音乐形式的底层硬件。 2. 神圣与世俗的初始分野： 研究在母系氏族或早期父权社会中，声音劳动如何被权力结构所规范。例如，区分用于召唤神灵的、具有高度仪式化的“神圣声音”与用于日常劳动和伴侣吸引的“世俗韵律”之间的张力与融合。我们将比较不同早期文明（如美索不达米亚的泥板记录与撒哈拉以南非洲的早期部落结构）中，声音媒介者（如萨满、吟游诗人）的社会地位变迁，考察声音垄断权如何等同于社会控制权。 3. 乐器的符号学解构： 深入分析骨笛、石磬、皮革鼓等原始乐器的制造工艺与材料选择背后的世界观。乐器不再仅仅是发声工具，它们是自然界元素（动物、植物、矿物）被人类文化意识重构的媒介。我们探讨不同材质发出的音色如何被编码为“坚硬/柔软”、“天上/地下”的二元对立系统。 第二部分：文本、帝国与声音的量化 随着农业文明的兴起和早期帝国的建立，音乐开始脱离纯粹的即兴性，走向规范化、书面化和理论化。本书关注的是这种“量化”过程如何服务于政治目标。 章节聚焦： 1. “理性”之声：早期音乐理论的诞生： 考察古希腊的毕达哥拉斯体系、印度的《梨俱吠陀》音高记谱尝试，以及中国古代的十二律制。这些理论化的努力，其核心驱动力往往不是纯粹的美学追求，而是统治阶层试图将宇宙秩序（天人合一、行星运行）映射到可听见范围内的尝试。我们分析“和谐”概念在不同文化中如何被政治化，成为维护社会稳定的工具。 2. 游牧与定居文明的听觉疆界： 对比横跨欧亚大陆的游牧文化（如草原民族）与定居农业文明（如黄河流域、尼罗河流域）在音乐载体上的差异。游牧音乐往往依赖于便携的、叙事性强的形式（如史诗传唱），以适应快速的社会流动性；而定居文明则倾向于发展复杂的宫廷音乐体系和大型合奏形式，以彰显权力中心的稳定与富饶。 3. 宗教改革与声音的普及化： 探讨在不同历史阶段，主要的宗教运动如何影响普通民众对音乐的接触权。从欧洲中世纪的圣咏垄断，到新教改革中对“会众歌唱”的提倡，音乐作为连接个体与神性的桥梁，其使用权和解释权的变化，深刻反映了社会阶层的流动与思想解放的进程。 第三部分：全球化浪潮下的声音重构与身份消融 进入近现代，工业革命、殖民扩张和电子媒介的出现，彻底颠覆了音乐的地理边界和传播规律。本书深入批判性地审视这些力量对地方声音生态的影响。 章节聚焦： 1. 异域之声的“采集”与“展示”： 考察19世纪末至20世纪初的“人类学采集行动”及其在世界博览会上的展示。分析“他者”的音乐是如何被西方学者“物化”和“情境剥离”的，成为欧洲中心主义叙事中的“原始”或“异域情调”的素材。我们不只是批判这种行为，而是剖析这种“采集”如何无意中加速了被采集文化的自我审视和身份重构。 2. 媒介技术对“在场感”的消解与重建： 唱片、广播和后来的数字流媒体，如何改变了音乐的“存在方式”。现场的、不可重复的仪式性声音，被转化为可储存、可复制的商品。我们对比黑胶时代对声音“温暖感”的怀旧，与数字时代对“无限可取用性”的习以为常，探讨听觉体验的“深度”与“广度”之间的权衡。 3. 身份认同的“混音”：后现代的声音拼贴： 关注20世纪下半叶至今，全球化背景下音乐流派的快速迭代与融合（如世界音乐、电子乐的本土化）。探讨当代艺术家如何有意识地从历史的声响库中提取元素，进行挪用、戏仿或致敬，以表达对全球化单一文化标准的抵抗，或在多元文化身份中寻找新的连接点。音乐不再是单纯的文化遗产，而是主动参与身份建构的“行动者”。 结语：倾听未来的回响 《人类文明的律动》最终的关怀在于，在一个声音无处不在、信息爆炸的时代，我们如何重新学习“聆听”。它鼓励读者超越对“动听”与“难听”的简单判断，深入理解每一种声音模式背后所蕴含的历史重量、社会契约和人类对意义的不懈追寻。本书提供的是一个宏观的、基于文化人类学视角的全球声音地图，引导读者以更广阔的视野去感知和评价人类文明交织而成的复杂旋律。

评分☆☆☆☆☆

这本书的主题是世界范围内的打击乐器及其在仪式中的社会功能，内容包罗万象，视角非常独特。作者采用了民族志的田野调查方法，对非洲的木制马林巴琴、印尼的甘美兰Gamelan、以及南美的打击乐合奏团进行了长期的跟踪记录。书中描述的不仅仅是音高和节奏，更是乐器如何被视为社群的象征、如何参与到生命周期庆典、宗教驱邪或政治宣言中去。例如，书中对加纳阿散蒂（Ashanti）王室鼓乐中，特定节奏模式所代表的族谱和历史事件的解码过程，读来令人叹为观止，那节奏本身就是一种口述历史。文字描述极具画面感，让习惯了西方记谱法的读者，得以窥见非线性、多层次复节奏的魅力。唯一的不足是，由于涉及地域和乐器种类过于繁多，某些乐器的具体制作工艺和细微的音色差异，在纯文字描述下显得有些抽象，如果能配上更多高清的音色采样或制作图示，效果会更佳，但即便如此，它也为我们提供了一个理解“节奏即文化”的绝佳窗口。

评分☆☆☆☆☆

这是一本音乐史的著作，侧重于西方古典音乐的发展脉络，从古希腊的音乐理论萌芽，到巴洛克时期的复调技巧的成熟，再到浪漫主义时期个体情感的极致表达，以及二十世纪现代主义音乐的流变。作者的笔触细腻而富有洞察力，他不仅仅罗列了作曲家的生平和作品，更深入剖析了特定历史背景和社会思潮如何塑造了音乐的形态与内涵。例如，书中对贝多芬晚期作品中，那种挣脱传统束缚、直面内心冲突的描写，就显得尤为精彩。文字的组织逻辑严密，使得即便是对音乐史不太熟悉的读者，也能跟随作者的思路，清晰地构建起西方音乐艺术发展的时间轴和风格演变图景。特别是关于对“奏鸣曲式”结构解析的部分，作者运用了大量的图表和简洁明了的语言，将原本复杂晦涩的音乐结构知识变得易于理解，这对于音乐专业学生来说，无疑是一份宝贵的参考资料。然而，内容过于聚焦于欧洲大陆的精英文化，对于其他地域音乐传统的探讨则显得相对薄弱，或许这也是其深度聚焦策略的必然取舍吧。

评分☆☆☆☆☆

这份关于中世纪宗教音乐及其礼仪背景的学术论文集，给我带来了极大的心灵触动。它不像许多音乐史书籍那样将圣咏视为一个孤立的音乐现象，而是将其置于整个基督教礼仪生活的宏大框架下进行考察。书中对格里高利圣咏的起源、不同地区圣咏传统的差异性（如罗马调式与加洛林调式的对比）进行了细致入微的考证。我特别喜欢其中一篇探讨“素歌”（Plainchant）中“旋律与文本关系”的文章，作者指出，旋律的起伏并非随意的音高变化，而是对拉丁文词句重音和语义的精确反映，这让原本听起来单调重复的音乐瞬间变得富有生命力和叙事性。书中对莫扎比克（Mozarabic）礼仪音乐这种近乎失传的独特传统的挖掘与重现，更展现了作者深厚的史料功底。阅读过程中，我常常需要停下来，试图在脑海中还原那种空旷、肃穆的大教堂环境中，单一的、纯净的人声是如何回荡、如何引导信徒进入冥想状态的场景，那种体验是极具沉浸感的。

评分☆☆☆☆☆

我最近在读的这本关于20世纪实验电子音乐的专著，简直是为那些对声音的极限探索抱有好奇心的发烧友量身定制的。它花了大量篇幅来追溯从皮埃尔·谢弗的具象音乐到斯托克豪森的序列主义，再到后来的合成器浪潮和数字采样技术的发展历程。书中详细介绍了Musique Concrète（具体音乐）中材料的获取、处理与重组过程，那些关于磁带剪辑、变速、反转的技法描述，读起来仿佛身临其境，能感受到早期声音工程师的创造性。作者对技术细节的把握非常精准，书中穿插的那些关于早期模块合成器电路原理的简要介绍，虽然略显硬核，但对于理解特定音色是如何被“制造”出来的至关重要。更令人印象深刻的是，作者对“噪音”在音乐本体论中的地位转变的哲学反思，将技术讨论提升到了艺术哲学的层面。不过，由于其主题的先锋性，对于不熟悉电子工程背景的听众来说，某些章节的阅读门槛稍高，需要集中精力去消化那些充满术语的描述。

评分☆☆☆☆☆

我手头这本专门研究爵士乐即兴演奏理论的教材，简直是为每一个想从“听众”跨越到“实践者”的乐手准备的“武功秘籍”。它系统地梳理了从蓝调音阶到复杂的比波普（Bebop）和后波普和声语言的演变路径。作者没有满足于罗列和弦进行，而是深入探讨了即兴者如何在大师如查理·帕克或迈尔斯·戴维斯的作品中构建“动机”和“对话”。书中对“替代属和弦”（Tritone Substitution）和“降五度链式进行”的讲解极为清晰，配上了大量可供演奏的示例片段，极大地降低了学习高级和声概念的难度。更值得称赞的是，作者强调了文化背景对即兴思维的影响，比如芝加哥蓝调对早期爵士乐即兴语言的“土地感”塑造。唯一的小遗憾或许是，对于当代融合爵士或实验爵士的即兴技巧讨论略显简略，但就其对传统爵士语法的梳理而言，已属精品中的精品。