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人民音乐出版社... 编

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• 五线谱
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• 基础
• 音乐

店铺： 火把图书专营店

出版社： 人民音乐

ISBN：9787103031308

商品编码：29490129975

开本：16

出版时间：2006-01-01

基本信息

• 商品名称：五线谱本(开心开心)
• 作者：编者:人民音乐出版社
• 定价：6
• 出版社：人民音乐
• ISBN号：9787103031308

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2006-01-01
• 印刷时间：2017-04-01
• 版次：1
• 印次：12
• 开本：16开
• 包装：平装
• 页数：32

内容提要

人民音乐出版社编著的《五线谱本：开心开心》 是一本五线谱本，学习者利用它可以练习作曲。
    

作者简介

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目录

正文

《乐之序章：和声的构建与演变》 一部深入探索西方音乐理论核心的学术专著，旨在为严肃音乐学习者、作曲家及音乐史研究者提供一套系统、严谨的理论框架和实践指导。 第一部分：基础音高与节奏的精确计量 本书的第一部分致力于夯实音乐学习的基石，对西方十二平均律体系下的音高组织与时值划分进行了详尽的阐述。 一、音高与调性系统： 我们从物理声学角度出发，探讨了音高的产生机制，详细解析了纯律、毕达哥拉斯音律与十二平均律的数学差异及其在历史演进中的地位。重点阐述了十二平均律的合理性与局限性，并辅以大量实例展示如何利用音程关系构建调式。 音程的精确计算与听辨训练： 区分大小二度、纯增减五度等复杂音程的听觉特征，提供了一套基于心理声学的听辨练习方法。 大小调的结构解析： 深入剖析大调的“明亮”感与小调的“忧郁”感的内在声学原因，探讨了自然音阶、和声小调与旋律小调在功能上的细微差别。 二、节奏与节拍的结构分析： 节奏是音乐的脉搏，本章着重于对时间维度的精确控制与感知。我们超越了简单的拍号标识，探究了复节奏、切分音、附点音符等复杂时值组合对乐句流动的微妙影响。 节拍的层次性： 探讨了拍子的强弱关系（重音、次重音、弱拍）如何塑造出不同风格的律动感，例如三拍子的圆润与四拍子的稳定。 复节奏与多重对位： 针对巴洛克时期及二十世纪音乐中常见的复节奏现象，提供了多声部节奏交织的分析方法，例如如何清晰地区分三对四（3:4）的对位关系。 第二部分：和声学的逻辑与功能性 本书的核心章节集中于和声的生成逻辑与功能性演变，从三和弦的构建到复杂引申和弦的应用，构建了一套完整的和声分析体系。 一、三和弦与基础功能和声： 我们详细解析了大小三和弦、增减三和弦的音响特性，并系统介绍了功能和声学的基本概念——主、属、下属功能。 转位和弦的音响变化： 强调了低音的选择对和弦整体色彩的影响，例如第一转位（六和弦）的柔和性与第二转位（四六和弦）的紧张性。 和弦连接的导向性： 深入讲解了导向音（Leading Tone）在解决到主音时的不可抗拒性，这是古典和声体系稳定性的关键。 二、七和弦的色彩深化与延伸： 七和弦的引入极大地丰富了音乐的表现力。本章着重分析了属七和弦的导向功能以及其解决方式的规范。 非功能性七和弦的探讨： 考察了副属七和弦（Secondary Dominants）在调性色彩转换中的作用，以及如何利用它们增加乐段的色彩对比。 减七和弦的模糊性与应用： 深入剖析了减七和弦的对称结构，解释了它在模进（Modulation）过程中作为“万能钥匙”的潜力。 三、和声的拓展与半音进行： 进入十九世纪浪漫主义的语境，和声的色彩和复杂性显著增加。 扩大和声语汇： 详尽介绍了九和弦、十一和弦、十三和弦的结构与解决方式，尤其关注三音或七音的延伸对音响密度的影响。 半音和声与非功能性连接： 分析了挪威六和弦（Augmented Sixth Chords）——意大利式、德国式、法国式——在连接远关系调性时的强大功能，并探讨了魏尔的“和弦的垂直化”趋势。 第三部分：复调音乐的对位技法 本部分回归到音乐的“结构工程”，系统梳理了西方音乐史上最重要的织体技术——对位法。 一、巴赫风格的严格对位法： 我们采用“物部（Species）对位法”作为核心教学框架，旨在训练学习者在既定规则下进行声部独立写作的能力。 各部对位的逐级训练： 从第一部对位（音对音）到第五部对位（自由对位）的每一步骤，都配有严格的解决范例，强调声部进行中的平行禁忌与优选进行。 卡农与赋格的基础结构： 详细解析了卡农的模仿规律，并引入赋格的呈示部、展开部、再现部的标准结构分析，重点在于主体（Subject）与应答（Answer）之间的关系处理。 二、自由对位与织体变化： 超越严格的物部限制，本章探讨了更具流动性的复调处理方式。 旋律的模仿与移位： 探讨了旋律在不同声部、不同音区之间的模仿技法，以及如何通过音域的跨越来保持织体的清晰度。 织体密度的控制： 教授如何通过增减声部数量、改变和弦的根音位置以及引入经过音、邻音等非和弦音，来动态控制音乐的张力与松弛感。 第四部分：曲式结构与音乐形式分析 理论的最终目标是理解与创造宏大的音乐结构。本部分聚焦于如何组织音符、和声、旋律以形成具有逻辑性的“音乐建筑”。 一、小型曲式结构： 这是对音乐片段进行分析的基础工具。 二部曲式与三部曲式（ABA）： 详细界定了各部分的材料特征、终止方式以及中段的调性色彩变化，例如三部曲式中段的“对比性发展”的几种常见模式。 主题与变奏： 分析了变奏曲中常见的技术，如和声变奏、节奏变奏、对位变奏等，并结合巴赫《哥德堡变奏曲》进行实例剖析。 二、大型奏鸣曲式与回旋曲式： 奏鸣曲式是古典乐派乃至整个器乐发展的主干。 呈示部、展开部、再现部的功能性： 强调了呈示部中“主部与副部的对比与统一”、展开部中“材料的破碎与离调”、再现部中“主调的回归与解决”这三大核心功能。 扩展的奏鸣曲式： 探讨了在贝多芬之后，作曲家如何通过增加“引子”与“尾声”来拓展曲式框架，以及如何处理更复杂的副部结构。 三、其他重要器乐形式： 简要介绍了协奏曲、交响曲、室内乐（如弦乐四重奏）在曲式层面的特殊要求与惯例，特别是对比乐团与独奏乐器之间的张力构建。 总结： 《乐之序章：和声的构建与演变》力求在保持学术深度的同时，提供清晰、可操作的分析路径，帮助读者建立起一套完整、自洽的西方音乐思维体系，是音乐专业人士案头必备的参考书。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计真是太有心思了，封面那种微微泛着哑光质感的纸张，拿在手里沉甸甸的，给人一种非常扎实可靠的感觉。特别是那个“开心开心”的副标题，用了一种跳跃感很强的字体，颜色搭配得也特别亮眼，让人一眼看上去心情就跟着明亮起来。我原本以为这可能是一本普通的练习册或者乐谱集，但翻开内页后，才发现设计团队在细节上确实下了不少功夫。纸张的白度控制得非常好，既不会刺眼，又能很好地衬托出墨水的颜色，即使用普通的铅笔书写，线条的清晰度也很高。装订处的工艺也值得称赞，完全可以做到平摊打开，这对于需要经常在乐谱上做标记或者反复翻阅的人来说，简直是福音。我特别喜欢它对页边距的处理，留白恰到好处，既保证了书写空间，又不会让整体感觉显得拥挤，反而多了一份呼吸感。感觉这本书的设计理念，已经超越了单纯的“工具书”范畴，更像是一件精心打磨的艺术品，让人在使用时都带着一份敬畏和愉悦。即便是那些对乐谱本身不甚感兴趣的人，光是欣赏这本“本子”的构造和质感，也绝对是一种享受。这种对物质载体的重视，体现了出版方对用户体验的深度考量，让人对内页的内容也自然而然地充满了期待。

评分☆☆☆☆☆

真正让我爱不释手的是它带来的那种“情绪价值”。你知道的，学习音乐或者进行创作往往伴随着挫败感和自我怀疑，那种时候，拿起一本严肃的乐谱本，可能只会加重心理压力。但是《五线谱本(开心开心)》这个名字和它整体散发出的那种轻松愉快的氛围，像是一剂柔和的镇静剂。每当我在上面奋笔疾书，看到那些黑色的音符跳跃在白纸上时，都会不自觉地嘴角上扬。它成功地将“严肃的记录”与“纯粹的快乐”结合在了一起。我甚至发现，当我使用它时，我的思维似乎也变得更加开放和不拘一格，可能是一些不那么“规矩”的和声或节奏，也敢于大胆地写上去尝试。这种鼓励创造、减少压力的设计理念，是这本书最成功的地方。它让记录音乐这件事，回归到了最本真的状态：那是一种发自内心的，关于声音和美妙的表达欲。我向身边几位也需要用到五线谱的朋友推荐了它，得到的反馈无一例外都是赞赏，他们都觉得这本子有一种让人忍不住想去书写创作的魔力。

评分☆☆☆☆☆

初次拿到手的时候，我就被它那独特的“开本”大小给吸引住了。市面上大部分的五线谱本要么太大，要么太小，很不方便携带，尤其是在进行户外采风或者临时在咖啡馆记录灵感时。但这本《五线谱本(开心开心)》的尺寸拿捏得非常精准，刚好能塞进我常用的斜挎包里，既保证了足够宽敞的记录区域，又不会因为过大而显得笨重。这种对便携性和功能性的完美融合，简直是为现代音乐人量身定做的。而且，它的重量控制得也很好，即便是全部写满，也不会重到让人产生负担。我在想，这背后一定经过了多次打样和微调。另外，我注意到它在设计中似乎还考虑到了不同光照条件下的使用需求。无论是在明亮的日光下还是在昏暗的排练室里，五线谱的线条都清晰可见，这一点对于长时间对着乐谱工作的人来说，是极大的福音，能够有效减轻视觉疲劳。这种对使用场景的深度洞察，是很多粗制滥造的产品所不具备的。

评分☆☆☆☆☆

我是在一次偶然的机会下接触到这本“本子”的，当时只是想找一本可以随便涂画的本子，没想到这本《五线谱本(开心开心)》完全超出了我的预期。它的实用性毋庸置疑，对于任何需要记录音符或者进行音乐创作的人来说，它都是一个绝佳的载体。我尤其欣赏它在设计上的克制与活力之间的平衡。虽然主题是严肃的音乐记录，但“开心开心”的口号又注入了一股轻松活泼的元素，使得我在使用它时，不会感到那种传统乐谱本带来的沉闷感。当我把自己的旋律草稿写在上面时，那些原本可能因为枯燥而被打断的灵感，似乎因为这本本子独特的气质而得到了滋养和延续。我试着用钢笔、中性笔，甚至炭精笔在上面写过，墨迹的洇开程度控制得极好，没有出现任何渗墨现象，这对于追求书写体验的人来说至关重要。它给我的感觉是，它不仅仅是一个记录工具，更像是一个无声的伙伴，默默地陪伴着创作者度过那些充满灵感的时刻。这种“陪伴感”是很微妙的，但却是衡量一本好本子是否能成为“惯用品”的关键。

评分☆☆☆☆☆

这本书的内在结构逻辑，展现出一种出乎意料的严谨性。虽然我们说它是“本子”，但它在页码的编排和线格的规范性上，体现了极高的专业水准。每一页的线格都横平竖直，间距精确到毫米，这对于要求精准记录音高的演奏者来说，是基础也是要求。更让我惊喜的是，它在某些特定页面，似乎预留了专门的区域用于标记曲名、调性、速度记号等信息，这种细节的设计，让原本可能杂乱无章的草稿，变得井井有条，极大地提高了后续整理和回顾的效率。我试着用它来记录一些复杂的复调音乐片段，以往总会因为空间不足而感到局促，但在这本本子上，我发现记录的流畅度明显提高了。这种流畅感，不仅仅是物理空间上的宽裕，更来自于心理上的“掌控感”——你知道你记录的一切都在一个井然有序的框架内。这种对“秩序美”的追求，使得学习和创作的过程本身，都变成了一种享受，而不是负担。