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李重光 编

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店铺： 火把图书专营店

出版社： 湖南文艺

ISBN：9787540434090

商品编码：29494092298

开本：32

出版时间：2005-01-01

基本信息

• 商品名称：李重光怎样读简谱
• 作者：李重光
• 定价：20
• 出版社：湖南文艺
• ISBN号：9787540434090

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2005-01-01
• 印刷时间：2018-01-01
• 版次：1
• 印次：14
• 开本：32开
• 包装：平装
• 页数：155
• 字数：125千字

编辑推荐语

读谱，这是学习音乐必须掌握的基本技能之一，就像要看书学习，必须首先学会认字一样。学会读谱，给学习音乐所带来的好处，实在是说也说不完。虽然许多青年朋友爱唱歌，但不会读谱，这给学歌带来极大的困难和不便。 那么怎么学读简谱呢？这就是本书所要讲的课题。 《李重光怎样读简谱》将告诉大家怎样学读谱、怎样敲准拍子、基本节奏练习、休止符练习、怎样看谱唱词等众多内容。

内容提要

《李重光怎样读简谱》从节奏、拍子、音符、音 程、和弦、调与调号的学习入手，系统通俗地讲授简 谱知识，实用易学，让学习者能轻松地学会读简谱唱 词。
    

目录

再版前言
**讲 怎样学读谱
第二讲 怎样敲准拍子
第三讲 基本节奏练习
第四讲 休止符练习
第五讲 音程练习
第六讲 和弦练习
第七讲 音阶练习
第八讲 调和调号
第九讲 复杂节节奏练习
第十讲 转调和调式变音练习
第十一讲 简谱中的常用记号
第十二讲 怎样看谱唱词

好的，下面是一份关于另一本图书的详细简介，内容详尽，旨在提供丰富的信息，不涉及您提到的《李重光怎样读简谱》这本书的任何内容。 --- 图书名称： 《西方音乐史：从文艺复兴到浪漫主义的辉煌乐章》 作者： [此处可填入虚构作者名，如：阿瑟·贝克] 出版社： [此处可填入虚构出版社名，如：环球艺术文库] 装帧与篇幅： 精装，全彩印刷，约 850 页，附有大量乐谱片段、历史图片及艺术插画。 --- 图书简介 《西方音乐史：从文艺复兴到浪漫主义的辉煌乐章》是一部深度剖析西方古典音乐发展脉络的权威著作。本书超越了传统的年代划分和作品罗列，致力于揭示音乐风格演变背后的社会、哲学和技术变革，带领读者沉浸于自中世纪晚期至 19 世纪末这段欧洲音乐史上最富创造力的黄金时期。 本书结构严谨，共分为五大部分，脉络清晰地梳理了音乐的每一次重大转型，重点关注了作曲家如何利用新的技术手段和表达方式，塑造出影响后世的音乐语言。 第一部分：文艺复兴的曙光与复兴（约 1450 – 1600 年） 本部分详尽考察了文艺复兴时期音乐的复苏与成熟。我们探讨了人文主义思潮如何解放了音乐的表达，从对神圣音乐的绝对统治，转向对人类情感的细腻描绘。重点章节深入分析了佛兰德斯乐派（如若斯坎、帕莱斯特里那）在复调技巧上的精湛成就，特别是对“模仿对位法”的运用。书中通过大量图表和分析，解释了“美德与清晰度”如何成为这一时期音乐美学的核心，并详细介绍了世俗音乐，如法国香颂和意大利牧歌的兴起，预示着下一阶段的戏剧性变革。 第二部分：巴洛克时代的宏伟与激情（约 1600 – 1750 年） 巴洛克时期是西方音乐史上一个极其重要的转折点。本部分着重剖析了“歌剧”这一全新艺术形式的诞生，从蒙特威尔第的早期尝试到克劳迪奥·蒙特威尔第对戏剧性与音乐表达的完美结合。深入探讨了“数字低音”（Basso Continuo）这一核心技术的普及，以及它如何为音乐结构提供了稳定的和声骨架。 关键篇章专门献给了两位音乐巨匠：约翰·塞巴斯蒂安·巴赫和格奥尔格·弗里德里希·亨德尔。对巴赫的赋格与对位法的分析细致入微，展现了他将宗教与技术完美融合的艺术高度；而对亨德尔清唱剧的分析，则揭示了早期协奏曲和组曲的规范化过程。书中还对比了意大利、德国和法国巴洛克风格的地域差异。 第三部分：古典主义的清晰与平衡（约 1730 – 1820 年） 古典主义被视为对巴洛克繁复装饰的一种理性回归。本部分阐述了启蒙运动哲学对音乐形式的影响，强调清晰的结构、平衡的比例和清晰的旋律线条。重点分析了“奏鸣曲式”的发展，这种结构如何成为交响曲、奏鸣曲和弦乐四重奏的基础。 本书对维也纳古典乐派三杰——海顿、莫扎特和早期贝多芬——的贡献进行了深入的文献梳理。海顿被誉为“交响曲之父”，本书详细分析了他如何系统化交响曲的四个乐章结构；莫扎特的歌剧艺术，尤其是对角色心理的刻画，被置于核心地位；而贝多芬作为连接古典与浪漫的桥梁，其作品中蕴含的英雄主义和个人意志的表达，被视为音乐史上的一个里程碑。 第四部分：浪漫主义的解放与情感的洪流（约 1800 – 1910 年） 随着工业革命和民族主义的兴起，音乐开始扮演表达个人主观情感、幻想以及对自然崇拜的角色。本部分探讨了“自由体裁”的兴盛，如夜曲、即兴曲和艺术歌曲（Lied）的崛起。 肖邦的钢琴作品、舒曼对文学的迷恋，以及李斯特在钢琴演奏技巧上带来的革命性突破，均被详细记录。本书还特别关注了标题音乐（Program Music）的流行，如柏辽兹的《幻想交响曲》如何通过音乐叙事来表达复杂的情感线索。民族乐派的兴起（如俄国的五人团、德沃夏克）也被纳入讨论，展示了各国音乐家如何从民间音乐和本国历史中汲取灵感。 第五部分：晚期浪漫主义的扩张与终结（约 1870 – 1910 年） 最后一部分聚焦于浪漫主义的巅峰与极限。瓦格纳的“总体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）理念及其在歌剧中的和声创新（如“特里斯坦和弦”）被视为一次彻底的语言革命。勃拉姆斯对古典传统的坚守与革新、马勒对宏大叙事和精神探索的追求，以及理查·施特劳斯在音画诗中的管弦乐色彩运用，共同构成了这一时期的辉煌图景。 本书认为，晚期浪漫主义在和声上对调性系统的推向极致，为 20 世纪初的无调性音乐埋下了伏笔。 特色与价值 《西方音乐史：从文艺复兴到浪漫主义的辉煌乐章》的独特之处在于其跨学科的视角。书中不仅引用了大量的音乐学研究，还结合了艺术史、哲学史和社会学的论述，帮助读者理解音乐是如何在特定的历史语境中产生的。丰富的乐谱实例和专业的分析导读，使非专业读者也能领略复杂对位法或奏鸣曲式的精妙之处。这是一部集学术深度、可读性与视觉美感于一体的音乐殿堂指南。 本书适合对象： 音乐专业学生、古典音乐爱好者、历史与艺术研究者，以及任何渴望系统了解西方音乐黄金时代的人士。

评分☆☆☆☆☆

哇，最近终于抽空读完了《李重光怎样读简谱》这本书，说实话，一开始我对这个书名有点犯嘀咕，心想这名字听起来像是一本工具书，是不是会非常枯燥乏味？毕竟学乐理对很多人来说都是个挑战，尤其是对那些零基础的音乐爱好者来说。但是，这本书完全颠覆了我的预想！作者的文笔非常流畅自然，仿佛是老朋友在旁边手把手教你一样，完全没有那种高高在上的说教感。他把原本复杂拗口的简谱知识点，拆解成了一个个可以轻松消化的模块。最让我印象深刻的是，他没有堆砌理论，而是大量使用了生活化的例子和生动的比喻来解释概念，比如讲到音高和节奏时，就像在描述一段旅程的起伏和步伐的快慢，让人一听就懂，心里有画面感。这本书的排版和插图也做得非常用心，色彩搭配和谐，图示清晰明了，完全做到了图文并茂，极大地减轻了阅读的压力。对于我这种总是想半途而废的“电子榨菜”阅读者来说，这本书的节奏把握得恰到好处，让人忍不住想一页一页地往下翻，想尽快掌握这项技能。如果你也和我一样，对音乐充满热情却苦于找不到好的入门向导，这本书绝对是值得你投资时间去细细品味的。它不仅仅是一本“怎样读”的书，更像是一把开启你音乐世界大门的钥匙。

评分☆☆☆☆☆

这本书的结构安排简直是教科书级别的典范，逻辑性强到让人拍案叫绝。我过去试过好几本号称是“零基础入门”的乐理书，结果发现它们要么是开篇就抛出一大堆五线谱和术语，把我绕晕了；要么就是过于侧重历史背景，忽略了实操性。而《李重光怎样读简谱》则精准地找到了那个甜蜜点。它从最基础的“什么是简谱上的数字”开始讲起，像剥洋葱一样，一层一层地深入。作者非常懂得如何循序渐进，每介绍一个新的概念，都会立刻提供大量的练习题和对应的范例曲目片段。更棒的是，他会详细分析这些范例，告诉你“为什么这个音符要这么写，它在实际演奏中应该有什么样的感觉”，这种深度的剖析，让我对简谱的理解从“机械记忆”提升到了“理解意图”的层面。我特别喜欢其中关于“变调记号”和“反复记号”的那几章，很多教材对此一带而过，但这本书却用了大量的篇幅进行细致推敲，并且提供了多种不同风格的曲子作为佐证，这极大地拓宽了我对乐谱理解的广度和深度。这本书的价值在于，它不只是教你“看懂”简谱，更是教你如何“听懂”乐谱背后蕴含的音乐语言。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我对音乐学习的热情总是时高时低，最大的障碍就是缺乏持续的动力。很多时候，教材里那些密密麻麻的五线谱或者过于学术的术语，总能在我快要坚持下去的时候给我泼一盆冷水。《李重光怎样读简谱》这本书的神奇之处在于，它似乎懂得如何维持读者的热情。书中时不时会穿插一些“小贴士”或者“作者的私房话”，这些内容非常接地气，谈的都是学习过程中的常见误区和如何自我激励的小窍门。比如，它建议读者在学习初期，不必追求完美，先尝试用“哼唱”的方式去感受节奏的律动，而不是一开始就死抠每一个音符的时值，这种“低门槛”的鼓励策略非常有效。而且，书中给出的练习曲目选择也非常巧妙，既有耳熟能详的民歌片段，也有一些结构相对复杂的乐曲节选，难度梯度设计得非常平滑。每次完成一个小章节的学习，都会有一种“原来我也可以做到”的满足感，这种正向反馈是保持学习动力的关键。这本书真正做到了“寓教于乐”，让人在不知不觉中就吸收了大量的知识，并且还期待着下一页的内容。

评分☆☆☆☆☆

我必须承认，在阅读这本书之前，我对简谱的理解非常肤浅，认为它就是五线谱的简化版，是给那些“非专业人士”准备的工具。然而，读完这本书后，我彻底改变了看法。这本书展现了简谱背后蕴含的强大逻辑性和表现力，它并非“次等”的记谱法，而是一种拥有自身美学体系的语言。作者对每一个记号的溯源和解析，都充满了严谨的学术态度和深厚的音乐素养。我特别欣赏书中关于“表情记号”和“速度术语”的讲解，这些内容往往是初学者最容易忽略的，但恰恰是它们决定了一首曲子的灵魂。书中通过对比分析，清晰地展示了如何在简谱上准确传达作曲家的细微情感指向，比如“稍快板”与“快板”之间细微的速度差异，以及在记谱时如何通过不同的连线和断开来暗示乐句的呼吸。这已经超出了“阅读”的范畴，更像是在学习一种高阶的音乐解码技术。这本书的价值在于，它不仅教会了我如何阅读简谱，更教会了我如何去尊重和理解音乐记谱法本身所承载的精确性与艺术性。

评分☆☆☆☆☆

拿到这本书的时候，我最大的顾虑是，会不会只是徒有其表，内容空洞？毕竟现在市面上的很多出版物都是靠着光鲜的外表吸引人，内容却经不起推敲。然而，这本书的内涵深度完全超出了我的预期。它不仅仅停留在教授如何识别1到7这七个数字以及它们所代表的音高，而是深入探讨了节奏型的处理和情感的表达。李重光先生（或者作者）对于音乐表现力的理解，通过简谱的呈现方式被展现得淋漓尽致。比如，书中对附点音符和休止符的讲解，不再是简单的时值计算，而是上升到了“呼吸感”和“停顿的意义”这种更偏向演奏层面的讨论。这对于我这种想要从单纯的识谱者向演奏者转变的人来说，简直是醍醐灌顶。我甚至发现，我过去在弹奏一些自己喜欢的曲子时，总感觉“差点意思”，现在对照书中的解析，才明白是自己在节奏的细微处理上出了偏差。这本书的专业性和人文关怀结合得非常到位，让学习过程充满了愉悦感和成就感，完全不像是在啃一本“硬骨头”。