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王炜作 著

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店铺： 炫丽之舞图书专营店

出版社： 上海人民美术出版社

ISBN：9787532288908

商品编码：30120058178

包装：平装

出版时间：2014-04-01

基本信息

书名：一堂不一样的插画课

定价：48.00元

作者：王炜作

出版社：上海人民美术出版社

出版日期：2014-04-01

ISBN：9787532288908

字数：

页码：

版次：1

装帧：平装

开本：大16开

商品重量：0.4kg

编辑推荐

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内容提要

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《一堂不一样的插画课》分成三大部分，章视觉日记，第二章是如何画好一幅插画，第三章是做一个插画家。视觉日记讲述的是如何养成画插画的习惯以及一些插画的基本技巧，第二部分是如何创作一幅插画，第三部分主要讲的是如何根据文学作品来完成插画。在这些内容中还穿插了很多额外的知识，比如“资料库”、“插画名家”等，非常实用。

目录

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作者介绍

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文摘

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序言

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图书简介：迷失在时间尽头的古籍修复师 书名：迷失在时间尽头的古籍修复师 作者： （此处留空，表示作者的神秘感或待定） 出版社： （此处留空，暗示其内容的独特性和非传统出版路径） --- 引言：尘封的密码与指尖的温度 在这部厚重的历史沉思录中，我们将暂时放下对色彩和线条的喧闹追逐，潜入一个由羊皮纸的微弱酸味和墨汁的陈旧芬芳构筑的世界。这不是一本关于如何握笔或调色的教程，而是一部深入古籍修复艺术的深度编年史与哲学探讨。 《迷失在时间尽头的古籍修复师》试图回答一个核心问题：当一本书的物理形态濒临瓦解，我们是在“修复”它，还是在扮演时间的“修正者”？ 本书围绕着一位隐匿于苏格兰高地深处、拥有百年修复技艺的家族传人——伊莱亚斯·凡德尔展开。他并非传统的学者，而是一个沉浸于“物质记忆”的匠人。他的工作室，是一座时间停滞的避难所，里面堆满了来自拜占庭图书馆的残篇、中世纪修道院的羊皮卷，以及被战火烧灼的早期印刷品。 第一章：羊皮纸的低语——材料的生命周期 本书的第一部分，着重于对“载体”本身的敬畏。我们不再将纸张视为被动的信息容器，而是将其视为有生命的有机体。 植物纤维的抗争： 详细剖析了不同时代造纸工艺的地理差异，从中国唐代的麻纸到欧洲文艺复兴时期的棉纸。重点在于探讨酸性腐蚀（即“纸的自噬”）的化学过程，这不是冷冰冰的科学报告，而是对材料衰亡过程的文学化描述。 皮革与丝绸的韧性： 对于羊皮纸（Vellum）和牛皮纸（Parchment）的处理，需要极其精密的湿度控制。书中会详尽描述伊莱亚斯如何通过“吸湿渗透法”来缓解因干燥引起的卷曲和裂纹，并解释为何某些古老装订的线迹比现代的胶水更加持久。 墨的哲学： 铁胆墨、椴木灰墨、以及稀有的埃及碳黑墨。每一滴墨水都承载着其时代的金属元素和植物提取物。书中会穿插讲述修复师如何通过比对残留的铁离子浓度，来判断墨水对纤维的腐蚀程度，从而决定下一步的加固方案。 第二章：结构重塑——看不见的支撑 修复不是简单地将碎片粘合，而是重建一种平衡。伊莱亚斯的工作哲学是：“你所添加的，必须永远低于原物的存在感。” 装订的语言： 深入解读了不同历史时期的装订技术——从哥特式的铜扣装饰到文艺复兴时期流行的“盲压”技术。书中会配有大量细致的线稿图，描绘了如何精确地解构和重建书脊的支撑结构，特别是针对那些经历过多次暴力翻阅的典籍。 补洞的艺术——“同质化失踪”： 修复破损是最大的挑战。本书将详细介绍“补洞”技术，但这并非简单的贴补。伊莱亚斯采用的是一种极为耗时的“纸浆重建法”：他收集与原书材质相近的古籍残页（通常是无法辨识的废弃文书），将其浸泡、打浆，然后使用特制的筛网，以接近原书纤维的走向和密度，手工“编织”出缺失的部分。这种修复追求的不是“完美无瑕”，而是“自然过渡”。 脆弱的页面与脱酸处理： 探讨了如何使用非水性或超临界流体技术对整本书进行脱酸处理，以减缓其继续老化的速度。这部分内容侧重于技术的伦理考量：在延长其寿命的同时，如何不破坏其历史留下的“包浆”和氧化痕迹。 第三章：图文共生的挑战——插图与手稿的秘密 虽然本书的主旨聚焦于书籍的物理形态，但对于包含插图和手绘文字的古籍，修复工作面临着双重挑战。 颜料的附着力危机： 中世纪的手抄本中常使用蛋胶或鱼胶作为粘合剂来固定矿物颜料（如群青、朱砂）。随着时间的推移，这些粘合剂会变脆、粉化。书中将描述伊莱亚斯如何使用极低浓度的动物胶溶液，通过微滴注射的方式，重新“唤醒”颜料与纸张的结合。 微观世界中的污染： 探讨了由真菌、霉菌和昆虫（如蠹虫）对插图造成的破坏。修复师必须在清除生物污染的同时，确保不会对手稿上微小的金属箔装饰（如金箔或银箔）造成腐蚀。 文字的辨识与保留： 在某些极其脆弱的页面上，需要进行“拓印”或“真空吸附”技术来保护文字不被修复过程中的湿气或压力破坏。本书将通过一个虚构的案例——修复一本十七世纪关于星象学的图谱，来展示如何在保留其手写体线条的“颤抖感”与确保其内容可读性之间找到临界点。 第四章：时间之外的对话——修复师的自我修养 《迷失在时间尽头的古籍修复师》的最终部分，是一场关于“时间观”的探讨。 伊莱亚斯的工作需要极度的耐心和哲学上的超然。他必须学会与那些已经逝去的抄写员、插画师和读者进行无声的对话。 工具的传承： 书中会介绍伊莱亚斯所使用的传统工具——从自己手工打磨的骨刀，到用于支撑微小操作的特制放大镜。这些工具本身就是历史的载体，它们的声音、触感和重量，都是修复工作不可或缺的一部分。 “等待”的力量： 修复工作常常需要数月乃至数年的“等待期”，让胶水自然固化，让纸张在新湿度中稳定下来。这种强制的慢节奏，是对现代生活速度的有力反驳。 伦理的边界： 何时应该停止干预？当一本书的残缺本身已经成为它历史的一部分时，修复的意义何在？书中以一种近乎冥想的方式，探讨了修复师在面对不可逆转的衰败时所承受的道德重量。 结语：物质的永恒与信息的流动 本书最终呈现的，并非一本操作手册，而是一部关于“保存”的史诗。它邀请读者进入一个安静、专注的世界，感受古老智慧如何通过脆弱的物质载体，穿越漫长的时间洪流，最终触碰到我们的指尖。它探讨的是，在数字信息泛滥的时代，实体书页所承载的，那种无法被代码替代的、带着温度和重量的“存在感”。 --- 本书适合： 历史文献爱好者、古籍研究人员、材料科学的思考者，以及所有对“慢工出细活”的极致追求抱有敬意的人士。它揭示了，在每一个被修复的卷轴背后，都隐藏着一个关于耐心、尊重和对逝去文明的深切致敬的故事。

评分☆☆☆☆☆

我拿到《一堂不一样的插画课》这本书的时候，原本以为会看到一些教授具体绘画技巧的书籍，毕竟“插画课”这个名字很容易让人产生这样的联想。但翻开之后，我才发现它的独特之处。它并没有教你如何握笔、如何调色，而是从更深层次，去引导你理解“为什么”要画，以及“如何”去看待事物。 书中有一些章节，是关于“情绪与色彩”的连接。作者用非常生动的语言，解释了不同颜色所能唤起的情感。比如，为什么红色会让人联想到热情和危险，而蓝色又会带来平静和忧郁。它不是简单地列举颜色属性，而是通过分析大量不同风格的插画作品，让我们直观地感受到色彩在营造氛围中的强大力量。这让我以后在选择色彩时，会更加有意识地去考虑它所能传达的情感信息。 另一部分内容，着重于“故事的叙事性”。作者强调，好的插画不仅仅是静态的画面，它应该能够讲述一个故事，触动观者的内心。书中举例了一些能够引起强烈共鸣的作品，分析了它们是如何通过构图、细节和留白，来激发读者的想象力，让他们去脑补画面之外的故事。这让我意识到，插画创作不仅仅是技术活，更是一种“讲故事”的艺术。 我特别欣赏书中对于“个人视角”的强调。作者鼓励读者去发掘自己独特的观察角度和思考方式，而不是盲目模仿别人的风格。它提倡的是一种“活在当下，感受生活”的状态，然后将这些真实的体验转化为创作的灵感。这让我开始反思自己平时的生活状态，是否真正地去感受和记录了那些触动自己的瞬间。 这本书还让我明白，插画并非只存在于画册之中，它可以是一种更具实用性的表达方式。它提到了插画在商业设计、品牌推广，甚至是在个人网站和社交媒体上的应用。这让我看到了插画更广阔的职业发展前景，也激发了我将其与我自身其他兴趣领域结合的可能性。

评分☆☆☆☆☆

阅读《一堂不一样的插画课》的过程，就像是在与一位充满智慧的朋友进行一场深度对话。我一直认为，好的艺术书籍不应该仅仅是提供知识，更应该能够激发思考，带来全新的视角。这本书恰恰做到了这一点，它让我对“插画”这个概念有了更深刻、更全面的理解。 书中对于“观察力”的训练，是我觉得最有价值的部分。作者并非简单地告诉我们“看什么”，而是引导我们去“怎么看”。它通过一系列的引导性提问，让我们重新审视我们熟悉的周围环境，从不同的角度去发现其中的美感和趣味。比如，书中会让你去留意不同材质的纹理，不同光线下的阴影变化，甚至是不同情绪下的人类面部表情。这些看似平常的细节，在作者的启发下，都变成了创作的源泉。 我特别喜欢书中关于“情感与画面的联结”的讨论。作者认为，插画最核心的价值在于它能够触动人心，而这种触动，很大程度上源于情感的共鸣。它详细地分析了如何通过色彩的搭配、线条的走向、以及元素的构成，来有效地传达出喜悦、悲伤、宁静、焦虑等各种复杂的情感。这让我明白，一幅好的插画，不仅仅是视觉上的享受，更是情感上的交流。 这本书还强调了“故事性”在插画中的重要性。它认为，每一幅插画都应该是一个小小的故事，能够引发观者的想象和解读。作者通过剖析一些极具感染力的插画作品，展示了如何通过画面中的细节、人物的互动，以及画面的留白，来构建一个引人入胜的故事。这让我意识到，插画的魅力在于它能够用最简洁的语言，讲述最动人的故事。 最后，这本书让我体会到，“风格”并非一蹴而就，而是一个不断探索和发展的过程。它鼓励读者跳出框架，大胆尝试，去寻找属于自己的独特表达方式。它让我觉得，学习插画，其实也是在认识自己、表达自己、完善自己的一个过程。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计就足够吸引人了，简洁的插画风格，却充满了想象力。我拿到书的时候，就迫不及待地翻看了起来，即使我不是专业的插画师，也对艺术有着浓厚的兴趣。这本书并没有直接给出“照着画”的教程，而是从更宏观的角度，引导读者去思考“为什么”要画，以及“如何”去看待这个世界。它提倡的是一种观察和感受的方式，鼓励我们在日常生活中捕捉那些被忽略的美好。 书里有很多关于色彩搭配的案例，并不是生硬的理论讲解，而是通过具体的作品分析，让我们直观地感受到不同色彩组合带来的情感差异。比如，它会分析一幅描绘夏日午后的画作，是如何通过暖色调的运用，营造出慵懒而温暖的氛围。又或者，它会展示一张描绘城市夜晚的插画，如何用冷色调和对比强烈的灯光，表现出都市的疏离感和神秘感。这些分析让我受益匪浅，不再仅仅是“喜欢”某幅画，而是开始理解它背后所传达的情感和意境。 我特别喜欢书中关于“故事感”的探讨。插画不仅仅是图像，更是一种叙事的方式。这本书教会我如何通过画面元素的选择、构图的安排，以及光影的运用，来构建一个引人入胜的故事。它让我意识到，即使没有文字，一幅好的插画也能够让读者产生联想，去想象画面背后的人物经历、情感纠葛，甚至是未完待续的后续。这种“留白”和“暗示”的力量，是这本书给我最大的启发。 我发现，这本书的作者非常注重引导读者形成自己的“个人风格”。它并没有说“你应该画成这样”，而是鼓励我们去探索自己独特的视角和表达方式。书中有很多关于“如何找到灵感”的建议，比如通过旅行、阅读、听音乐，甚至是通过与人交流。这些看似与绘画无关的活动，却能够极大地丰富我们的内心世界，而这正是创作的源泉。我开始尝试记录下那些触动我的瞬间，用文字和速写的方式，慢慢地构建自己的“素材库”。 最让我惊喜的是，这本书还提到了插画的“应用性”。原来，插画不仅仅是出现在绘本和杂志上，它还可以融入到我们生活的方方面面，比如产品设计、室内装饰，甚至是个人品牌推广。这本书让我看到了插画更广阔的可能性，也让我对未来如何运用所学的知识，有了更清晰的规划。它让我觉得，学习插画不仅仅是学习一项技能，更是一种拓展生活方式的途径。

评分☆☆☆☆☆

当我捧着《一堂不一样的插画课》这本书时，内心是抱着一份好奇和期待的。我并非科班出身的插画师，但我一直对用图像来表达内心世界充满向往。这本书没有让我失望，它提供了一种截然不同的学习路径，不是硬塞给你一套套的技巧，而是让你在一种轻松、愉悦的氛围中，慢慢领悟插画的精髓。 书中有很多关于“发现与捕捉”的篇章，我深以为然。作者鼓励我们打开感官，去观察那些平时容易被忽略的细节。比如，雨滴落在窗户上的痕迹，落叶在风中摇曳的姿态，甚至是行人匆匆擦肩而过时的眼神。这些细碎的生活片段，在作者的引导下，都仿佛变成了潜在的创作素材。我开始尝试在生活中随手记录下这些灵感，用手机拍照，或者用随身携带的速写本简单勾勒。 我非常欣赏书中对于“情感的具象化”的论述。插画最迷人的地方，莫过于它能够将抽象的情感，通过具体的视觉元素表达出来。作者通过对一些优秀插画作品的剖析，详细地阐述了如何运用线条的力度、块面的形状、以及笔触的质感，来传达出不同的情绪。这让我明白，原来一幅画之所以能够打动人心，不仅仅是因为它的构图精巧，更重要的是它所承载的情感共鸣。 这本书还巧妙地将“思考与表达”联系起来。它不仅仅是告诉你“画什么”，更是引导你思考“为什么要画”。它鼓励读者去挖掘自己内心深处的想法和感受，然后找到最适合的视觉语言去表达。这种由内而外的创作方式，让我觉得每幅画作都充满了生命力和个人印记。 最让我印象深刻的是，这本书并没有设限，而是鼓励读者大胆去尝试各种可能性。它告诉我们，风格是可以不断探索和演变的，失败并不可怕，反而是成长的必经之路。这种开放的态度，让我觉得学习插画的过程充满了乐趣和自由，而不是一种束缚。

评分☆☆☆☆☆

这本《一堂不一样的插画课》绝对是我近期最满意的一本艺术书籍。我之前对插画的认识比较片面，总觉得那是专业人士才能掌握的技能，但这本书彻底颠覆了我的看法。它没有长篇大论的术语，也没有枯燥乏味的技巧讲解，而是以一种非常亲切、启发性的方式，带领我重新认识插画的魅力。 书中很多关于“观察世界”的章节，让我印象深刻。作者鼓励我们放慢脚步，去留意生活中的每一个细节。比如，它会引导你去观察不同形状的云朵，不同植物的纹理，甚至是不同材质的表面触感。这些看似微不足道的观察，却能成为创作的宝贵素材。我尝试着按照书中的方法去实践，发现自己的感官变得更加敏锐，看东西的角度也发生了变化。以前匆匆走过的街道，现在却能发现很多有趣的细节。 我尤其喜欢书中关于“情感表达”的论点。插画不仅仅是画出好看的图案，更重要的是能够传达出创作者的情感和态度。作者通过分析一些经典的插画作品，教会我如何运用线条的粗细、颜色的深浅，以及人物表情的塑造，来表达喜怒哀乐。这让我意识到，绘画是一种非常直接的情感沟通方式，而我以前只是把它当作一种“画图”的游戏。 这本书还有一个很棒的地方，就是它鼓励“尝试和失败”。它告诉我们，没有人一开始就能画出完美的作品，重要的是敢于动手去画，并且从错误中学习。书中分享了很多作者自己早期的一些作品，虽然不完美，但却充满了真诚和活力。这种坦诚的态度，让我感到非常放松，也更有勇气去尝试各种不同的风格和技法。 总而言之，这本书让我觉得插画离我并不遥远，它是一种可以融入生活、表达自我的方式。它不仅仅是一本书，更像是一位温和的引路人，指引我走向一个更广阔的艺术世界。我强烈推荐给所有对插画感兴趣，或者想要提升自己审美和观察能力的朋友们。