久石让音乐手记 音乐 书籍 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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出版社： 上海交通大学出版社

ISBN：9787313177063

商品编码：29888567233

商品基本信息，请以下列介绍为准
商品名称：	久石让音乐手记 音乐 书籍
作者：	（日）久石让 ，艾菁 译
定价：	49.8
出版社：	上海交通大学出版社
出版日期：	2018-03-01
ISBN：	9787313177063
印次：
版次：	1
装帧：	精装
开本：	大32开

内容简介

人类为什么需要音乐？音乐从何而来？作曲家如何捕捉乐思，写就令人感动的作品？运用何种音乐语言呈现其的心灵和宇宙观？交响乐团如何将作曲家呈现在乐谱上的乐思奏响？在怎样的时刻，“乐音”*终成了打动人心的“音乐”？久石让，作为一名作曲家，指挥家，演奏家，严肃思考、真诚书写，将这一册在繁忙作曲、指挥、演出空隙中写就的音乐手记奉献给爱乐的读者。这本音乐手记，是久石让音乐生活和音乐思考的记录，也是他与爱乐读者的一次漫长，充满冒险的音乐路途上的倾心交谈。

目录

前言 章???指挥 指挥贝多芬“第九”有感 开始指挥古典乐之前的我 指挥家的工作 我为什么拿起了指挥棒？ 作曲家与指挥家的关系 作曲家兼指挥与职业指挥家的不同 作曲家兼指挥的优势 作曲家兼指挥在这个时代执棒的意义是什么？ 指挥《广岛受难者的挽歌》 乐音成为音乐的瞬间 古典乐，常奏常新 “神灵降临” 听杜达梅尔的演奏会 在意大利举行久石让作品演奏会 像指挥家般的生活 第二章???呈现 呈现音乐的方法有哪些？ 什么是音乐的原点？ 是传统？还是人工？ 作为呈现手段的乐谱 演奏时的自由度——爵士乐和古典乐的差异 演奏记号的使用 乐谱的不完整性 面对交响乐队，指挥如何阐释音乐？阐释什么？ 乐队席是干什么的？ 第三章???了解 视觉、听觉与音乐 为什么会发生视觉和听觉的时差？ 音乐是建在时间轴和空间轴上的建筑吗？ 绘画的时间描写和音乐的空间描写 昨天的我和今天的我，是同一个我吗？ 构成音乐三要素的坐标轴 第四章???思考 听以色列爱乐乐团有感 犹太人的艺术表现 音乐中的“犹太特性” 马勒作品中“永恒的忧思” 电影《毕业生》 音乐的进化——泛音的发现 音乐的起源——从古代希腊到《格列高利圣咏》 乐谱的发展——复调音乐的时代 实现和谐的性的方法论——平均律 和声给音乐带来了什么？ 单的音乐形式是什么？ 奏鸣曲式中的主题和第二主题 浪漫派音乐和文学的关系 勋伯格究竟有多天才？他的梦想是什么？ 什么是十二音音乐？ “商业化量产”音乐的兴起及其未来 音乐向何处去？向何处去？ 第五章???作曲 作曲何时能大功告成？ “在这个时代，作曲意味着什么？” 对谈：久石让vs小沼纯一 作曲是如何开始的？ 音乐是在时间经过中写成的 通俗音乐重在旋律 作品是有血有肉的生命 音乐景象 怎么会开始作曲的？ 简约主义音乐对你的影响是什么？ 音乐与语言的关系 “截稿日期”的神奇力量 把通俗音乐改编成交响乐版 身在今天这个时代中 结语 附录：久石让主要作品1981-2016

编辑

1.这是一本殿堂级的音乐笔记。作者久石让是日本音乐大师，也是宫崎骏、北野武、姜文、许鞍华、刘镇伟信任的音乐人 ，他创作了大量脍炙人口的电影音乐：《天空之城》《龙猫》《菊次郎的夏天》《太阳照常升起》《姨妈的后现代生活》……而这本书则是他音乐生活间隙写下的音乐手记。       2.书中，久石让先生用亲切又俏皮的笔调，记录了自己音乐生活的点滴，和不时迸发的灵感与触动。       3.在这里，你会读到一枚高贵、童真的灵魂：他热爱生活，他享受音乐，他尊重生命；在这里，你将品味音乐背后的故事：不是久石让这样一个人，一定作不出久石让的音乐。

音乐的万象：一部跨越风格与时代的交响史诗 本书并非聚焦于某位特定音乐家的创作历程，而是以宏大的视角，深入探索音乐作为一种人类文明现象的多元面貌、演变轨迹及其对个体与社会产生的深刻影响。我们试图构建一个知识的迷宫，引导读者穿越不同的音乐时空，去理解声音是如何被组织、被感知，并最终构建起我们情感与认知的世界的。 第一部分：声音的考古学——音乐的起源与早期形态 本部分追溯音乐的源头，将其置于人类学和历史学的语境中进行审视。 1.1 原始律动与仪式： 音乐的诞生并非始于精致的乐器，而是根植于人类最早的生存需求——劳动协作、求偶展示以及宗教仪式。我们考察非洲部落的鼓点、美洲原住民的吟唱，分析这些早期声音组织中蕴含的社群粘合剂功能。这些声音模式如何作为一种非语言的交流工具，传递信息和维护社会秩序？ 1.2 古代文明的音律构建： 从古埃及的竖琴到古巴比伦的泥板记谱残片，再到古希腊哲学家（如毕达哥拉斯）对音程的数学化解释，音乐开始从纯粹的感性活动转向理性探索。重点分析了五声音阶和七声音阶的早期应用，以及它们如何奠定西方音乐理论的基石。本章也将触及中国古代的“五音”、“十二律”，探讨不同文明在解决“和谐”问题上的殊途同归。 1.3 中世纪的信仰回响： 欧洲中世纪的音乐被教会牢牢掌握。我们将详细解读格里高利圣咏（Gregorian Chant）的单音结构、不协和音的抑制，以及修道院抄写员在保护和标准化音乐文献方面所起的作用。同时，也要关注世俗音乐（如游吟诗人歌曲）的兴起，它们是如何在神圣的殿堂外，描绘民间生活与骑士精神的。 第二部分：结构与革命——西方古典音乐的黄金时代 本篇聚焦于17世纪至19世纪，音乐艺术性、复杂性和专业化程度达到巅峰的时期。 2.1 巴洛克的宏伟叙事： 巴洛克时期是装饰、对比和对位法的盛宴。本章将剖析复调音乐的精妙结构，例如赋格（Fugue）的逻辑推演。我们不局限于键盘乐器，而是深入探讨协奏曲（Concerto）中独奏乐器与乐队之间的戏剧性张力，以及歌剧（Opera）如何将音乐、戏剧、舞台设计融为一体，创造出超越时空的感官体验。 2.2 古典主义的清晰与平衡： 维也纳古典乐派的出现，标志着音乐追求“自然”、“清晰”和“普世情感”的转向。奏鸣曲式（Sonata Form）作为核心的结构蓝图，如何组织主题的呈示、发展与再现？我们分析海顿的“幽默”、莫扎特的“纯净”，以及贝多芬如何通过对既有形式的拓展，为浪漫主义的爆发积蓄能量。 2.3 浪漫主义的个体表达： 19世纪的音乐不再仅仅是美的再现，而是灵魂的独白。本章探讨标题音乐（Program Music）的兴起，以及作曲家如何运用和声的扩张（如增三和弦、半音阶的大量使用）来描绘强烈的、往往是内在的、难以言喻的情感——爱恋、忧郁、对自然的敬畏乃至对死亡的沉思。从肖邦的钢琴诗篇到瓦格纳的“整体艺术作品”（Gesamtkunstwerk），音乐的主观性达到了前所未有的高度。 第三部分：音响的拓荒——20世纪的破碎与重塑 20世纪是音乐史上最剧烈、最分裂的时期，技术进步与社会动荡共同推动了音乐语言的彻底革新。 3.1 印象主义与无调性实验： 德彪西对传统调性系统的“模糊处理”，如何模仿光影的流逝？紧随其后，勋伯格及其追随者如何通过“十二音体系”试图在失去传统中心音后的音乐中重建秩序？本节详细解析了序列主义、偶然音乐的哲学基础，探讨作曲家们如何主动拥抱“不和谐”乃至“噪音”。 3.2 电子脉冲与合成器的崛起： 录音技术和电子合成器的发明，彻底解放了声音的物理限制。我们探讨具体音乐（Musique concrète）如何将日常环境声转化为音乐材料，以及磁带技术如何催生了电子音乐实验。这部分将分析技术如何颠覆了“现场表演”的中心地位，使音乐的创作和传播进入了新的维度。 3.3 全球化的声景： 随着爵士乐、布鲁斯、拉丁音乐等非欧洲传统形式的涌入，西方音乐界开始吸收异域的节奏和和声元素。本章探讨音乐的“世界化”过程，分析民族音乐学（Ethnomusicology）如何反作用于严肃音乐的创作实践，打破了地域和文化的壁垒。 第四部分：节奏的权力——流行音乐的社会学观察 本部分将焦点转向大众文化领域，分析音乐如何与商业、技术、青年文化紧密结合。 4.1 蓝调的根基与摇滚的反叛： 探讨非裔美国人音乐传统（布鲁斯、福音音乐）如何提供了一种强大的情感宣泄渠道，以及摇滚乐在二战后美国社会背景下，如何成为代际冲突和个人自由的象征。我们分析其核心的节奏驱动力（Backbeat）的社会意义。 4.2 录音介质的演变与音乐消费： 从黑胶唱片到磁带，再到数字串流，每一种载体的变革都在重塑音乐的结构（如专辑概念的诞生）和听众的聆听习惯。本章将审视录音室技术（如混响、多轨录音）本身如何成为一种创作工具，而非仅仅是记录工具。 4.3 节奏的全球化：放克、迪斯科与嘻哈的文化张力： 分析电子舞曲（EDM）如何将纯粹的节奏和低音频率推向极致，以及嘻哈文化中采样（Sampling）这一行为的法律和艺术伦理争议。流行音乐的叙事不再局限于复杂的主题，而在于其即时、强大的律动感和对社会边缘群体的发声能力。 结语：聆听的未来 最后，本书将探讨在当前数字时代，音乐的“价值”和“形式”面临的新挑战。当我们有能力即时获取所有历史音乐时，音乐的稀缺性和权威性该如何界定？未来的音乐创作，是会进一步趋向极端的个性化，还是在算法的推荐下走向某种新的集体无意识？本书旨在提供一个深厚的历史与理论框架，帮助读者更主动、更批判性地去“聆听”这个复杂而迷人的声音世界。

评分☆☆☆☆☆

翻开这本厚厚的乐谱集，首先映入眼帘的不是那些耳熟能详的旋律，而是大量手绘的五线谱草稿和密密麻麻的音符排列。我一直以为，像久石先生这样的大师，创作过程必然是行云流水一气呵成，然而这本书却揭示了另一种可能——那是一条布满犹豫、修改和推翻的崎岖小路。尤其让我印象深刻的是关于《天空之城》主题曲的几页手稿，其中一个和弦进行被反复涂抹修改了至少五次，旁边标注着“感觉不对，太过甜腻，需要更沉郁的底色”。这种直面艺术家内心挣扎的视角，远比单纯欣赏成品要震撼得多。它让我们看到，那些看似信手拈来的优美乐章，背后凝聚了多少对音色的苛求与对情感表达的精准拿捏。这本书更像是一扇通往幕后的门，展示了从灵感到定稿之间，那段沉默而艰辛的炼金术过程。它不是简单地记录作品，而是在剖析“如何成为久石让”。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计本身就散发着一种低调的哲学意味。米黄色的纸张带着微微的年代感，摸上去粗粝而不失温润，很像老式钢琴的象牙键触感。内页的排版极为讲究留白，很多地方的文字只占了页面的三分之一，其余大片空间留给了空气，这使得阅读过程本身变成了一种冥想。我尤其欣赏作者（或者说整理者）在引用外部评论时的克制。他们没有堆砌溢美之词，而是将大量的篇幅放在了对不同时期音乐风格演变的梳理上。比如，他对久石先生早期作品中受欧洲古典主义影响的清晰脉络，以及后来如何有意地融入日本传统民谣的结构，进行了细致入微的对比分析。这已经超越了普通乐迷读物的功能，更像是一部严肃的音乐人类学考察报告，引导读者去理解，一个创作者是如何在继承与反叛之间找到自己独特的声学坐标系的。

评分☆☆☆☆☆

读完前几章，我最大的感受是，这本书彻底颠覆了我对“配乐”的固有认知。我原以为电影配乐的创作是从画面出发，为画面服务。但书中记录的几段访谈片段，却指向一个更深层的真理：久石先生似乎总是在“先于”画面，捕捉到导演内心深处尚未成形的情绪内核。有一段描述他创作某个场景音乐时，他提到他听到的不是画面中的对白或动作，而是一种“时间的停滞感”。这种描述极具画面感，也解释了为什么他的音乐总有一种超越场景本身的史诗气质。它不是在讲述故事，而是在诠释生命本身在特定情境下的重量。这本书没有直接给出答案，而是通过那些零散的创作笔记和间接的叙述，逼迫读者去主动构建这种“超越感”的音乐体验，让人读完后，再听他的任何作品，都会多一层对“情绪建筑”的敬畏。

评分☆☆☆☆☆

这本书的结构安排非常跳跃，并不完全按照时间顺序展开，而是像一个迷宫，将不同时期的创作心得碎片式地散落在各个章节之间。起初我有些不适应这种叙事方式，觉得线索有些松散。但读到后面才明白，这也许恰恰模仿了音乐本身的结构——旋律的记忆往往是片段化的，灵感的闪现是不受线性逻辑约束的。书中关于“沉默的力量”那一部分，篇幅虽然不长，却是我认为价值最高的段落之一。他探讨了在交响乐中，休止符如何承载比音符更沉重的意义。这不仅仅是音乐理论，更像是对生命中那些未说出口、未被演奏出来的部分的一种深刻致敬。这种哲思的深度，让这本书从一本“如何做音乐”的指南，升华成了一本“如何倾听世界”的入门书。

评分☆☆☆☆☆

我期待这本书能有后续的“技法篇”，因为这一册给我的感觉更偏向于“心法”的传承。书中花了大量篇幅去探讨美学和情感共鸣，但对于初学者而言，如何将那些抽象的“沉郁感”转化为具体的对位法或者配器选择，阐述得相对模糊。例如，当他提到“使用铜管乐器来表达绝望的决心”，我非常想知道，具体是哪种调性或进行，能最大程度地激发这种效果？当然，这或许正是久石先生的高明之处，他提供的是方向和心境，而不是标准化的食谱。这使得这本书的价值得以永存，因为它拒绝被“用完”，它更像是一面镜子，映照出读者自身对音乐世界理解的深度。每一次重读，都会因为自己生命体验的增加，而看到新的、未曾注意到的细节和层次，那种新鲜感是无可替代的。