子乐理2 乐理知识 乐理知识基础教材 自学 基乐理教程 乐理书 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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王晓鹰 编

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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 人民音乐出版社

ISBN：9787103053270

商品编码：29868529807

丛书名： 亲子乐理2

开本：16开

目录

挥手唱拍吧
节奏的囿遇
基本节奏型
节奏与舞蹈
节奏与音阶
阿波罗的妙记Ⅱ
希腊四音列
大调三兄弟
小调三姐妹
五度圈
音级
调号的识别
调号升降顺序
同号关系
同名关系
演奏术语Ⅰ
名言加油站

内容介绍

《子乐理2》提倡子学习模式，以三大基本音乐内容（乐理、节奏、音阶）为切入点。《子乐理2》呈现童趣化的设计风格，以丰富插图和精心设计的图标以及符合儿童心理和认知规律的方式向乐童呈现各种乐理知识点，在视觉吸引和文化元素等方面作出创新尝试。

音乐理论与实践：从入门到精通的深度探索 本书旨在为对音乐理论抱有浓厚兴趣，并希望系统学习和掌握音乐基本原理的读者提供一本全面、深入且极具实践指导意义的教程。它并非传统意义上的初级乐理教材，而是聚焦于音乐结构、和声进行、曲式分析及演奏实践的深度融合，致力于搭建一座连接理论知识与实际音乐创作、欣赏之间的坚实桥梁。 本书的架构设计，旨在循序渐进地引导学习者超越基础的音高、节奏概念，进入到更复杂、更富有表现力的音乐领域。我们深知，枯燥的理论堆砌难以激发真正的学习热情，因此，全书始终贯穿着“理论指导实践，实践反哺理论”的教学理念。 第一部分：音乐的“骨架”——结构与功能解析 本部分着重于构建学习者对音乐整体框架的宏观认知。我们不会仅仅停留在介绍调性、音程这些基础元素，而是着力于探讨它们如何在音乐结构中发挥关键作用。 一、调性系统的深化理解： 超越大调和小调的简单区分，本章将详细剖析调性体系的演变及其在不同音乐风格中的应用。 等音概念与十二平均律的哲学基础： 探讨音律体系的选择如何影响了西方音乐自巴洛克时代至今的和声色彩。我们将分析纯律与平均律在听觉感受上的差异，并简要介绍不同文化背景下其他音律系统的简史。 调式与转调的艺术： 详细讲解自然大调、和声小调、旋律小调的内在逻辑，并深入探究教会调式（如多里安、弗里吉亚等）在近现代音乐（尤其爵士乐和电影配乐）中的复兴与功能重塑。转调不再是机械的“找共同音”，而是成为色彩转换和情绪推进的有效工具，书中将提供大量实例分析如何实现平稳、突兀或带有戏剧性的转调手法。 调性中心与功能和声的张力： 详细阐释主、属、下属三和弦的“引力”关系，并引入导向性概念，分析如何通过非功能性和弦（如副属和弦、增六和弦）来增强或削弱这种引力，从而达到期望的情感效果。 二、节奏的复杂维度： 节奏是音乐的“脉搏”，本书将节奏的讲解提升到更具分析性的层面。 复合拍号与复节奏： 不仅限于辨认 $6/8$ 或 $9/8$，更深入分析如何使用复合拍号来构建复杂律动，以及复节奏（Polyrhythm）——不同拍子在同一时间框架内的交织与碰撞——在非洲音乐、拉美音乐乃至二十世纪严肃音乐中的处理技巧。 节拍的弹性与自由处理： 探讨“弹性速度”（Tempo Rubato）的精确控制，以及在不同风格（如浪漫主义钢琴作品、布鲁斯即兴）中如何打破严格的节拍框架而不失整体连贯性。 第二部分：和声的“血肉”——和弦的构建、连接与色彩 本部分是全书的核心，重点在于将抽象的和弦理论转化为可操作的音乐语言。我们强调和弦的“功能性”与“色彩性”的统一。 一、和弦的层级分析： 三和弦的拓展： 除了大小三和弦，本书将详细讲解挂留和弦（Sus Chords）的本质——它并非不稳定的和弦，而是通过延迟解决而产生的特定色彩。同时，对五音不全和弦（No-Third Chords）在现代音乐中的作用进行探讨。 七和弦及更高阶和弦的深度解析： 对属七、减七、增三和弦的常见功能进行详尽的分类和图解。重点关注九、十一、十三和弦在爵士乐中的构成法、解决倾向及其如何在不同声部进行中体现出丰富的织体。 色彩和弦的运用： 专门设立章节讨论如 Lydian Dominant（增四度属七和弦）和 Neapolitan Chord（那不勒斯六和弦）等，分析它们在特定作曲家作品中的标志性用法。 二、和声进行的高级技巧： 序列与循环： 介绍常用的和声进行序列（如“下降五度链”）的构建逻辑，并分析如何通过改变序列的起始点或节奏划分来创造新鲜感。 非功能性连接： 探讨如何利用音色、声部进行或节奏上的巧妙安排，实现看似“不合理”但听感上却极具张力的和弦连接（如平行五八度在特定语境下的非传统运用）。 调式和声（Modal Harmony）： 这是连接传统功能和声与现代音乐的关键。我们将详细分析如何在一个固定的调式框架内（如 D Dorian），构建出既有色彩感又避免了强功能解决的和声进行，这是现代电影配乐和器乐创作的基石。 第三部分：音乐的“形体”——曲式、织体与配器初探 理论的价值在于塑造形式。本部分关注音乐如何被组织成可识别的、具有逻辑性的“作品”。 一、经典曲式结构的解构： 奏鸣曲式与赋格： 不仅是记住呈示部、展开部、再现部，而是深入分析主题如何在展开部中被分解、变奏和对比，以及不同调性关系如何推动戏剧冲突。对于赋格，重点解析主调、对位、中插的内在结构。 三部曲式与变奏曲式： 细致分析 ABA 结构中 B 段如何有效地在对比与统一中起到“桥梁”作用，以及变奏曲式中，作曲家是如何从同一母题出发，变化其节奏、和声、织体，实现“在变化中保持统一”的高级技巧。 二、织体与配器思维的启蒙： 织体分析： 区分单音音乐、主调音乐、复调音乐（对位）的本质区别，并学习如何通过增减声部、改变声部进行方式来控制音乐的“密度”与“厚度”。 声部写作的基础原则： 针对键盘或小型室内乐的声部写作，提供关于音域安排、声部平衡、以及如何避免不必要的平行进行或声部交叉的实用指导。这部分旨在为读者向完整配器法过渡打下坚实的逻辑基础。 结语：理论的实践性检验 全书的每一章后都附有针对性的“分析与实践任务”。这些任务要求读者不仅要能识别乐谱中的理论现象，更要尝试在乐器上演奏、听辨，并尝试以给定的和声材料进行小型的旋律创作或和声“配对”练习。通过这种互动式的学习过程，枯燥的符号将转化为生动的音乐体验，从而真正掌握理论知识，将其内化为自己的音乐直觉。本书的目标是培养出能够“用理论思考，用耳朵检验”的独立音乐学习者。

评分☆☆☆☆☆

我简直不敢相信，市面上竟然还有这种水准的“基础教材”。这本书对“基础”的理解似乎停留在上个世纪的某个角落。它对一些核心概念的解释含糊其辞，缺乏现代音乐理论应有的严谨性和逻辑性。比如，在讲解调式转换时，作者只是简单地罗列了几个例子，却完全没有深入剖析其背后的功能性和色彩变化，读者很难从中领悟到真正的音乐思维。更令人抓狂的是，书中的练习题设置也极其不合理，要么过于简单以至于毫无挑战性，要么突然跳跃到超出当前章节知识范围的难度，完全没有循序渐进的梯度感。我尝试用它来“自学”，结果发现每深入一页，都需要额外花费双倍的时间去查阅其他更权威的资料来填补知识上的巨大空白。这种“填鸭式”却又缺乏深度支撑的编排方式，只会让渴望扎实打下根基的学习者感到挫败和迷茫。这本书与其说是教程，不如说是一份未经消化的知识点列表。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版简直是一场灾难，字体大小忽大忽小，行距也时常变化，阅读体验极差。我得承认，光是想弄清楚作者到底想表达什么，就已经耗费了我不少精力。而且，书中的插图简直是草稿级别的，线条模糊，符号不清，完全起不到辅助理解的作用，有时候甚至让人更加困惑。举个例子，关于和声进行的那一章，图示的五线谱画得歪歪扭扭，连基本的节奏型都看不清楚，我不得不一边看书一边去网上找标准的乐理图例来对比，这完全违背了我买教材来自学的初衷。如果说一本乐理书最基本的要求是清晰易懂，那么这本书在这方面彻底失败了。我甚至怀疑印刷厂是不是把不同版本的草稿混在一起印刷了，否则无法解释这种粗糙程度。对于任何希望系统学习乐理的初学者来说，这种视觉上的障碍和信息的混乱，无疑是学习路上的巨大绊脚石。希望未来的修订版能够在这方面进行彻底的改进，否则它只能被束之高阁，成为一本徒有其名的“教材”。

评分☆☆☆☆☆

这本书的语言风格让我感觉像是在听一位年迈的教授在昏昏欲睡的午后进行一场冗长且跑题的独白。句子结构复杂，充满了晦涩难懂的书面语，很多本该用简洁明了的术语来阐述的理论，被作者用一大段绕弯子的描述给淹没了。例如，在解释三和弦的转位时，书中用了大量的篇幅去描述“音高的相对位置”和“低音声部的运动轨迹”，但就是没有一个清晰的、基于功能和声学的定义，读完后我依然不确定低音C和弦的第一转位究竟在听觉上带来了什么本质性的改变。对于我这种需要通过清晰的逻辑链条来构建知识体系的自学者而言，这种拖沓且缺乏重点的叙事方式是致命的。它不仅没有帮助我理解乐理，反而让我对这门学科产生了抗拒心理。我更倾向于那些结构清晰、语言直白的书籍，它们能迅速抓住重点，用最经济的文字完成知识的传递，而不是像这本书一样，让人在故纸堆里艰难摸索。

评分☆☆☆☆☆

我最终放弃使用这本书进行系统的乐理学习，主要原因在于它对现代音乐实践的脱节。虽然它涵盖了古典乐理的一些基本框架，但对于当代作曲、编曲和即兴演奏中极其重要的概念，比如音高集合理论、非功能性和声的分析、甚至是最基础的十二音体系的初步介绍，这本书都采取了回避或轻描淡写的态度。这让我感觉我学到的知识像是被“封存”在了某个历史时期，与我想要学习和应用的现代音乐语言格格不入。当我在尝试分析一些近现代作品时，这本书提供的工具完全不够用，它提供的“乐理知识”更多的是一种历史性的描述，而非一套具有前瞻性和实用性的分析工具。如果一个教程的最终目标是帮助学习者理解和创造当下的音乐，那么它必须与时俱进，而这本书明显落后了太多拍。我需要的是能驱动我进行未来创作的理论，而不是一套已经完成历史使命的规则手册。

评分☆☆☆☆☆

说实话，这本书的“自学”友好度几乎为零。它似乎是为那些已经拥有深厚音乐背景，只需要一本参考手册的人准备的，而不是为我们这些需要从零开始构建知识框架的初学者。书中假定读者已经掌握了大量的预备知识，比如对某些特定的记谱法了如指掌，对和声的“感觉”已经有所培养。当你翻到某个章节，发现它突然开始引用前几章未曾详细解释过的术语时，那种被抛弃的感觉是极其强烈的。而且，书中几乎没有提供任何自我检测的机制，没有章节末尾的总结回顾，也没有及时巩固练习来检验学习成果。这使得学习过程变成了一种单向的信息输入，我无法有效地评估自己是否真的吸收了知识，更别提自我纠错和查漏补缺了。一本好的自学教材，应当像一位耐心的导师，随时准备好回头为你复习，并为你设置清晰的“检查站”，而这本书显然没有扮演好这个角色。