基本乐理 音乐 书籍 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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出版社： 现代出版社

ISBN：9787514367232

商品编码：29727251855

商品基本信息，请以下列介绍为准
商品名称：	基本乐理 音乐 书籍
作者：	崔宪 主
定价：	39.8
出版社：	现代出版社
出版日期：	2018-05-01
ISBN：	9787514367232
印次：	1
版次：	1
装帧：	平装
开本：	16开

内容简介

高职(高等职业学校)和高专(高等专科学校)是我国高等教育体系中不可或缺的重要组成部分。 针对我国现有高职高专院校音乐系科的学制与教学特点，本套教材（共4册）聘请了我国音乐理论界的中国音乐史、西方音乐史、基本乐理，以及视唱练耳等学科专家担任主编，并在本科教材的基础上做了大幅度的内容精简和压缩，具有逻辑清晰、突出、简明实用、易学易懂等特点，为我国迄今为止高职高专音乐系科不可或缺的教材。  《基本乐理》按照音乐的基本产生到律制，用十二讲讲述，包括了十二律制、五声、七声音阶民族乐制。便于学生能够在短期内掌握音乐理论的相关知识。

编辑

难度适宜，实用易学。填补空缺。

《和声的织体：古典主义至浪漫主义的声部进行与色彩探索》 本书简介 本书深入剖析了西方音乐史上，自海顿、莫扎特奠定基础的古典主义时期，直至贝多芬、舒伯特、肖邦、瓦格纳等巨匠手中臻于极致的浪漫主义早期，和声语言的演变、功能性布局的精妙以及织体构建的艺术。它并非一部基础的乐理入门手册，而是面向已掌握基础和弦结构、调性体系及初步对位法的音乐学习者、演奏家和作曲理论研究者，旨在提供一套系统化、深入且富含历史语境的和声学深度解析。 全书共分为八个主要部分，力求从宏观结构到微观细节，全面揭示这一黄金时期和声语汇的内在逻辑与外在表现。 --- 第一部分：古典主义和声的规范与突破 本章聚焦于18世纪下半叶，以维也纳古典乐派为核心的和声语言特征。我们将详细探讨功能和声体系的成熟与固化，包括主、属、下属三和弦在终止式中的绝对权威地位，以及和弦级进的规范性路径。 调性中心的巩固与拓展： 分析奏鸣曲式中呈示部、展开部及再现部的调性关系设计，特别是如何通过转调和模带来构建戏剧张力。 序列与节奏的融合： 探讨动机发展如何与和声进行相互作用，例如，重复的分解和弦或固定音型如何稳定或推动和声色彩的变化。 装饰音与非和声音响： 深入研究经过音、挂留音、经过倚音等装饰性手法，如何被古典作曲家系统化地用于柔化和弦轮廓，并增强乐句的呼吸感。不同于早期巴洛克时期对装饰的即兴强调，古典主义时期的装饰音更趋于精确的书写与结构化。 第二部分：七和弦的精细化应用与色彩引入 古典主义的和声语汇远超三和弦的范畴。本部分专门研究属七和弦的强化应用，及其在远关系调转调中的关键作用。 导七和弦（Leading-Tone Seventh Chord）： 分析其在导向同主音小调或关系小调时的独特功能与解决方式。 那不勒斯六和弦（Neapolitan Sixth Chord）： 这一重要的降二级和弦，在古典作品中如何被巧妙地用于增加色彩的深度和戏剧性的减弱感。本书将对比分析其在不同调性中的运用频率和效果。 减七和弦的解构： 详细考察减七和弦的结构对称性，以及它作为“万能钥匙”在展开部中实现快速、远距离转调的机制。重点分析其在贝多芬晚期作品中展现出的模糊性和不确定性。 第三部分：浪漫主义的序曲——贝多芬的深化与拓展 贝多芬是连接古典与浪漫的桥梁。本章将他的作品视为和声语言进化的关键案例。 情感张力下的和声极端化： 探讨贝多芬如何通过长时间的和弦延迟解决、不协和音的蓄积以及对更宽广音域的运用，来表达个人情感的挣扎与胜利。 半音和声的萌芽： 识别和分析贝多芬作品中，半音进行如何开始超越严格的功能限定，为后世的“浪漫主义模糊性”铺平道路。 织体与力度标记的关联： 研究和声的复杂性如何与力度变化（如突然的 ff 到 pp）相互依存，共同构建叙事线索。 第四部分：舒伯特与抒情性的和声色彩 舒伯特将歌曲的内省性带入了器乐作品。他的和声常以其出乎意料的色彩变化而著称。 “远亲”和弦的频繁出现： 详细解析舒伯特对非关系大小调的和弦连接，例如，主和弦后直接转入关系小调的降六级和弦，这种手法带来的瞬间的忧郁或宁静感。 调性的“游移”： 考察舒伯特在长段落中，如何通过模糊中心调性，营造出一种在梦境或回忆中漂浮的听觉体验。 第五部分：肖邦与钢琴的音响特性 肖邦的和声创新与其对钢琴音色的精妙掌握密不可分。 延迟解决与琶音的融合： 分析肖邦如何利用宽广的琶音结构，将本应尖锐的不协和音柔化、美化，使其听感上成为一种新的“色彩音”。 和声延伸与装饰： 研究肖邦对九和弦、十一和弦的运用，以及他对装饰音和自由音型的处理，如何使传统和声功能变得更加“模糊化”和“流动化”。 第六部分：瓦格纳前夜——对功能和声的挑战 虽然瓦格纳的彻底革命在后浪漫主义，但其早期的探索已在浪漫主义中期显现。 半音进行与和弦的“模棱两可”： 探讨瓦格纳在早期作品中对暧昧和弦的偏爱，特别是那些可以被解释为多个不同功能的和弦。 旋律驱动的和声重组： 分析在瓦格纳的作品中，旋律线条如何强力地要求特定的和声进行，有时甚至打破既有的功能逻辑。 第七部分：织体的深化——从对位到复调的借鉴 本书特别关注和声在多声部织体中的具体表现，区别于单纯的和弦堆砌。 声部进行中的“幽灵对位”： 研究和声进行中，声部间的平行移动、回避平行五八度之外的更微妙的声部线索。 中声部的独立性： 在四部和声的框架下，如何赋予中声部（中音和次中音）以独立且富有意义的旋律线条，而非仅仅是填充和弦的空白。 第八部分：实践与分析案例选 本章提供详细的乐谱分析案例，选自海顿的弦乐四重奏、莫扎特的钢琴奏鸣曲、贝多芬的奏鸣曲中段、舒伯特的艺术歌曲片段以及肖邦的夜曲。通过对这些实例的层层剥离，读者将能够亲眼见证上述理论如何在实际的伟大音乐作品中得到生命力的体现。 适合读者： 音乐学院本科高年级学生、音乐理论研究生、专业演奏者、有志于系统学习西方音乐“黄金时代”和声技法的音乐爱好者。 --- 本书特色： 本书强调历史语境与技术分析的结合，避免了对基础概念的重复叙述，而是聚焦于如何从规范走向创新，以及如何用和声构建情感的深度与广度。它要求读者不仅要知道和弦是什么，更要理解它们在特定历史时刻的为什么。

评分☆☆☆☆☆

说实话，刚拿到手的时候，我对这本音乐书籍抱持着一丝怀疑态度，因为市面上类似的教材汗牛充栋，真正能让人眼前一亮的少之又少。然而，这本书迅速打消了我的疑虑。它最让我赞赏的一点是，它并不满足于单纯的知识罗列，而是融入了大量的历史背景和人文思考。比如，在讲解节奏演变时，作者不仅阐述了四四拍、三四拍的构成，还穿插了文艺复兴时期和巴洛克时期社会生活对音乐律动的影响，这种宏大的视角让我意识到，乐理不仅仅是音符的排列组合，更是时代精神的载体。其中关于“配器法入门”的部分尤为精彩，它没有直接给出乐器音域表，而是通过描述不同乐器音色的“质地”——比如铜管的辉煌、木管的柔和、弦乐的细腻——来帮助读者建立起感性的认知，这种非线性的教学方法非常适合需要直观感受的初学者。我尝试用书中的理论去分析了我最喜欢的一部电影配乐，过去只是觉得旋律好听，但读完这本书后，我竟然能清晰地分辨出配器层次的变化，以及作曲家是如何通过和弦转位来营造紧张感的。这种“解构”能力，是这本书带给我最宝贵的财富。它不是教你如何“写”音乐，而是教你如何“听懂”音乐背后的精妙布局。

评分☆☆☆☆☆

我必须强调这本书在“可视化”方面所做的努力。对于抽象的音乐概念，仅仅依靠文字描述是远远不够的，而这本书大量采用了精美的图表和流程图来辅助讲解。最让我印象深刻的是关于“赋格曲”的解析部分。赋格曲的复杂结构往往让初学者望而却步，但作者使用了一种类似“拼图游戏”的方式，将主题（Subject）、应答（Answer）和间奏（Episode）的不同声部，用不同颜色的线条在五线谱上清晰地勾勒出来，读者可以直观地看到各个声部是如何交织、模仿和展开的。这种图形化的教学方法，极大地降低了理解复杂复调结构的门槛。此外，书中的术语解释部分也做得非常到位，它不是简单地给出中文或英文的对应词汇，而是会附带一个简洁的“应用场景说明”，告诉读者在实际演奏或欣赏中，这个术语具体意味着什么。这对于我这种需要将理论快速应用于实践的业余学习者来说，是极为宝贵的资源。这本书更像是一个全能的音乐工具箱，不仅提供了锤子和钉子（基础知识），还提供了详细的建筑蓝图（分析方法），让我可以自信地去探索更广阔的音乐世界。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧质量非常出色，纸张厚实，印刷清晰，即便是经常翻阅和在上面做笔记，也不会有破损的担忧。内容上，它有一个非常大胆且成功的创新，就是将“和声学”和“音乐史”有机地结合了起来。作者没有将它们视为两个独立的模块，而是始终强调“什么时代产生什么理论，什么理论服务什么音乐风格”。比如，在讲到功能和声时，立马就连接到了古典主义时期奏鸣曲式的结构，解释了为什么那种平衡和对称的美学在当时会成为主流。这种跨学科的叙事方式，让枯燥的理论学习变得充满历史的厚重感和艺术的趣味性。我发现自己开始不再将不同的音乐类型割裂开来，爵士乐的和弦进行似乎也能在古典乐的和声传统中找到源头。尤其值得一提的是，书中对“不协和音程”的处理，作者深入探讨了从早期音乐到二十世纪音乐中，对不协和音的处理方式是如何从“需要解决的错误”逐渐演变为“独立的表达手段”的。这种对音乐观念演变的洞察，极大地拓宽了我对“好听”的定义，让我学会了欣赏那些在传统审美中略显“刺耳”的现代作品。

评分☆☆☆☆☆

这本书的语言风格，如果用一个词来形容，那就是“克制而精准”。它没有那种过度热情的鼓吹或者故作高深的炫技，完全是以一种严谨的学者姿态，将最复杂的概念以最简洁的语言呈现出来。我特别欣赏作者在处理一些规范性内容时的态度。比如，关于记谱法的标准，作者清晰地列举了不同的记谱习惯，并指明了在现代音乐研究中最常用的规范，这种对细节的把握，体现了作者深厚的专业素养。最让我觉得物超所值的是附赠的练习册部分（虽然在实体书里是内嵌的，但其独立性很强）。这些练习题的设计非常有层次感，第一层是基础的听音辨音，第二层是简单的和弦构建，第三层则开始要求分析一些短小的音乐片段的结构，这种步步为营的设计有效地巩固了前文所学的知识。我个人认为，对于自学乐理的人来说，缺乏及时的反馈和练习是非常容易半途而废的，而这本书的练习环节设计得非常人性化，它让你在不知不觉中完成了大量的肌肉记忆训练。我甚至花了一个下午的时间，仅仅是跟着书中的提示，用钢琴（虽然我钢琴技艺平平）模拟了几个复杂的属七和弦解决过程，那种豁然开朗的感觉，是单纯看文字描述无法体会的。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计得非常简洁，采用了经典的黑白配色，中央是一个抽象的音符图案，给人一种专业且沉稳的感觉。我最先被吸引的是它清晰的目录结构，从最基础的音高、节奏概念讲起，逐步深入到和声进行和曲式分析，这种循序渐进的编排方式，对于一个零基础的音乐爱好者来说简直是福音。特别是关于“十二平均律”的章节，作者没有堆砌晦涩难懂的数学公式，而是通过非常形象的比喻和图示，把原本枯燥的理论讲得如同在听一场精彩的讲座。我记得有一个小节专门讲解了不同调式之间的情感差异，比如大调的明朗和弗里吉亚调式的神秘感，作者的文字功底极佳，读起来完全没有枯燥的教条感，反而像是一位经验丰富的老师在耳边娓娓道来，让人茅塞顿开。即便是涉及到一些复杂的对位法概念，作者也巧妙地结合了巴赫作品的实例进行剖析，使得理论不再是悬浮在空中的概念，而是真正能落地到实际音乐欣赏中的工具。这本书的排版也十分考究，留白得当，字体大小适中，即便是长时间阅读也不会感到视觉疲劳，看得出来出版方在细节上是下足了功夫的。这本书让我对音乐的内在逻辑有了一个全新的认识，极大地提升了我听音乐时的深度和广度。