钢琴基础：2 音乐 书籍 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 蔚蓝书店

出版社： 西北大学出版社

ISBN：9787560441085

商品编码：29727476216

商品基本信息，请以下列介绍为准
商品名称：	钢琴基础：2 音乐 书籍
作者：	宁静 主
定价：	45.0
出版社：	西北大学出版社
出版日期：
ISBN：	9787560441085
印次：
版次：	1
装帧：	平装-胶订
开本：	16开

内容简介

本套教材的编写团队具有多年的一线教学经验，在充分了解学前教育专业钢琴教学实际情况的基础上，参考多种钢琴教材，浏览了大量钢琴曲谱，从中挑选出适合学前教育专业学生学习的曲目，并根据专业特点进行分类和调整，从教学需求出发加以改编，编写了这套能够满足学前教育专业钢琴教学需要的教材。教材分为两册，主要包括钢琴基础知识、主体课程和附录等内容：钢琴基础知识包括钢琴键盘图、简单乐理知识和手型图等；主体课程分为六个单元，每个单元都包括基本练习、练习曲和乐曲，其中的乐曲又包含独奏曲和幼儿伴奏曲两种；附录部分收录了难度略高的独奏曲和四手联弹曲。本书为第2册，包括单元五、单元六和附录。

好的，这是一份针对不包含《钢琴基础：2 音乐 书籍》这一特定内容的图书简介草稿，旨在提供一个详尽、专业且自然的叙述，字数约为1500字。 图书名称：[此处应为实际不含所述钢琴教材的图书名称，为行文方便，暂以“宏观叙事：二十世纪后半叶的艺术思潮与社会变迁”为例] 简介：穿越历史的迷雾，洞察变革的核心 本书《宏观叙事：二十世纪后半叶的艺术思潮与社会变迁》并非侧重于任何特定乐器技巧的教程，更不涉及对《钢琴基础：2 音乐 书籍》中所涵盖的具体钢琴演奏法、乐理入门或特定练习曲目的讲解。相反，它是一部深度聚焦于1945年至2000年间，全球范围内艺术哲学、美学观念与社会结构深刻互动的历史性研究与批判性评论合集。 本书的撰写目标在于，为读者提供一个广阔的、跨学科的视角，用以理解二战后人类文明在思想、物质与精神层面所经历的剧烈转型。我们摒弃了琐碎的事件罗列，转而深入探究那些塑造了我们当代文化景观的底层逻辑与核心驱动力。 第一部分：战后重建与现代性的黄昏（1945-1968） 本部分首先考察了二战结束后，欧洲与北美在“重建”名义下的文化心理张力。这不是简单的物质修复，而是对“进步”概念的根本性质疑。 1. 存在主义的余晖与符号学的崛起： 详细剖析了萨特、加缪等哲学家的思想如何从对个体自由的强调，逐渐转向对技术异化和社会疏离的批判。在此背景下，我们探讨了早期结构主义，特别是索绪尔的语言学思想，如何被罗兰·巴特等引入对流行文化和大众媒介的解读中，标志着对传统意义的解构的开始。这与音乐领域中，例如十二音体系或偶然音乐对传统调性的冲击，形成了微妙的呼应，但本书不深入探讨这些音乐理论的具体技术细节。 2. 抽象表现主义与冷战的焦虑： 我们分析了波洛克和罗斯科等艺术家的创作，将其置于冷战初期意识形态对抗的宏大叙事之下。艺术不再是美的再现，而是内在心理冲突的外化。书中有专门章节论述了这种“非具象性”如何反映了政治不确定性下，知识分子对清晰定义的逃避与反抗。 3. 电影的自觉与“作者论”的建立： 本部分重点分析了意大利新现实主义的衰退，以及法国新浪潮的兴起。我们考察了特吕弗、戈达尔等人如何通过打乱叙事时空、引入画外音和即兴表演，挑战好莱坞式的叙事规范。这些手法，是艺术领域对既有权威（包括僵化的学院派审美）进行系统性颠覆的清晰例证，其核心在于对“作者”主体性的重建，而非对音乐伴奏或表演技巧的指导。 第二部分：激进的年代与后现代的序曲（1968-1980） 这一时期充满了社会运动与文化爆发，本书将重点置于艺术如何从精英阶层走向更广阔的公共领域，以及随之而来的美学边界的模糊化。 1. 波普艺术的讽刺与消费主义的内爆： 安迪·沃霍尔的作品被视为理解资本主义晚期图像生产机制的关键。本书深入分析了波普艺术对“原创性”概念的消解，以及其在艺术与商业之间游走的复杂性。我们关注的是其社会学意义和哲学意涵，而非其绘画技法或色彩理论。 2. 极简主义与观念艺术的转向： 本章对比了唐纳德·贾德（Donald Judd）对物体本质的回归，与约瑟夫·科苏斯（Joseph Kosuth）对“艺术即观念”的宣告。这种转向标志着艺术的物质性（如媒介、形式）的重要性被知识性（如文本、语境）所取代。这与任何对具体乐器（如钢琴）的物理操作或练习手册的关注点是截然不同的。 3. 建筑中的解构：从功能主义到符号的瓦解： 我们考察了后现代建筑师如何开始在设计中故意引入历史元素、矛盾比例和装饰性，以对抗现代主义的单调理性。这反映了社会对“单一真理”的怀疑，以及对多元视角的接纳。 第三部分：数字化前夜的文化碎片化（1980-2000） 随着全球化加速和计算机技术的萌芽，艺术开始应对新的媒介挑战和身份政治的复杂性。 1. 摄影的“后真实”状态： 本部分探讨了辛迪·舍曼等艺术家如何利用模仿、角色扮演和对大众媒体图像的挪用，挑战了摄影作为“真实记录”的传统地位。在这一阶段，图像的生产和复制能力被前所未有地放大，引发了关于真实性与虚构边界的深刻讨论。 2. 身体政治与身份叙事： 我们审视了女权主义艺术、酷儿理论在视觉艺术中的实践，关注艺术家如何利用身体作为政治宣言和抵抗的场域。这关乎社会结构对边缘群体的压抑与反抗，而非任何音乐流派的风格演变或技巧指导。 3. 新媒介与景观的重塑： 最后，本书触及了早期数字艺术和虚拟现实的哲学预演。虽然技术进步是背景，但我们的分析焦点始终是技术如何改变了人类的感知结构和审美体验的“在场性”，而非任何具体软件或硬件的使用手册。 总结： 《宏观叙事：二十世纪后半叶的艺术思潮与社会变迁》是一本旨在提供思想工具，而非操作指南的书籍。它要求读者具备对哲学、社会学和艺术史的基本认知，旨在帮助理解自二战结束以来，人类如何思考、如何创作，以及艺术如何反映并塑造了我们所处的复杂世界。它是一部对宏大历史图景的梳理，与对单一乐器技艺精进的关注点有着本质的区别。本书的价值在于其批判性框架的构建，而非对具体技术（如乐理规则或键盘指法）的传授。

评分☆☆☆☆☆

我是一个成年学习者，时间零碎，而且学习效率相对较低，所以我对教材的“效率”要求很高。这本书的编排设计简直是效率的典范。它采用的“双线并行”学习法非常适合像我这样需要快速掌握核心概念的人。一方面，主线是严谨的理论推导；另一方面，每隔几页就会插入一个“实战演练”小节，这些演练直接对接钢琴键盘上的实际操作，而不是停留在纸面上的符号运算。这种即时反馈机制极大地提高了我的学习吸收率。我不用等到学完一整章厚厚的理论，才能动手去验证，而是每学到一个新概念，马上就能在琴上找到它的“体感”。而且，它的排版对深色模式用户也十分友好，对比度适中，长时间阅读眼睛也不会感到特别疲劳。在讲解节奏和节拍时，它引入了一些非常实用的视唱练耳小练习，这些小练习虽然简单，但对于提高读谱速度和准确性立竿见影。总而言之，如果你的目标是快速、高效地将理论知识转化为演奏技能，这本书的结构布局无疑是经过精心优化的。

评分☆☆☆☆☆

这本书在处理基础乐理概念的层次感上，展现了极高的教学智慧。它没有将所有知识点一锅烩，而是非常精妙地将内容划分成了“必须知道的基础脉络”、“进阶理解的色彩变化”和“实际应用技巧”三大块，并且通过不同字体的加粗和缩进清晰地区分开来。对于我这种比较注重逻辑梳理的人来说，这种结构简直是福音。它引导你先建立一个坚固的“骨架”，然后再往上添“血肉”。我特别欣赏它在讲解旋律写作时，是如何将节奏、音高和动机发展这三个元素有机结合起来的。它不是孤立地讨论每一个要素，而是反复强调它们之间的相互作用力，这使得我对“如何写出一段像样的旋律”有了一个具象化的认知框架。书中的许多图示，特别是关于声部进行的箭头标记和和弦连接的视觉引导，都极其精准，避免了许多因误解而产生的练习偏差。这本书的价值，在于它教会了我们如何“思考”音乐，而不是仅仅“记住”音乐的规则。它让我从一个纯粹的演奏者，开始向一个更具分析能力的音乐学习者转变。

评分☆☆☆☆☆

坦率地说，市面上很多音乐理论书都像一本严肃的学术论文集，让人望而却步。但这本书的独特魅力在于它的“人文关怀”。作者似乎非常理解学习者在面对枯燥规则时的挫败感，所以他在关键的转折点会穿插一些关于音乐史和作曲家如何运用这些规则的简短轶事。比如，在讲解调式转换时，他会引用巴赫或莫扎特的作品片段，用一种非常生动的方式解释为什么当时的音乐家会选择这种“不和谐”的进行。这让原本冰冷的规则立刻有了“生命力”和“历史厚重感”。我发现自己不再只是被动地记忆“C大调的属音是G”，而是开始好奇“为什么是G，它在当时的音乐语境中承担了什么角色”。这种由点到面的思考方式，让学习过程充满了探索的乐趣。此外，书籍的装帧质量也相当不错，纸张厚实，不易反光，这对于经常需要在乐谱和书本之间来回翻阅的演奏者来说，是一个非常贴心的细节。这本书不仅是知识的传授，更是一种艺术审美的启蒙。

评分☆☆☆☆☆

老实说，我本来对这种“基础”的书不抱太大希望，总觉得无非是把老掉牙的知识点翻来覆去地嚼。然而，这本书的视角竟然相当独特和现代。它在处理传统乐理概念时，并没有完全陷入古典主义的窠臼，而是巧妙地穿插了一些近现代音乐的和声色彩分析，这一点让我这个喜欢爵士乐和电影配乐的读者感到惊喜。它没有浪费篇幅去死扣那些历史轶事，而是直奔主题——如何运用这些基础知识去分析和创造更丰富的听觉体验。作者对“功能和声”的阐述尤其深刻，他不仅仅告诉你属七和弦解决到主和弦是“约定俗成”，更是深入剖析了其背后的声学张力与释放的心理感受。更让我印象深刻的是，书中对配器法基础的涉及也恰到好处，虽然不是专门的配器教材，但它会告诉你某个和弦在不同声部进行时，听感上的细微差异，这对于理解“配器即是和声的实现”至关重要。这本书真正做到了“取其精华，去其糟粕”，用最精炼的文字，撬动了最深层的音乐理解力。它不是一本让你用来“应付考试”的书，而是一本让你真正“学会听”的书。

评分☆☆☆☆☆

这本乐理入门书简直是为我这种零基础小白量身定制的！翻开第一页，我就被它清晰的图文排版吸引住了。作者似乎深知初学者的困惑点在哪里，讲解和声进行的逻辑清晰得让人拍案叫绝，完全没有那些故弄玄虚的术语堆砌。它不像我之前看过的某些教材，上来就是一堆枯燥的定义，读起来像在啃石头。这本书的语言风格非常亲切自然，仿佛是一位经验丰富的老教授在你耳边循循善诱。比如，讲解到音程关系时，它不是简单地告诉你“大三度”是什么，而是会用一些生活化的比喻来描述音高之间的“距离感”和“色彩感”，这一点对我建立听觉和理论的联系起到了至关重要的作用。而且，书中的练习曲选择也十分巧妙，难度梯度设计得非常合理，从最基础的五线谱识读，到简单的节奏型模仿，每完成一个小章节，都能带来即时的成就感，这极大地激发了我继续钻研下去的动力。我尤其喜欢它在介绍基础曲式结构时采用的“模块化”讲解方式，让我能很快地理解一个乐曲是如何搭建起来的，而不是迷失在复杂的结构图里。对于任何想正儿八经开始学习音乐理论的人来说，这本绝对是架在入门和精通之间最稳固的一座桥梁。