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店铺： 青草书店专营店

出版社： 安徽文艺出版社

ISBN：9787539660134

商品编码：29723096336

商品基本信息，请以下列介绍为准
商品名称：	节奏应用 音乐 书籍
作者：	潘永峰编著
定价：	45.0
出版社：	安徽文艺出版社
出版日期：	2018-04-01
ISBN：	9787539660134
印次：
版次：
装帧：
开本：	16开

内容简介

本书系“流行音乐理论丛书”中的一本，全书从节奏的形态认知、训练方法及模式变化、乐曲分析及听写、实际应用与创作练习入手，具体讲解节奏及其应用，以便学习者能够更好地理论结合实践进行作，具有很强的实用性。

好的，这是一份关于一本名为《节奏应用：音乐的脉动与结构》的图书的详细简介，内容完全聚焦于该书所涵盖的领域，而不涉及任何可能暗示其为AI生成或与原书名产生混淆的内容。 --- 《节奏应用：音乐的脉动与结构》图书简介 一部深入解析音乐时间维度的开创性著作 《节奏应用：音乐的脉动与结构》并非一本简单的音乐理论入门手册，而是一部旨在揭示音乐时间组织核心机制的深度探究。本书将读者从对基本节拍的肤浅认知，引导至对复杂韵律模式、时值演变以及其在不同音乐文化中功能作用的全面理解。它为音乐家、作曲家、音乐学者以及所有对声音的组织形式抱有浓厚兴趣的听众，提供了一个清晰而富有洞察力的框架，用以理解“时间”如何在音乐的织体中被雕刻、计量和赋予情感。 第一部分：节奏的基石——计量与脉动 本书的开篇聚焦于节奏的物质基础——时间计量系统。我们首先探讨了节拍（Beat）的本质，区分了其作为物理感知（心跳、步伐）与抽象概念（音乐中的持续时间单位）的双重身份。 一、 节拍的物理学与感知心理学： 详细分析了人类对等时性（Isochrony）的内在倾向，以及这种倾向如何被用来构建音乐结构。引入了“潜藏节拍”（Subdivision）和“倍增节拍”（Multiplication）的概念，阐述了听众如何在大脑中自动预测下一个重音点。 二、 拍号系统的解构： 对传统西方音乐中的拍号（Time Signature）进行了细致的分类和剖析。从最基础的2/4、3/4、4/4，到复杂的复合拍号（如5/8, 7/4），再到混合拍号（Mixed Meter）的构建逻辑。重点讨论了拍号如何不仅仅是数学分数，更是对音乐“呼吸”方式的规范和引导。 三、 重音与律动（Accent and Groove）： 节奏的生命力来源于重音的错位与强调。本部分深入探讨了重音（Accent）的类型——力度重音、时值重音、音高重音——以及它们如何共同创造出律动感（Groove）。我们考察了“推”（Push）与“拉”（Pull）的张力，以及在爵士乐、放克（Funk）和拉丁音乐中，对常规强弱模式的巧妙颠覆是如何形成独特风格的。 第二部分：时值的复杂编织——节奏型态与装饰 在稳固了基本节拍的理解后，本书将焦点转向时间单位的内部结构，即时值（Duration）的实际应用与交织。 一、 细分与附点： 系统梳理了八分音符、十六分音符及其更小单位的划分规则。专门辟章探讨了附点（Dot）在延长和缩短音符时值中所扮演的角色，以及如何利用附点来制造节奏的非对称美感。 二、 复节奏与复调的交响： 这是本书最具挑战性也最富启发性的章节之一。我们详细研究了复节奏（Polyrhythm）的构建，例如经典的2对3、3对4，乃至更复杂的比例关系。通过图示和实例分析，读者将学会如何清晰地“看见”不同层级节奏的重叠与互动，理解它们如何为音乐增添密度和运动感。 三、 节奏的装饰技巧： 探讨了音乐家如何通过微调来丰富节奏的表现力。这包括： 休止符（Rests）的策略性使用： 休止符不只是沉默，它们是构建悬念和清晰度的关键元素。 切分音（Syncopation）的艺术： 剖析切分音如何打破常规预期，创造出动态的“不平衡”，这是许多现代音乐风格的标志。 装饰音与节奏的微观调整： 在古典演奏中，诸如颤音、回音等装饰音在微观层面上对时间流动的影响。 第三部分：跨文化视野下的节奏哲学 节奏的表达是深深植根于文化土壤之中的。《节奏应用》致力于拓展读者的视野，超越欧洲中心主义的视角，探索全球音乐中独特的节奏哲学。 一、 非洲节奏的循环思维： 深入分析了西非鼓乐中常见的循环结构（Cyclic Structure）。不同于线性推进的西方音乐，循环节奏强调持续性和群体互动，探讨了“时间感”在这些文化中如何体现为永恒的、而非终结性的体验。特别关注了“时间层级”（Layering of Time）的原则。 二、 印度古典音乐中的“塔拉”： 详细介绍了印度音乐中复杂的塔拉（Tala）系统，它是一种比传统拍号更具弹性的节奏框架，包含精确的拍数、子分组以及“卡利”（Khali，空拍/弱拍）的概念。理解塔拉，即是理解一种对时间和能量流动的精妙控制。 三、 当代电子音乐与算法节奏： 考察了现代技术对节奏概念的冲击。从早期鼓机的固定步进，到现代DAW（数字音频工作站）中对网格（Grid）的精确操控，再到算法生成复杂非人类节奏的潜力，分析了电子音乐中“完美精确”的节奏与人类演奏中的“弹性律动”之间的张力与融合。 第四部分：作曲与编配中的节奏应用 本书的最终目标是将理论转化为实践。本部分为作曲家提供了将节奏作为核心叙事工具的方法论。 一、 节奏的动机与发展： 探讨如何将一个简单的节奏单元（Motif）作为种子，通过拉伸、压缩、移位、逆行等手法，发展成整个乐章的结构骨架。分析了从巴赫赋格到斯特拉文斯基的“野蛮”节奏转变中，节奏动机扮演的关键角色。 二、 节奏织体（Rhythmic Texture）： 讲解如何通过控制不同声部间节奏密度的变化来塑造音乐的“动态海拔”。高密度的节奏交织带来紧张感，而稀疏的布局则带来空间感和呼吸感。 三、 节奏在情感叙事中的功能： 总结了节奏如何直接影响听众的情绪反应——快速、均匀的节奏通常引发兴奋或焦虑；缓慢、不规则的节奏则引导沉思或不安。本书提供了工具，让创作者能够有意识地“设计”听众的时间感知体验。 --- 《节奏应用：音乐的脉动与结构》是一本致力于拓宽读者对音乐时间处理极限的参考书。它要求读者不仅要学会“听见”节奏，更要学会“思考”节奏，理解它是音乐中最基本、也最精妙的组织力量。通过对跨文化案例和现代实践的详尽考察，本书确保读者能够掌握在任何音乐语境下驾驭时间的能力。

评分☆☆☆☆☆

我一直以为“节奏”是个非常客观、冰冷的概念，纯粹依赖于数学和物理上的精确性。直到读了这本书，我才明白节奏的“人性化”一面是多么重要。《节奏应用 音乐 书籍》在这方面做得非常出色，它用了很多篇幅来讨论“摇摆”（Swing）和“推/拉”（Push/Pull）这些看似主观的元素。作者没有把摇摆简单地定义为“三连音的后半拍延迟”，而是把它置于文化和情感的语境下进行分析，比如不同爵士乐派系中摇摆感觉的细微差别，以及它如何与演奏者的个人情绪产生共鸣。阅读这些章节时，我仿佛能听到作者在身后轻轻哼唱着那些微妙的时间差，引导我去感受那种微妙的“松弛”与“紧张”。书中通过对比不同的录音版本（比如同一首曲子由不同乐队演奏时的节奏处理），来直观地展示这种“人性化”的弹性是如何赋予音乐生命力的。这本书让我意识到，音乐的魅力往往就藏在那些不完全“正确”的微小偏差中，这对于追求机械完美的电子音乐制作人来说，是一个非常宝贵的提醒。它教你如何掌握节奏的“人性化火候”。

评分☆☆☆☆☆

老实说，我买这本书的时候是抱着一种“试试看”的心态，因为市面上关于音乐节奏的书籍实在太多了，大部分都流于表面或者过于学术化。但《节奏应用 音乐 书籍》在应用层面的深度挖掘，让我感到非常惊喜和实用。它没有过多纠缠于古典音乐中的复杂对位或巴洛克时期的细微差别，而是聚焦于当代音乐制作和即兴演奏中的实际需求。书中关于“节奏模式的分解与重构”那几章，简直是实战手册。作者详细拆解了Funk、Afrobeat乃至Dubstep中那些令人着迷的律动是如何构建起来的，他不仅告诉你“是什么”，更重要的是告诉你“为什么”以及“如何模仿和创新”。我根据书中的指引，尝试着将一个复杂的拉丁节奏型进行碎片化处理，然后用自己的乐器重新组合，效果出乎意料地好，极大地拓宽了我编曲的思路。对于已经有一定基础，但感觉自己编曲或即兴总是“平淡无奇”的乐手来说，这本书提供了一个全新的、更具实验性和创造性的视角。它鼓励你打破既有的框架，去探索节奏作为一种独立表达语言的可能性。这绝对不是一本可以快速浏览的书，你需要带着你的乐器、你的DAW，一点一滴地去实践和体会其中的精妙。

评分☆☆☆☆☆

这本《节奏应用 音乐 书籍》真是让我耳目一新，完全没有我想象中的那种枯燥的理论堆砌。我原本以为它会是一本老生常谈的乐理教材，充斥着复杂的拍号、小节线和时值分析，但翻开它之后才发现，作者的切入点非常接地气。开篇就用一系列生动的案例解析了日常生活中无处不在的“节奏”——从走路的步频到呼吸的韵律，再到城市交通的起伏，仿佛瞬间打通了我对音乐节奏的感知盲区。书中大量使用了图示和比喻，比如将复杂的复节奏比作交织的藤蔓，将切分音比作出乎意料的惊喜停顿，这种描述方式极大地降低了学习的门槛。我尤其欣赏作者在讲解“律动感”时所下的功夫，他没有停留在机械的节拍器训练上，而是深入探讨了人体的运动、情感的波动如何塑造出我们内在的节奏感。这不仅仅是一本关于“如何打出正确的节奏”的书，更是一本关于“如何用身体去感受和创造节奏”的指南。对于那些自认为节奏感不佳的初学者来说，这本书简直是救星，它用一种充满生命力和感染力的方式，让你重新认识并爱上节奏这个音乐的基石。我感觉自己不再是单纯地“数拍子”，而是开始“呼吸节奏”了。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版和视觉呈现也是一大亮点，这对于一本偏向“应用”的书籍来说至关重要。我通常不喜欢读那些图表密密麻麻的教材，但《节奏应用 音乐 书籍》在视觉设计上非常用心。它使用了大量的定制化图形，而不是简单的五线谱或标准打击乐谱。比如，在讲解多重节奏（Polyrhythms）时，作者用颜色和叠加的几何图形来形象化地展示不同节拍交织产生的视觉冲突与和谐，这比纯文字描述要直观一万倍。我甚至发现，即使我只是随便翻阅，那些精心设计的图示也能在我的脑海中留下一些关于节奏关系的印象。更值得一提的是，书的最后附带的学习资源链接（虽然我没有全部体验，但光是目录就令人期待），似乎提供了配套的音频演示文件。对于我们这些主要依靠听觉学习的音乐人来说，这种“阅读+聆听”的结合模式，是检验和巩固节奏理解的最高效方式。这本书不只是纸上的知识，它似乎自带了一个微型的、可互动的节奏实验室。

评分☆☆☆☆☆

我接触过不少关于节奏训练的教材，它们往往聚焦于单一乐器或风格，导致我的知识结构非常片面。《节奏应用 音乐 书籍》的博采众长，让我看到了一个更宏大、更具全球视角的节奏图景。书中对于世界各地的传统打击乐节奏——比如西非的加纳节奏、古巴的蒂姆巴（Timba）以及印度的塔布拉节奏——进行了简明扼要但又深入核心的介绍。更妙的是，作者没有把这些异域节奏当作纯粹的“知识点”来罗列，而是着重分析了它们在各自文化背景下的功能性，比如它们如何配合舞蹈、如何用于宗教仪式，以及它们的核心律动单元是什么。这使得学习过程充满了探索的乐趣，我感觉自己像是在进行一场跨文化的音乐田野考察。这种跨界融合的能力，极大地提升了我作为现代音乐人对节奏的包容性和创造力，它让我明白，一个优秀的节奏应用者，必须拥有开阔的听觉视野。这本书真正做到了“应用”二字，它不只是教你技巧，更是在培养你成为一个具有全球化节奏思维的音乐人。