卡尔·阿尔伯特·莱施霍恩:进阶钢琴练习曲18Op.67:18 Etudes For pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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出版社： 上海教育出版社

ISBN：9787544477406

商品编码：29721481379

商品基本信息，请以下列介绍为准
商品名称：	卡尔·阿尔伯特·莱施霍恩:进阶钢琴练习曲18Op.67:18 Etudes For
作者：	陈学元
定价：	42.0
出版社：	上海教育出版社
出版日期：	2018-03-01
ISBN：	9787544477406
印次：	1
版次：	1
装帧：	平装
开本：	8开

内容简介

这本练习曲其程度大致相当于车尔尼作品299到作品740。此次出版的《莱施霍恩不错进阶钢琴练习曲18：作品67》)编订时陈学元修改了该版中的部分错误。本书的18练习曲分别针对不同的技术要点进行了专项训练，富有旋律感。

好的，这是一份围绕“卡尔·阿尔伯特·莱施霍恩:进阶钢琴练习曲18Op.67:18 Etudes For”这个标题，但内容完全不涉及该练习曲集的图书简介： --- 探索二十世纪早期欧洲的音乐生活与思潮：从维也纳的咖啡馆到巴黎的沙龙 一部深度考察1900年至1930年间欧洲大陆音乐文化生态的专著 导言：一个巨变的时代背景 本书旨在深入剖析二十世纪前三十年，即“美好年代”的黄昏与两次世界大战阴影下的欧洲音乐景观。这是一个技术飞速发展、社会结构经历剧变，同时艺术思潮以前所未有的速度迭代的时期。古典音乐不再是贵族和宫廷的专属，它走进了音乐厅、咖啡馆，乃至新兴的录音室。 我们聚焦的地理核心是中欧的文化动脉——维也纳、柏林，以及西欧的艺术之都巴黎。这些城市不仅是音乐家和作曲家汇聚的熔炉，更是新旧观念激烈碰撞的前沿阵地。本书将超越对具体作品的纯粹分析，转而探究在技术进步、政治动荡和哲学转向的宏大叙事下，音乐是如何被创作、传播、接受和被遗忘的。 第一部分：维也纳的终结与新声音的萌芽（1900–1918） 1.1 世纪之交的文化遗产与焦虑 维也纳，作为十九世纪浪漫主义的最后堡垒，在进入新世纪时，却充满了深刻的焦虑感。本书将首先考察这种“末世情结”是如何渗透到音乐创作中的。我们分析了马勒（Mahler）晚期作品中对宏大叙事解构的尝试，以及施特劳斯（Strauss）在调性边界上进行的探索。 重点章节将讨论那些在德奥体系内徘徊，寻求突破却又难以割舍传统的“中间一代”作曲家。他们面对的是一个既需要创新又恐惧彻底决裂的矛盾处境。 1.2 调性革命的先驱：席勒与肖恩堡的早期影响 本部分将详尽梳理阿诺德·勋伯格（Arnold Schoenberg）在形式和和声上迈出关键性步伐的阶段。我们考察了其在私人教学和小型室内乐团中的实践，分析了《晴朗的一夜》（Verklärte Nacht）所引起的保守派的抵触，并探讨了这些早期探索是如何为日后十二音体系的诞生埋下伏笔。 同时，我们也将目光投向了那些在和声模糊化方面做出贡献，但最终并未完全步入无调性领域的作曲家，如早期的信德和魏本的早期作品，他们的“半途而废”反而构成了对既有秩序的有力质疑。 1.3 歌剧院的政治化：从理查·施特劳斯到民族主义的张力 歌剧院在德语区不仅仅是艺术场所，更是民族认同和政治风向标的竞技场。本书分析了如何通过歌剧剧本的选择、审查制度的松紧，来观察和衡量帝国的文化控制力。这部分内容着重于对新兴剧作家的分析，他们如何以古典神话或民间故事为载体，暗中表达对现有体制的疏离感。 第二部分：巴黎的“声音解放”与印象主义的扩展（1900–1925） 2.1 印象的捕捉与色彩的运用 巴黎作为对德奥体系持批判态度的艺术中心，其音乐风格呈现出截然不同的面貌。本书细致考察了德彪西（Debussy）对音乐“质感”和“氛围”的追求，尤其关注他如何从日本浮世绘、象征主义诗歌以及自然现象中汲取灵感，构建出一种听觉上的“光影变幻”。 我们不仅仅重述其著名作品，而是深入分析其配器技巧的创新——特别是对木管乐器和打击乐的精妙使用，这些创新极大地拓展了传统管弦乐队的表现力边界。 2.2 新古典主义的萌芽与对“过度情感化”的抗拒 随着“美好年代”的虚幻感被战争打破，巴黎的音乐家们开始寻求一种更清晰、更注重形式的表达方式。这构成了新古典主义思潮的开端。本书探讨了拉威尔（Ravel）如何在继承法国浪漫主义传统的同时，融入对巴赫和莫扎特时期清晰结构的回溯，以及他对节奏的革新性处理，使其作品既有现代的锐利感，又不失优雅的骨架。 第三部分：战后欧洲的重塑与国际影响（1918–1930） 3.1 东方主义、爵士乐与跨文化对话 一战后，欧洲对异域文化的接受度空前高涨。爵士乐（Jazz）作为一种新兴的、充满活力的节奏形式，开始渗透到欧洲的严肃音乐创作中。本书记录了巴黎的“爵士热”，分析了作曲家如何将切分音、不协和和弦以及摇摆节奏“古典化”，融入到他们的交响诗或芭蕾音乐中。 同时，我们考察了对俄国“五人团”和斯特拉文斯基的早期作品中“原始主义”（Primitivism）的借鉴，这些外部影响如何共同推动了欧洲音乐摆脱其十九世纪的桎梏。 3.2 录音技术与音乐传播的革命 在本书研究的这段时间，留声机和广播开始进入寻常百姓家。我们探讨了技术革新对音乐接受度的影响： 演奏实践的标准化： 录音迫使演奏家开始追求更精准的节奏和更统一的诠释，这在某种程度上削弱了即兴创作的空间，但也提升了作品复杂性的再现能力。 作曲家的自我认知： 作曲家第一次有机会听到自己的作品以“客观”的形式留存下来，这对他们的自我批评和后续创作产生了微妙的反馈作用。 3.3 音乐教育的范式转变 最后，本书关注了音乐教育体系在战后如何应对新的创作趋势。传统的“和声学”和“对位法”教学面临挑战，新的音乐语汇如何被纳入学院体系，以及那些拒绝接受新潮的保守派教师和学派所采取的抵制策略。这一转变是理解后继二十世纪下半叶音乐发展的基础。 结语：在断裂与延续之间 二十世纪的第一个三十年，是欧洲音乐史上一次剧烈的“断裂”。本书力图展现，这种断裂并非凭空出现，而是建立在对十九世纪晚期复杂思潮的继承、反思与最终的决裂之上。通过对特定时间、特定地点的文化环境的细致描绘，我们得以更清晰地理解，那些今天被奉为经典的现代音乐作品，是如何在那个动荡而充满创造力的时代中，挣扎着走向成熟的。 ---

评分☆☆☆☆☆

我是一个非常注重“版本”和“演奏传统”的钢琴学习者。在选择教材时，我会花大量时间去研究不同版本间的细微差别，以及演奏大师们是如何处理特定段落的。对于莱施霍恩的作品，这本《18首进阶练习曲》最棒的地方在于，它提供了一个非常扎实、几乎不可动摇的“基础框架”。它不像那些过于前卫的二十世纪练习曲那样充满不确定性，也不像早期古典练习曲那样在某些方面略显单薄。它提供的是一种非常成熟、符合声学原理的“如何把声音从钢琴里完美提取出来”的方案。我花了很长时间去研究那些被标记为“速度与精准度”的段落，我发现作曲家对力度变化的标记（从pp到ff之间的过渡）是极其细致入微的。这迫使我必须重新审视我的触键方式——从指尖到指根的每一个肌肉群的参与度。最终的效果是，不仅我的技术得到了提升，我的音乐理解力也得到了一个侧面的深化，因为它教会我，最伟大的技术表达，往往源于最微小的力度控制。这本书是工具书，但更是艺术的入门指南。

评分☆☆☆☆☆

这本《进阶钢琴练习曲18首，作品67》简直是为我这种正处于技术瓶颈期的中高级学习者量身定做的“救星”。我之前总觉得自己的手指在某些快速跑动和复杂的和弦转换上像是被什么无形的力量束缚住了，速度上不去，清晰度也总是有欠缺。翻开这本厚厚的乐谱，第一印象就是排版非常清晰，虽然是德文原版印刷的注释（我买的是进口版），但音符本身的处理就足够直观。莱施霍恩这位作曲家，他的思考角度非常巧妙，不像某些练习曲那样只是机械地重复某种技巧，而是将技术难点巧妙地编织在非常具有音乐性和歌唱性的旋律线条中。特别是其中几首探讨八度连续跳跃的曲子，以前我一遇到八度就紧张，感觉手腕要僵住，但读谱时发现他给出的指法建议非常人性化，强调了放松和重心转移，而不是一味地“用力压”。我目前正在攻克第十二首，那段连续的三连音十六分音符的对位练习，简直是对手指独立性和耐力的终极考验。每次练习完都感觉手指像是跑完了一场马拉松，酸痛却又带着一种“突破自我”的成就感。这本书的价值绝不仅仅在于技术训练，更在于它引导你如何带着音乐性去解决技术问题，避免了枯燥的机械重复，让人真正沉浸在对音乐的打磨之中。

评分☆☆☆☆☆

这本书带给我的最大心理感受是一种“沉浸式的孤独感”，当然，这里的“孤独”是正面的，指的是一种高度专注的、与自我技艺对话的状态。我发现，当你真正进入这些练习曲的内在逻辑时，周围的世界似乎都安静了，只剩下你和琴键之间那场精密的较量。例如，有一首专门针对快速双音和三度进行进行训练的练习，它要求你的双臂必须达到一种近乎冥想般的同步状态，任何一丝犹豫或紧张都会立刻暴露无遗。我发现自己练习的时候，会不自觉地将速度放慢，不是为了偷懒，而是为了体会每一次音符的“重量”和“衔接”。这种深度的专注训练，对于改善演奏中的“慌乱感”极为有效。现在我面对高难度曲目时，那种生理性的恐慌感减少了很多，取而代之的是一种对结构和节奏的内在把握。这本练习曲，与其说是在教你弹奏技巧，不如说是在重塑你对“掌控”乐器的神经连接。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，我最初购买这本练习曲，是冲着“Op.67”这个编号去的，希望能找到一些相对冷门的、但学术价值很高的曲目来充实我的曲库。然而，我的期望值被这本书的“实用性”远远超越了。市面上很多“进阶”练习曲，要么难度跨度太大，要么风格过于单一，让人很难找到持续练习的动力。莱施霍恩的作品则展现出一种惊人的平衡性。这十八首曲子，从技术涵盖面上看，几乎囊括了浪漫主义晚期到二十世纪初对钢琴演奏家提出的所有核心挑战：快速的音阶和琶音、复杂的节奏型、双手的交叉与独立、以及对踏板的精确控制。最让我印象深刻的是，他没有采用那种德奥体系里常见的严谨到近乎教条的结构，而是用一种更自由、更抒情的笔触来包装这些技巧。这意味着，在完成艰苦训练的同时，我完全可以把它当作小型音乐会曲目来准备。我的老师也高度赞扬了这一点，认为它能很好地衔接巴赫和更现代的李斯特/拉赫玛尼诺夫之间的技术鸿沟。

评分☆☆☆☆☆

我给《卡尔·阿尔伯特·莱施霍恩:进阶钢琴练习曲18首，作品67》打五星，纯粹是因为它成功地拓宽了我对钢琴演奏中“声部平衡”的理解。我过去常犯的错误是，总是不自觉地把右手旋律弹得太响，而左手的伴奏或者内声部总是显得苍白无力，或者干脆被右手完全掩盖。莱施霍恩的这套练习曲，尤其是中间几首涉及大量复杂复调结构的练习，简直是一堂堂生动的“声部雕刻课”。他似乎总是将一个技术难题隐藏在一个需要清晰划分不同力度的声部结构里。比如有一首练习，左手需要同时处理分解和弦的低音、中声部的和声填充，以及偶尔探出头来的对旋律的呼应，如果处理不好，听起来就是一团浆糊。我用了将近一周时间，专门练习如何用不同的触键深度和重量来区分这些声部，效果立竿见影。现在我再弹奏肖邦或舒曼的作品时，突然之间，那些原本模糊不清的内声部线条开始清晰地浮现出来了，像是雾气散开，整个音乐的立体感瞬间增强了。这本书不只是让你弹快，它让你弹“清楚”，让你听到音乐中每一个细微的层次变化。