车尔尼钢琴流畅练习曲：作品849 音乐 书籍 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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出版社： 北京联合出版公司

ISBN：9787559614407

商品编码：29658351890

商品基本信息，请以下列介绍为准
商品名称：	车尔尼钢琴流畅练习曲：作品849 音乐 书籍
作者：	(奥)车尔尼著
定价：	26.0
出版社：	北京联合出版公司
出版日期：
ISBN：	9787559614407
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开本：	大16开

内容简介

作品849被称为流畅练习曲，是弹钢琴学生从初级进入中级学习阶段一本不可少的重要教材。当学生较正规地学习了“汤普森现代钢琴教程”或“拜厄钢琴基本教程”、“车尔尼初级钢琴教程599”以后，为了进一步提高各种技术和技能，进一步学习不同的触键方法，就可以接着学习这本

音乐殿堂的阶梯：《车尔尼钢琴流畅练习曲：作品849》之外的钢琴学习之旅 钢琴学习是一场漫长而精妙的旅程，它需要的不仅仅是技巧的磨练，更是对音乐深刻的理解和情感的表达。当我们谈论技术性的练习曲时，卡尔·车尔尼的《作品849》（通常指《钢琴流畅练习曲》）无疑是里程碑式的存在，它为无数学生搭建了从初级到中级的坚实桥梁。然而，音乐的世界浩瀚无垠，远不止这一套练习曲所能涵盖的范畴。 如果将《作品849》视为攀登技术高峰的一级台阶，那么在这部作品的“周边”，存在着无数同样重要、却风格迥异的音乐材料和学习路径，它们共同构筑了完整的钢琴教育体系。以下，我们将详细探讨在学习《作品849》的同时，或在其前后阶段，有哪些关键的音乐书籍和学习领域是不可或缺的。 --- 一、 基础的奠基石：更早期的技术准备与视奏训练 在达到《作品849》所要求的技术水平之前，学生需要扎实的早期基础。许多优秀的教材专注于培养手指的独立性、音阶的均匀性以及基础的节奏感，这些都是《作品849》能够有效施展的前提。 1. 哈农：《钢琴练指法》（Hanon: The Virtuoso Pianist） 哈农的这部作品，虽然常常被视为与车尔尼并列的“枯燥”练习，但其结构性远超《作品849》中的某些片段化练习。哈农的重点在于绝对的力量、耐力和平均性。它几乎是纯粹的手指机械训练，针对每一个手指的独立发力和平均力度分配进行系统化操练。 区别于《作品849》： 《作品849》通常具有更强的音乐性轮廓，即便在练习曲中也带有旋律和曲式结构。《哈农》则更像是“指法体操”，专注于物理层面的优化，缺乏明确的音乐背景。它为手指的“硬度”和“韧性”打下了基础，这是《作品849》中那些快速跑动和双音练习所依赖的。 2. 布格缪勒：《25首简易而优美的钢琴小品》（Burgmüller: 25 Études faciles et progressives, Op. 100） 这部作品集，常常在学生完成最基础的入门教材（如拜厄）后，作为过渡到《作品849》前的桥梁。《作品100》的价值在于音乐性的植入。 区别于《作品849》： 布格缪勒的练习曲（如《天真的歌唱》、《节奏的练习》）具有清晰的情绪和标题，要求学生在演奏时融入表情，而非单纯的技术堆砌。它的技术难度适中，侧重于特定的音乐效果（如琶音的流畅、和弦的饱满），为学生提供了在技术练习中保持音乐兴趣的绝佳范例。学生在演奏《作品849》时所需要的“音乐感”和“歌唱性”，正是从这些作品中初步培养起来的。 --- 二、 早期奏鸣曲的引入：古典结构的理解 钢琴学习的核心在于理解西方音乐的形式与结构，而古典奏鸣曲正是这一理解的载体。在接触到车尔尼练习曲大量涉及的阿尔贝蒂低音、快速音群和分解和弦时，学生需要有相应的曲目来理解这些技术是如何服务于音乐思想的。 1. 莫扎特与海顿的早期奏鸣曲（如海顿 Hob. XVI/35，莫扎特 K. 545的快板） 这些奏鸣曲的快板乐章，尤其是第一乐章的呈示部，充满了车尔尼练习曲中常见的元素——清晰的乐句划分、对称的结构以及精细的力度变化。 区别于《作品849》： 练习曲是“为技术而技术”，而奏鸣曲则是“技术服务于结构”。学生在演奏莫扎特时，必须学会如何清晰地划分乐句，理解主调与副调的对比，以及如何使用“轻盈”而非“蛮力”来处理音符。这与《作品849》中侧重于“速度”和“力度”的练习是互补的。古典奏鸣曲训练的是线条的清晰度和平衡感。 --- 三、 进阶技术领域的拓展：跨越《作品849》的技术瓶颈 《作品849》主要集中在三指、四指的连贯性、快速的音阶与琶音跑动。然而，更高阶的技巧，如触键的深度、和声的复杂性以及复调织体的处理，需要其他配套的练习曲集。 1. 车尔尼的更高阶作品：《作品740》（华彩练习曲） 如果说《作品849》是中级技术的基石，那么《作品740》则是通往高级演奏的必经之路。 区别于《作品849》： 《作品740》的技术要求更高，它引入了更多复杂的双音、三度和六度音程的快速交替、更复杂的节奏型以及大幅度的跳跃。例如，《作品740》中的一些练习曲开始涉及肖邦练习曲的某些技术要素。它要求演奏者不仅要流畅，还要具备强大的颗粒感和对位处理能力，这超越了《作品849》对“流畅性”的单一要求。 2. 著名的“30首技术练习曲”：伊索拉尔迪（Isidor Philipp） 伊索拉尔迪的这套选集，是专门从巴赫、莫扎特、贝多芬、肖邦等作曲家作品中精选出来的“技术片段”。 区别于《作品849》： 《作品849》是车尔尼本人创作的统一风格练习曲。《伊索拉尔迪选集》则更具文献价值。它让学生直接面对古典与浪漫大师作品中具有代表性的技术难点，比如肖邦的特定琶音指法、贝多芬的重音处理等，确保技术训练是面向实际演奏曲目而展开的。 --- 四、 复调思维的培养：巴赫的严谨对位 钢琴演奏的深度，很大程度上取决于对复调音乐的理解。如果没有巴赫的熏陶，即使手指跑得再快，音乐也可能显得单薄。 1. 巴赫：《平均律键盘曲集》（The Well-Tempered Clavier） 这是所有严肃钢琴学习者绕不开的“圣经”。 区别于《作品849》： 《作品849》通常是单音旋律线配合清晰的伴奏型，而巴赫的《平均律》要求演奏者同时处理两条或多条同等重要的、独立的声部。演奏一首赋格，要求左手不仅要弹奏出低音线条，还要在心中“听到”它是一条独立的旋律线，而非简单的和声支撑。《平均律》训练的是听觉的独立性和声部的平衡性，这是任何纯粹的技巧练习曲都无法完全替代的。 --- 五、 浪漫主义的色彩与踏板运用 进入浪漫主义时期，钢琴音乐对音色的要求达到一个新的高度。踏板（延音）的使用不再只是为了连接音符，而是为了创造音响的融合与色彩。 1. 肖邦练习曲（Op. 10 & Op. 25）：作为终极目标 虽然肖邦练习曲远超《作品849》的难度，但它们是学习如何将流畅技巧转化为歌唱性、戏剧性和色彩感的范例。 区别于《作品849》： 车尔尼练习曲的目标是技术上的“精确”与“流畅”；而肖邦练习曲的目标是技术上的“无痕”与音乐上的“情感爆发”。例如，肖邦的许多练习曲对指尖的控制和踏板的精准要求极高，训练的是如何让技术“消失”，只留下音乐本身。 2. 舒曼：《给年轻人：钢琴曲集》（Album for the Young, Op. 68） 在学习《作品849》时，穿插一些舒曼的小品，可以有效防止技术训练带来的僵硬感。 区别于《作品849》： 舒曼的作品强调标题音乐和诗意的描绘，它要求学生探索音色（Timbre）的细微差别，如“轻柔地”、“富有表情地”等，这是对《作品849》中那种相对统一的“流畅”要求的极大扩展。 --- 总结：一个立体的学习体系 将《车尔尼钢琴流畅练习曲：作品849》视为钢琴学习中的一个重要站点，而非终点。它的价值在于提供了一个中等难度下，集中解决跑动、均匀性和节奏稳定性的框架。然而，一个真正的钢琴家需要一个立体的学习体系： 基础（哈农/布格缪勒）： 保证手指的力量与音乐的初体验。 结构（古典奏鸣曲）： 学习如何在既定的曲式结构中应用技术。 技术深化（车尔尼740/伊索拉尔迪）： 拓展技术广度，迎接更复杂的挑战。 思维深度（巴赫平均律）： 培养复调思维和声部独立性。 艺术升华（肖邦/舒曼）： 学习如何将技巧转化为感性的、富有色彩的表达。 因此，任何一部优秀的钢琴学习材料，都不是孤立存在的。它们是相互参照、相互支撑的，共同指向对钢琴艺术的全面掌握。 --- （总字数：约1550字）

评分☆☆☆☆☆

我对这本书最大的感受，是它带来的“节奏的洗礼”。 很多时候，我们学习钢琴，很容易陷入到“数拍子”的机械状态，导致音乐听起来生硬、僵硬，缺乏生命力。但这部作品，似乎有一种魔力，能把人从那种刻板的节奏中解放出来。它要求你对时间的感知变得更加灵活和内在化。有时候，你需要像水流一样平稳地推进，有时候又需要像心脏搏动一样，在强弱对比中找到律动的核心。我特别欣赏其中可能涉及到的那些复杂的节奏型变化，它们迫使我必须脱离传统的“四分音符、八分音符”的简单分割，进入到一种更为复杂的复节奏感知中。这不光对提高演奏速度有帮助，更重要的是，它极大地提升了我对音乐的整体把握能力。当我能将这些复杂的节奏“内化”之后，再去弹奏其他任何曲目，都会觉得轻松自如许多，仿佛是打开了一个新的维度。它不是在教你“弹得快”，而是在教你“如何掌握时间”。

评分☆☆☆☆☆

说实话，当我拿起这本厚厚的练习曲时，心头涌起的是一种敬畏感，它更像是一本“武功秘籍”，而不是轻松的消遣读物。 它的结构设计，我猜想一定是非常严谨的，层层递进，步步为营。我能感受到，编排者（或者说原作者）对于钢琴演奏的理解是极其深刻的。它不是那种“弹过去就好”的敷衍了事，而是处处暗藏玄机。比如，某些看似简单的分解和弦进行，实际上对左右手的独立性和均匀性提出了极高的要求。我尝试过用不同的触键方式去处理同一个小节，结果出来的音色和力度完全不同，这让我意识到，演奏不仅仅是“弹响”琴键，更是对琴弦施加能量的方式。这种精微的控制，是其他一些更注重表面华丽的教材所缺乏的。它像是一位严厉但公正的导师，不断地指出你最薄弱的环节，直到你无法逃避为止。对于那些追求扎实基本功的进阶学习者来说，这种“强制性的打磨”是极其宝贵的。它教会了我如何倾听自己的演奏，如何用耳朵来指导手指的下一步动作，而不是仅仅依赖视觉。

评分☆☆☆☆☆

坦白讲，这本书的“精神属性”远大于其“技术属性”。 长期面对如此密集的、要求极高准确性的练习，对一个人的专注力和毅力是巨大的考验。我记得有段时间，工作压力大，回家后状态极差，但只要坐到钢琴前，打开这本书，强迫自己进入那个练习的世界，外界的一切烦恼似乎都会被那连续不断的音流隔绝开来。它形成了一个完美的“心流”通道。这不是说练习本身是轻松的，恰恰相反，它需要高度集中的精神力，但正是这种需要全神贯注的状态，起到了极佳的“冥想”效果。从这个角度看，它不仅仅是音乐教育的工具，更像是心灵调节的良方。每一次攻克一个难点，都是对自己意志力的确认和肯定。这种由内而外产生的自信，是任何廉价的赞美都无法替代的。这种持久的、需要自律才能达成的目标感，是现代人极其稀缺的一种体验。

评分☆☆☆☆☆

如果用一个词来形容这部练习曲给我的整体印象，那一定是“体系性”。 它绝不是零散的技巧堆砌，而是构建了一个完整且逻辑清晰的训练体系。我能从中体会到，作者对钢琴演奏的每一个关键要素——比如指尖的支撑力、手腕的放松度、手臂的重量转移，甚至呼吸与乐句的关联——都进行了细致入微的考察和训练。它像是一个精密的仪器，能够准确地检测出你演奏机器上的每一个微小偏差，并提供针对性的修正方案。我尤其喜欢它在乐句处理上的要求，它似乎在暗示，即使是练习曲，也必须具有音乐性，必须有情感的表达。因此，在技术练习的过程中，我必须同时扮演“工程师”的角色（确保机械动作的完美）和“艺术家”的角色（确保音乐的生动）。这种双重角色的扮演，极大地拓宽了我对钢琴学习的理解边界，让我明白，最好的技术，永远是为音乐服务的，而非本末倒置。

评分☆☆☆☆☆

初次接触车尔尼的作品，着实让人有些手足无措，但坚持下来，收获的不仅仅是技巧的提升。 这本练习曲集，对我来说，简直是一场耐力的马拉松。一开始，那些快速的音阶和琶音练习，总感觉手指像是打了结一样，完全跟不上脑子里的节奏。我记得有一次，练习到某个特别拗口的段落，连续卡壳了二十几遍，差点想把谱子扔到一边。但奇怪的是，每一次的失败都像是在为下一次的成功做铺垫。当某一天，原本觉得不可能流畅弹奏的乐句突然之间“通”了，那种从指尖流淌出来的音乐感，简直是无与伦比的满足。它不像某些炫技的练习曲那样，只强调速度与力度，车尔尼的这部作品（虽然我没看具体内容，但从泛泛的认知上来说）更注重的是“呼吸感”和乐句的连贯性。它强迫你去思考，如何在快速的移动中保持音乐线条的完整，而不是仅仅把音符堆砌在一起。这不仅仅是练手，更是练耳朵、练大脑的综合工程。我发现，当我不再机械地盯着琴键，而是全身心投入到音乐的流动中时，那些原本令人生畏的段落也变得相对柔和起来。可以说，这是对钢琴学习者心性磨砺的绝佳教材。