老年大学艺术课程 国画山水 潘建秋著 中国绘画基础教程 初学者入门国画练习教材 爱好者技法练习入门书 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 鑫舟启航图书专营店

出版社： 福建美术出版社

ISBN：9787539324623

商品编码：29603239701

丛书名： 国画山水(老年大学艺术课程)

开本：8开

出版时间：2011-06-01

 

基本信息

商品名称： 国画山水(老年大学艺术课程)    出版社： 福建美术    出版时间：2011-06-01

作者：潘建秋    开本：8开    印刷时间： 2011-06-01

定价： 39.8    页数：48    印次：1

ISBN号：9787539324623    商品类型：图书    版次：1

 

 

内容简介

中国山水画在中国绘画史上有着相当重要的位置，是一种表现山川之妙并能为人类寻求某种精神寄托的画种。无论是宏篇巨幅的山水画，还是隽秀小品——山水册页、手卷、扇面等，都充满了诗情画意，显现出或空灵、或隽永，或含蓄，或迷远奇幻，或雄浑幽默的意境之美。

《老年大学艺术课程：国画山水》讲述了山水画的基本步骤，全书图文并茂，便于学者临摹与欣赏。《老年大学艺术课程：国画山水》既可供美术爱好者自学使用。

目录

章 山水画概述

第二章 树木画法及步骤

第三章 山石画法

第四章 山水画法

第五章 点景画法

第六章 设色

第七章 构图法则

第八章 《溪山秋色图》创作示例

第九章 范图赏析

 

翰墨丹青：中国传统山水画艺术精粹探微 本书并非针对初学者入门的技法指导手册，亦非聚焦于潘建秋先生特定风格的系统教程。本书旨在为中国山水画艺术的爱好者和深入研究者提供一份广阔而深邃的艺术史脉络梳理、审美理念探讨以及经典作品的鉴赏指南。 --- 第一章：山水画的哲学根基与精神源流 中国山水画，历经千年的发展演变，早已超越了单纯的“写景”范畴，成为了承载中国哲学思想、文人精神与宇宙观的重要载体。本书开篇即深入探讨山水画背后的核心哲学——“天人合一”的思想如何体现在笔墨之间。 1. 道家思想与山水形神： 详细剖析老庄哲学中“自然无为”、“虚静”等概念如何影响了早期山水画的创作取向。探讨画家如何通过“计白当黑”的布局，营造出“空山不见人，但闻人语响”的意境，表现“大音希声”的艺术追求。 2. 儒家伦理与山水气节： 考察儒家“君子”人格与山水意象的对应关系。分析“高山仰止，景行行止”的审美取向，以及画家如何将自身的情操、抱负寄托于松、竹、石等元素之上，赋予山水以道德象征意义。 3. 禅宗影响与瞬间体悟： 阐述唐宋以后，禅宗思想如何促进了山水画从侧重于“形似”向追求“神似”的转变。讨论“顿悟”的艺术表现，以及如何通过高度凝练的笔墨，捕捉自然界瞬间的生命力与永恒的静谧感。 --- 第二章：历代山水画的流派纷呈与风格嬗变 本书将带领读者跨越历史长河，系统梳理中国山水画自魏晋至近现代的主要发展脉络，重点分析各个时期代表画家的艺术成就及其风格的独特性，而非提供临摹步骤。 1. 魏晋风度与南朝的雏形： 探讨顾恺之、宗炳等人对山水画理论的奠基性贡献，以及荆浩、关仝在五代时期奠定的北方山水“雄伟”基调。分析“可行、可望、可游、可居”的审美范式是如何逐步确立的。 2. 宋代的“集大成”与“格物致知”： 深入分析李成、范宽、郭熙等“巨碑式”山水画家的创作理念。重点解析北宋院体画的严谨性与写实精神，以及郭熙《早春图》中“可行于其间”的空间处理技巧在理论上的高度。 3. 元代的文人画转向与笔墨本体论： 集中探讨“元四家”（黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙）如何将山水画推向“写意”的极致。分析他们如何突破程式，强调“以书入画”，将个人学识、性情融入山水创作，确立了文人画的主导地位。 4. 明清的地域性探索与程式的突破： 梳理明代吴门画派（沈周、文徵明）的承袭与发展，以及董其昌倡导的“南北宗论”对后世的影响。阐述清代“四王”的集古创新，以及以石涛、八大山人等为代表的“个性解放”思潮，如何为近代山水画改革埋下伏笔。 --- 第三章：笔墨技法的高阶理论与审美范畴 本章着重于对中国画核心技法——笔墨——进行理论层面的剖析，侧重于其艺术表现力和审美价值，而非具体的运笔教学。 1. 皴法的体系构建与精神象征： 全面梳理披麻皴、斧劈皴、荷叶皴等主要皴法的起源、应用场景及其所能表达的情感基调。探讨皴法在结构、质感和气势营造中的决定性作用。 2. 墨色的层次演绎： 细致分析焦、浓、重、淡、清五墨在山水画中的运用规律。讨论如何通过水与墨的微妙关系，创造出山石的阴阳向背、云雾的流动变幻，体现“墨分五色”的深远意境。 3. 点苔与界画的辅助作用： 论述点苔在增强画面生机和节奏感中的地位，以及界画（如台阁、桥梁）在特定题材中如何服务于整体的意境营造，而非仅是技术展示。 4. 留白与气韵的生成： 探讨“留白”在中国山水画中超越“空白”的意义。分析如何利用虚实对比，引导观者的视线，构建作品的气韵生动，实现“虚实相生”的辩证统一。 --- 第四章：山水画的鉴赏、收藏与艺术批评方法论 本书的最后一部分，是为资深爱好者和未来收藏家提供的理论工具，旨在提升对作品的批判性认知能力。 1. 题跋与印章的解读： 讲解历代画家题跋的文体特征（如诗、文、论），以及印章的流派风格、朱泥与白文的运用，如何作为判断作品年代、真伪和画家心境的重要佐证。 2. 摹本与原作的辨识要点： 基于对经典作品（如《富春山居图》、董源《夏景山口待渡图》）的研究，分析不同时期、不同画师在用笔、结构、纸绢质地上的差异，教授基础的辨伪知识。 3. 收藏投资的理论视角： 从艺术史地位、存世量、画家个人影响力（而非市场热度）等角度，建立一套客观的艺术品价值评估框架，引导读者进行理性的收藏决策。 4. 当代山水画的“再出发”： 简要回顾近现代以来，山水画在面对西方艺术冲击时所进行的探索与革新，讨论传统元素如何在当代语境下获得新的生命力。 --- 本书特色总结： 理论深度优先： 侧重于山水画背后的哲学思想、美学原则和艺术史演变，而非具体绘画技巧的演示。 史料系统梳理： 全景式展现中国山水画的发展脉络，帮助读者建立完整的知识体系。 鉴赏视野拓展： 聚焦于笔墨理论、题跋解读和作品辨识，服务于提升艺术修养和收藏眼光。 适合人群： 已经掌握基础绘画技法，希望深入理解中国山水画艺术内涵、历史脉络与审美哲学的研究者、艺术史学生及资深爱好者。

评分☆☆☆☆☆

这本画册真是让人爱不释手，尤其是对那些想在水墨山水世界里迈出第一步的朋友们来说，简直是量身定制。我以前对国画总有一种高不可攀的感觉，觉得那些云雾缭绕、笔墨淋漓的景象只有天赋异禀的人才能驾驭。然而，这本书彻底打破了我的成见。它没有一开始就抛出那些晦涩难懂的术语和复杂的构图原理，而是从最基础的“皴法”讲起，用极其清晰的图解和步骤，把看似千变万化的笔触拆解成了可以模仿和练习的单元。我特别欣赏作者处理细节的方式，比如如何用干湿浓淡不同的墨色来表现山石的不同质感，那种由浅入深、循序渐进的教学节奏，让人感觉每完成一个小练习，自己的功力就扎实了一分。我已经按照书里的提示，对着几张范例反复练习了，虽然离大师的水准还差十万八千里，但至少我知道了下笔的方向和力度控制的诀窍。这本书的价值不在于让你一步登天，而在于它为你搭建了一个坚实的起跑平台，让你在面对真实的宣纸和笔墨时，不再是茫然无措。它更像是一位耐心的老者，在你耳边轻声指导，告诉你每一步该怎么走，避免了初学者最容易陷入的误区。

评分☆☆☆☆☆

我收藏了不少关于中国画的教程，但大多要么过于侧重理论，让人读起来昏昏欲睡，要么就是直接展示成品，留给自学者的想象空间太大，反而不知道从何下手。这本书的妙处恰恰在于它找到了一个完美的平衡点。它把“技法”与“审美”巧妙地融合在一起。在讲解如何运笔勾勒山脉的轮廓时，作者穿插了一些关于“气韵生动”的小思考，这些穿插的内容并没有打断学习的连贯性，反而像是在练习过程中点缀的茶歇，让你在动手之余，也能抬头看看远方，思考一下自己画的是什么，而不是机械地模仿线条。特别是关于“留白”的章节，我深有感触。以往我总觉得空白处是没画完的地方，总想把它填满，但书里用生动的比喻解释了“计白当黑”的精髓，让我理解了空间在国画中的重要性。这种教学方式非常高级，它不是简单地告诉你“这样做”，而是启发你“为什么这么做”。对于一个沉浸在传统文化中的学习者来说，这种对精神层面的引导比单纯的技巧堆砌更有价值，它让我的每一次落笔都多了一层敬畏和思考。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我当初买这本书是抱着试试看的态度，因为市面上很多声称是“入门教程”的书，要么字体小得像蚂蚁，要么纸张质量差到一沾墨水就洇开，根本无法进行实际的临摹练习。这本书的装帧设计，我必须点个赞。纸张的选择非常考究，厚度和吸墨性都达到了一个很高的标准，完全可以作为正式的练习本使用，这对初学者来说太重要了，每一次成功的临摹都能带来极大的成就感。更值得一提的是，它的版式设计非常开阔，每一页都有足够的空间供学习者在旁边做笔记或者进行小幅度的模仿练习。而且，书中所选取的范例作品，风格大气又不失细腻，既有北方山水的雄浑，又不乏江南园林的清秀，这让学习者在练习基础技法的同时，也接触到了山水画中不同地域的风格特点。这种“一书多味”的体验，极大地丰富了我的视野，避免了因为只模仿单一风格而产生的审美疲劳。

评分☆☆☆☆☆

这本书对于我们这些业余爱好者来说，最大的吸引力在于它的“可操作性”和“即时反馈”。我是一个朝九晚五的上班族，能用于绘画的时间非常零碎，可能只有晚上睡前的一两个小时。如果是一本需要大量准备工作和复杂材料的书，我可能早就放弃了。但这本书的编排逻辑非常清晰，它把一个复杂的山水场景分解成了若干个可以快速完成的“小任务单元”。比如，今天我可能只练习“点苔法”半小时，明天集中练习“树的画法”，这样碎片化的学习路径，非常适合现代快节奏的生活。更重要的是，作者的讲解语言非常口语化，没有那种高高在上的学术腔调，读起来亲切自然，就像是邻居家那位擅长丹青的叔叔在指导你一样。他会毫不避讳地指出初学者常犯的错误，比如“笔尖过于尖锐导致线条僵硬”或者“墨色变化不够丰富导致画面平板”，这种坦诚的交流，让我觉得学习过程充满了烟火气，也更愿意坚持下去。

评分☆☆☆☆☆

我个人对传统艺术的敬畏感很强，总觉得要学习就必须找最权威、最经典的范本。但对于初学者而言，直接上手那些碑刻拓本或者古代名家的真迹临摹，往往会因为基础不牢而产生挫败感。这本书成功地扮演了“翻译官”的角色。它没有回避传统技法的核心要义，但它用现代读者的认知习惯和视觉习惯，将这些古老的技法“翻译”成了更容易理解和实践的步骤。比如，它对“墨分五色”的阐释，不再是抽象的哲学探讨，而是结合了不同水分和用墨量的实际操作演示。我尤其喜欢其中关于“意境营造”的讨论，它告诉我们，山水画的精髓在于“不似之似”，即形似与神似之间的微妙平衡。通过这本书的引导，我开始尝试在练习中注入自己的情感和观察，而不是仅仅把笔墨当作复制的工具。这种从“术”到“道”的过渡，是很多入门书籍所欠缺的，它让学习不再是枯燥的模仿，而是一场充满创造力的探索。