9787308115995 艺术摄影中的绘画 浙江大学出版社 赵华森 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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赵华森 著

图书标签:

• 艺术摄影
• 绘画
• 摄影技巧
• 构图
• 光影
• 色彩
• 浙江大学出版社
• 赵华森
• 摄影艺术
• 视觉艺术

店铺： 聚雅图书专营店

出版社： 浙江大学出版社

ISBN：9787308115995

商品编码：29293520318

包装：平装

出版时间：2013-07-01

基本信息

书名：艺术摄影中的绘画

定价：39.00元

作者：赵华森

出版社：浙江大学出版社

出版日期：2013-07-01

ISBN：9787308115995

字数：230000

页码：

版次：1

装帧：平装

开本：16开

商品重量：0.4kg

编辑推荐

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　　本书主要内容包括摄影绘画基础之必要性、摄影的绘画基础、创意摄影草图训练、摄影创意与绘画。

内容提要

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　　由赵华森、陈燕编著的《艺术摄影中的绘画(艺术实践教学系列教材)》一书，分三个部分讲述：一，艺术摄影中的绘画；二，绘画是一种依据；三，绘画是一种方法。
　　实验实训教学是设计、摄影、传播等应用学科的重要内容，是培养学生动手能力的有效途径。希望本套教材能够适应新时代的需求，能成为学生学习的良好平台。
　　本套教材是浙江财经大学人文艺术省级实验中心的教研成果之一，由浙江大学出版社出版

目录

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1 艺术摄影中的绘画
2 绘画是一种依据
2．1 透视与摄影
2 .1．1 摄影师为何要学习的透视知识
2．1. 2 摄影师要掌握的透视基本知识
2．2 从绘画看摄影的构图
2．2．1 西方绘画的构图与摄影
2．2．2 中国传统绘画的构图与摄影
2．3 山寨式摄影

3 绘画是一种方法
3．1 摄影之前的绘画
3．1．1 作为另类妆的绘画
3．1．2 作为画布的身体
3．I．3 绘制场景
3．1．4 装置艺术、行为艺术以及总体艺术等中的绘画
3．1．5 绘画作品成为道具
3．2 摄影之时的绘画
3．2．1 手电等光源在拍摄物上进行描绘
3. 2．2 在空中进行描绘
3．2. 3 只做记录
3. 2 .4 闪光灯配合物的运动
3. 2．5 动态影像的光绘摄影(iPad、投影仪、数字光棒)
3 .2．6 移动照相机使光在照片上描绘
3．2．7 其他光绘摄影师作品欣赏
3. 3 摄影之后的绘画
3．3. 1 手工上色
3．3．2 表现性绘制
3．3. 3 作为画布的摄影
3．3．4 修饰性绘画
3. 3．5 综合材料(拼贴加绘画、丝网版面)
3. 3．6 数字绘画
3．3．7 显影时的绘I田i(波拉片、感光涂料和底片处理)．
3．3．8 展示时的绘画
附录 以爱普生(EPSON)艺术微喷为例的打印介质

作者介绍

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文摘

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序言

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光影的交织：探寻摄影与绘画的审美对话 摄影，这门诞生于光线的艺术，自其诞生之初，便与另一门古老的视觉艺术——绘画，展开了一场漫长而深刻的对话。两者在媒介、技法、表现力上固然存在差异，但在对美的追求、对情感的传递、对世界的解读上，却有着天然的亲近与共通。当摄影师的镜头成为画笔，当画面构图浸染着绘画的韵味，我们得以窥见一个更加丰富、更具深度的视觉世界。 一、 溯源：摄影与绘画的早期交融 摄影的出现，并未如有些人预言的那样，成为绘画的“末日”。恰恰相反，摄影的记录性与精确性，在早期为绘画提供了新的参照和灵感，而绘画的艺术性和主观性，则引导着摄影走向更具创造力的表现。 早期摄影的“绘画性”倾向： 在摄影技术发展的早期，摄影师们往往受到学院派绘画的影响，追求画面景别的稳定、光影的柔和以及主题的庄重。例如，19世纪的肖像摄影，其构图、用光、甚至人物的姿态，都明显借鉴了当时的肖像画。摄影师们尝试使用柔焦镜头、手工修饰照片等方式，以模仿绘画的笔触感和油画的质感，力图让摄影作品获得与绘画相媲美的艺术地位。这种“绘画性”的追求，并非对摄影媒介本身的否定，而是一种在新的艺术形式中探索表现可能性的尝试。他们试图在冰冷的快门速度中注入人性的温度，在客观的记录中注入情感的色彩。 摄影对绘画的启发： 另一方面，摄影的出现也极大地影响了绘画的发展。摄影捕捉瞬间的能力，使得画家们得以摆脱对写实的过度依赖，而将更多精力投入到对色彩、光影、情感和内在精神的探索。印象派的兴起，便与摄影对光线瞬息万变的捕捉有着密切的联系。摄影的现实主义视角，也促使画家们反思艺术的本质，开始尝试更为主观、更具象征意义的表达。 二、 形式的借鉴：构图、色彩与光影的共通语言 摄影与绘画在视觉语言上存在着天然的共通性，这些共通性构成了两者审美对话的基础。 构图的智慧： 无论是摄影还是绘画，构图都是决定画面效果的关键。摄影师们在取景时，会不自觉地运用绘画中的黄金分割、三分法、对角线构图、对称构图等经典法则，来引导观众的视线，突出主体，营造空间感和平衡感。例如，一张成功的风光摄影作品，其前景、中景、远景的安排，云层、山峦、水面的线条组合，都可能蕴含着大师级山水画的构图精髓。一张引人入胜的人物肖像，其人物在画面中的位置、眼神的指向、身体的姿态，都可能呼应着古典油画人物肖像的构图安排，传递出特定的情感和性格。甚至，对于色彩的运用，摄影师也会借鉴绘画中的色彩理论，通过色彩的冷暖、对比、和谐来营造氛围，表达情绪。 光影的魔法： 光影是摄影的生命，也是绘画表现的重要手段。摄影师们精妙地运用自然光或人造光，模拟绘画中伦勃朗光、丁达尔效应等经典的用光技法，塑造物体的体积感、质感，以及画面的戏剧性。一张人物肖像，通过精确控制光线的方向和强度，可以在脸上投射出富有深度的阴影，勾勒出立体感，赋予人物神秘而沉静的气质。一张静物摄影，通过柔和侧光或逆光，可以营造出温暖、宁静的氛围，让物体本身散发出温润的光泽。而绘画中的“明暗对照法”，通过大面积的暗部衬托出局部的亮光，在摄影中也得以灵活运用，通过控制曝光和后期处理，实现类似的效果，突出视觉焦点，增强画面的冲击力。 色彩的诗意： 色彩是情感的载体，也是艺术表现力的重要组成部分。摄影师在按下快门前，往往会考虑色彩的搭配与和谐，如同画家在调色盘上精心混合颜料。通过对色彩饱和度、色相、明度的调整，摄影作品可以呈现出截然不同的情绪和意境。例如，暖色调的作品可能带来温馨、热烈的感觉，而冷色调则会营造出冷静、忧郁的氛围。摄影师们也学习绘画中的色彩对比原理，利用互补色或邻近色来增强画面的视觉张力。同时，后期处理技术的发展，也让摄影师能够更加自由地操控色彩，实现超越现实的艺术想象。 三、 意境的营造：摄影与绘画的情感共鸣 除了形式上的借鉴，摄影与绘画在营造意境、表达情感方面，更是殊途同归。 情绪的传达： 摄影作品的魅力，在于它能够直接触动观者的情感。通过对主题的选择、对场景的捕捉、对人物神态的刻画，摄影师可以不动声色地传递喜怒哀乐、悲欢离合。这种情感的传递，与绘画艺术家们通过笔触、色彩、构图来表达内心世界的努力，有着异曲同工之妙。一张定格的瞬间，可能承载着生命的力量，也可能蕴含着无尽的哀愁。摄影师就像一位捕捉情绪的诗人，用光影的诗句，写下动人的篇章。 氛围的构建： 无论是寂静的黄昏，还是喧嚣的市集，摄影师都善于捕捉和营造特定的氛围。通过对环境光线的运用，对景物细节的选择，以及后期处理的技巧，摄影作品可以带给观者身临其境的感受。这种氛围的构建，与绘画作品通过色彩、笔触、构图所营造的意境，有着深刻的联系。一张捕捉了雨后初霁的空气，一张定格了夕阳下的剪影，一张描绘了古老街巷的宁静，都仿佛是一首无声的诗，一幅流动的画，让观者沉浸其中，感受其中的情感与故事。 叙事的力量： 许多摄影作品不仅仅是静态的图像，更蕴含着叙事的力量。摄影师通过一个场景、一个人物、一个细节，引导观者去想象其背后的故事。这种叙事性，在绘画中同样常见，但摄影以其瞬间性，赋予了叙事一种特殊的张力。一张新闻摄影，可能记录了一个历史性的时刻；一张纪实摄影，可能揭示了一个社会的现实；一张观念摄影，可能引发了深刻的哲学思考。这些作品，都在用视觉语言，讲述着属于自己的故事，与绘画中的故事性作品，共同丰富着人类的想象空间。 四、 艺术的升华：当摄影成为绘画的延伸 随着摄影技术和艺术理念的不断发展，摄影与绘画的界限变得越来越模糊，许多摄影作品已经超越了单纯的记录，而成为一种独立的、富有绘画性的艺术创作。 观念摄影与数字艺术： 现代观念摄影，更注重思想的表达和概念的传达，摄影师通过精心设计的场景、道具和后期处理，创造出具有强烈主观色彩的作品。这些作品，往往借鉴了绘画中超现实主义、抽象主义等流派的表现手法，通过对现实的解构和重组，表达独特的艺术观念。数字艺术的发展，更是打破了传统媒介的限制，摄影师可以借助数字工具，自由地进行色彩、形态、纹理的创造，实现前所未有的视觉效果，与数字绘画艺术相互启发。 跨界与融合： 许多当代艺术家，不仅在摄影领域创作，也涉足绘画、雕塑等其他艺术门类，他们在不同媒介之间穿梭，将各自的艺术语言进行融合与碰撞。这种跨界创作，使得摄影作品的艺术性得到了极大的拓展，也为绘画艺术带来了新的灵感和可能性。例如，一些摄影师会以绘画为灵感，创作出具有油画质感的摄影作品；而一些画家，则会运用摄影技术，作为创作过程中的辅助手段，进一步丰富其艺术表现。 结语： 摄影与绘画，这两门古老而年轻的视觉艺术，在光影与色彩的交织中，在形式与情感的对话中，共同谱写着人类对美的永恒追求。它们相互借鉴，相互启发，共同构成了一个丰富多彩的视觉世界。当我们以审视绘画的眼光去品读摄影，当我们以摄影的视角去理解绘画，我们就能更深刻地体悟到，艺术的语言是共通的，对美的渴望是永恒的，而视觉艺术所能带给我们的，是无尽的想象与深刻的感动。这种跨越媒介的审美对话，将持续激励着我们去发现、去创造、去体验更广阔的艺术天地。

评分☆☆☆☆☆

这本厚重的画册，光是翻开扉页就能感受到那种扑面而来的历史厚度。装帧设计得非常典雅，米白色的封面上只印着烫金的书名，低调中透着一股不容置疑的专业感。我个人对那个时代的美术思潮特别感兴趣，尤其喜欢看那些早期的摄影师是如何在技术还不算成熟的情况下，努力去捕捉光影与情绪的。书里收录的那些老照片，那种颗粒感和微微泛黄的色调，简直就是时间的切片。我记得有一组关于江南水乡的组照，构图极为讲究，每一帧都像是一幅精心绘制的水墨画，远处的黛瓦白墙在薄雾中若隐若现，近处的渔船和劳作的人群，那种韵味，是现代数码相机怎么也模拟不出来的“意境”。翻阅的时候，我常常会停下来，想象着摄影师当时是如何在湿冷的空气中，一遍又一遍地调整曝光和景深，只为了定格那一瞬间的东方哲学。这不仅仅是技术展示，更像是一场跨越世纪的对话，让我深思摄影艺术与东方审美之间的微妙张力。

评分☆☆☆☆☆

初次接触到这本关于光影与笔触交织的画册时，我的第一反应是它异常详尽的文献梳理。我一直觉得，纯粹的图像展示是空洞的，真正的艺术价值需要坚实的理论支撑。这本书在这方面做得极为出色，它没有停留在简单地罗列作品，而是深入剖析了不同流派的摄影师如何借鉴文艺复兴、巴洛克乃至印象派的绘画技法来构建他们的视觉叙事。比如，关于“明暗对比”在摄影构图中的运用那几个章节，作者引用了大量伦勃朗和卡拉瓦乔的画作作为参照物，清晰地展示了摄影师是如何通过控制光源和阴影的层次感，来赋予静物和人像以戏剧性的力量。阅读这些分析，如同上了一堂高强度的艺术史课，让人对“摄影作为绘画性艺术”的论断有了更深刻、更具说服力的理解。那些复杂的术语和理论，被作者用非常流畅且富有逻辑性的语言串联起来，即便是对艺术史不太熟悉的读者，也能循着脉络逐步深入。

评分☆☆☆☆☆

我是一位热衷于动手实践的摄影爱好者，因此，我更看重的是书中对于“过程美学”的探讨。这本书里很多篇幅都在讨论早期摄影技术，比如湿版火棉胶工艺对最终成像效果的决定性影响。那种慢节奏、近乎仪式感的制作过程，无形中培养了摄影师对画面元素的绝对控制欲。书中详细描绘了冲洗过程中，化学药剂与光线相互作用所产生的那些不可复制的“意外效果”，这些效果非但没有被视为瑕疵，反而被升华为一种独特的艺术语言。我尤其喜欢其中关于“景深控制与焦点选择”的章节，它不是简单地告诉我们焦距长短的物理原理，而是将其提升到主观表达层面——摄影师如何通过极浅的景深，将观众的视线牢牢锁定在画面的某个特定点上，从而模仿出油画中那种焦点突出、背景虚化的效果。这种对物质媒介的深刻理解和驾驭，是当代很多过度依赖后期软件的创作者所缺失的宝贵经验。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧和印刷质量，简直是业界标杆。我收藏了很多艺术类的画册，但很少有能将如此复杂的色彩还原做到位的。考虑到书中涉及的作品跨越了百年历史，涵盖了从早期黑白到后期尝试色彩分离技术的各种媒介，对印刷技术的挑战是巨大的。然而，我惊喜地发现，即便是那些最微妙的灰色调过渡，或是老照片中细微的纹理细节，都被忠实地再现了出来。特别是几张大幅面的风景照，那种深邃的层次感，让人感觉仿佛能穿透纸面，呼吸到那个年代的空气。这种对品质的极致追求，本身就是对艺术的一种尊重。每一次翻阅，都像是在面对原作进行近距离的鉴赏，而不是在阅读一本普通的书籍。这种沉浸式的体验，是任何电子屏幕都无法比拟的享受。

评分☆☆☆☆☆

这本书的叙事结构非常巧妙，它没有采用僵硬的年代划分，而是围绕“主题”和“技法”进行螺旋上升式的探讨。我特别欣赏它如何将不同文化背景下的艺术家放在一起进行对比分析。例如，它会把十九世纪末期法国学院派摄影师的严谨造型，与同一时期日本摄影师对侘寂之美的捕捉进行并置，这种跨文化的对话，极大地拓宽了我的视野。它成功地论证了一个观点：艺术的本质追求——对永恒瞬间的凝固和对生命本质的哲学反思——在不同的文化土壤中，只会以不同的面貌出现，但其内核是相通的。读完后，我感觉自己对“何为美”、“何为艺术的永恒性”有了更开阔、更具包容性的认知，不再局限于单一的西方艺术史框架内去衡量摄影的价值。