似与不似--中国绘画香港三联书店白巍9789620435157中国绘画 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 联合书店专卖店

出版社： 香港三联书店

ISBN：9789620435157

商品编码：23940103622

蘸日月光輝，染虹霞紛彩。中國繪畫擺盪在似與不似之間，寫畫與繪書並存。皴、擦、點、染懷凝鍊中華文化追索自然的精神本質，揭示混沌宇宙真諦。本書借傳統畫科分類，從龍馬、仕女、山水、花鳥、風俗五項切入，突破尋常時間軸遞進論述的方式，歸結中國繪畫隱含的意象，讀者從中國畫的畫論體系來鑑賞國粹經典。

翰墨春秋：宋元文人画的审美嬗变与精神图景 图书简介 本书深入剖析了中国绘画史上一个至关重要的转折时期——宋代至元代文人画的兴起、发展及其深远影响。聚焦于“士人”阶层如何从传统“匠人”的窠臼中脱离，将个人的学养、性情与笔墨融为一体，从而奠定了后世中国艺术精神的核心基调。全书以宏大的历史视野和精微的个案分析相结合的方式，构建了一个立体、丰满的文人画美学生态图谱。 第一章：宋代士人的觉醒与院体的革新 宋代，伴随着理学思潮的兴盛和文官政治的成熟，知识分子的社会地位空前提高。他们不再仅仅是宫廷的附庸，而是开始构建一套独立于官方意识形态的文化价值体系。这种觉醒首先体现在对绘画观念的重塑上。本书从对唐代“格物致知”传统的继承与反思切入，探讨了宋徽宗“格物致知”的实践如何催生了精细入微的院体画风，如徽宗朝的《芙蓉锦鸡图》所展现的无与伦比的写实功力与象征意义。 然而，这种极致的写实背后，也孕育着对“气韵生动”的更深层次理解。赵孟坚、李公麟等一批具有深厚学识的士人画家，开始强调“不求形似，但求神似”。李公麟的白描手法，尤其是在《九龙图》等作品中的运用，摒弃了浓墨重彩，转而追求线条的内在张力与精神的自由流淌，这被视为文人画的滥觞。我们详细考察了苏轼关于“论画”的理论贡献，他提出的“诗中有画，画中有诗”的命题，为文人画确立了文学性与抒情性的审美标准。宋代院体画的成熟与士人画的萌芽，构成了复杂的、相互渗透的艺术格局。 第二章：元初的避世与笔墨的自觉 元代，蒙古人的统治带来了政治上的剧变，使得大批宋朝旧臣与知识精英选择“出仕”或“归隐”。这种集体的“失位”或“自弃”，极大地激发了文人对艺术的投入，绘画成为他们安顿身心、寄托家国情怀的终极场所。 “元四家”的形成，标志着文人画在理论和实践上达到高峰。本书将重点分析“四僧”——黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙的艺术路径差异。黄公望的《富春山居图》不再是记录现实山水的地理志，而是心源的流露，其笔墨的皴擦点染，已然成为一种自我对话的语言。倪瓒的“萧疏简净”，则将“孤”与“洁”推向极致，画面中少有的树木和远山，承载了文人对高洁品格的执着坚守。 此外，本书还探讨了元代书法入画的程度如何加深。文人将楷、行、草书的笔法结构融入到山石树木的描绘中，使得线条不仅具有描绘功能，更具备了独立的审美价值和情感强度。元人对“笔墨精神”的强调，实质上是将绘画的本体论转向了画家自身的修养和心性。 第三章：诗、书、画的合一与象征体系的构建 文人画区别于前代的根本特征，在于其高度自觉的文化自觉性——即诗、书、画、印的“四绝”的融合。本书专门设立章节，剖析了这种合一如何构建起一套复杂的象征体系。 例如，松、竹、梅“岁寒三友”不再仅仅是自然景观，而是士人坚韧不拔、傲霜斗雪的道德写照。枯藤、败笔、荒村，则是对乱世的隐喻和对隐逸生活的向往。这种象征意义的叠加，要求观者不仅要欣赏其视觉效果，更要理解其背后的文化典故和画家的人格投射。 我们通过对元代文人画题跋的研究，揭示了文字如何“激活”画面。题跋不再是简单的说明或附和，而是画家自我阐释的必要组成部分，它们往往占据了画面的重要位置，与图像共同构筑了一个完整的叙事结构。这种“以书写景，以诗言情”的方式，将视觉艺术提升到了思想交流的层面。 第四章：地域流派的差异与地域美学的形成 虽然元四家在理论上趋于一致，但他们的地域背景和个人气质，依然塑造了不同的美学倾向。本书比较了以黄公望为代表的江南抒情山水与王蒙所代表的“重笔皴染”的复杂内敛风格。 同时，本书也将目光投向了南方与北方画派的互动。南宋院体的写实传统，在元代并未完全消失，而是通过浙派等地方力量，以一种更注重体格和体积感的方式延续。这种对比研究有助于理解，文人画的“主流”确立，并非排除所有其他风格，而是在一个不断张力中完成的审美选择过程。 结语：超越描摹，直抵性灵 宋元文人画的兴盛，是中国艺术史上的一次深刻的文化转向。它标志着中国绘画从“再现自然”向“表现自我”的根本性转移。本书旨在梳理这一历史脉络，展示这些伟大艺术家如何通过笔墨的锤炼，将个人的生命体验、哲学思考和政治抱负，凝聚于方寸之间，最终为后世的艺术创作确立了一种高远的、内省的、重精神气质的审美范式。它不仅是对绘画史的梳理，更是对中国传统知识分子精神世界的深度探寻。

评分☆☆☆☆☆

不同于市面上许多只停留在介绍和赞美的艺术读物，这本书在评论的深度上是颇具批判性和思辨性的。作者敢于提出一些具有争议性的观点，比如对某些被奉为圭臬的传统技法的现代局限性进行了深入剖析。这使得整本书的论述充满了活力，而不是一潭死水般的教科书式说教。我特别欣赏作者在探讨“继承”与“超越”之间的矛盾时，所展现出的那种平衡感——既不盲目崇拜古人，也不肆意贬低传统。这种冷静而又热情的分析视角，让人在合上书本后，仍然久久不能平静，会促使我重新审视自己以往观看中国画的习惯和认知，这才是优秀艺术书籍的终极价值所在。

评分☆☆☆☆☆

这本书的印刷质量和图片呈现效果，绝对是收藏级别的。这对于一本侧重于视觉艺术的书籍来说，至关重要。每一幅画作的色彩还原度都极高，那些原本只有在原作前才能捕捉到的微妙笔触和纸张的肌理感，通过高质量的影印得以保留。这使得读者即便没有亲赴博物馆或画廊，也能感受到作品的现场力量。那些繁复的纹理、层次分明的墨韵，清晰可见，大大提升了阅读体验。我甚至花了好长时间，只是对着其中几幅水墨小品反复摩挲，试图理解画家是如何在极简的构成中，营造出无限深远的意境的。这种对细节的极致追求，体现了出版方对学术内容和艺术呈现的共同敬畏。

评分☆☆☆☆☆

我通常对艺术评论类的书籍抱持一种审慎的态度，总担心内容会过于晦涩或矫饰。然而，这本书的文字叙述方式非常接地气，尽管讨论的是深奥的艺术理论，但行文流畅自然，没有那种故作高深的腔调。特别是关于“似与不似”这一核心概念的阐述，作者用了很多生活化的比喻来解释这种微妙的平衡——艺术的生命力恰恰在于那“一不似”之处。我发现自己不再只是被动地“看”画，而是开始主动地“读”画，去辨析画家是“似”了古人笔意，还是在“不似”中找到了自我的声音。这本书的价值在于，它成功地搭建了一座桥梁，让非专业人士也能领略到中国画“神韵”的精髓，而不仅仅停留在形体描摹的层面。这对于推广传统艺术的当代意义，是不可估量的。

评分☆☆☆☆☆

这本画册简直是视觉的盛宴，装帧设计本身就透露出一种对艺术的尊重。开篇几幅作品的选材角度极其新颖，它们并非传统意义上那些被反复临摹的经典名作，而是更侧重于展现特定历史时期，特别是近现代中国画在转型期的探索与挣扎。我特别欣赏其中对“意境”二字的现代诠释，作者似乎在用笔墨探讨一个哲学命题：如何在继承传统的同时，不被传统所束缚？那些线条的粗细变化、墨色的浓淡干湿，无不体现出画家内心的波澜，仿佛能听见宣纸被笔尖划过时发出的微弱声响。阅读过程如同与一位老友对饮，他娓娓道来，却字字珠玑，让你在欣赏画作的同时，也被引领着去思考笔墨背后的文化基因。对于那些热衷于深入研究中国画本体语言的爱好者来说，这本书提供的解读视角无疑是独到且富有启发性的。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，刚拿到手的时候，我有点担心内容会过于集中在香港本土艺术家的视角，从而局限了对宏大历史脉络的把握。但读进去之后，发现这种担心完全是多余的。书中的案例选取非常精妙，它巧妙地将地域特色与时代思潮结合起来，展示了在特定社会环境下，中国画家是如何在全球化浪潮中坚守文化身份，并进行创新性表达的。我尤其被其中几组对比图所震撼，它们并置了不同地域、不同代际的同一主题的作品，强烈的反差促使人思考：究竟是什么让这些作品拥有了共同的“中国性”？作者的分析不是简单的归纳，而是一种细腻的抽丝剥茧，解构了风格的形成机制，让人对中国艺术史的复杂性有了更立体的认知。