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尤静波主编 著

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• 流行音乐
• 乐理
• 音乐理论
• 音乐基础
• 和声
• 节奏
• 旋律
• 音阶
• 和弦
• 流行音乐分析

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出版社： 安徽文艺出版社

ISBN：9787539656564

商品编码：10640663345

出版时间：2016-07-01

作  者:尤静波 主编 定  价:35 出 版 社:安徽文艺出版社 出版日期:2016年07月01日 页  数:167 装  帧:平装 ISBN:9787539656564 ●音的高低
●音的概念
●第二节音的种类
●第三节音的物理性质
●第四节基音与泛音
●第五节音列与音级
●第六节音高的分组
●第七节五线谱
●第二章音的长短
●音符与时值
●第二节休止符
●第三节附点音符和附点休止符
●第四节复附点音符和复附点休止符
●第五节连音线
●第六节音符时值的基本划分和特殊划分
●第三章节拍
●拍子与小节
●第二节拍号
●第三节拍子的种类
●第四章节奏
●部分目录

内容简介

本书是流行音乐基础理论教程，所涉内容均为流行音乐作品。作者总结和归纳了流行音乐所涉及的普遍理论规律，突出现代性和实用性。基本内容包括：音的时值、节拍、音程、调式、和弦、调性关系、流行音乐记谱法等。例如，和弦部分全部采用流行音乐和弦标记、流行音乐常用的挂音和弦、加音和弦、扩展音和弦等，并对所涉和弦进行作品实例分析；调式将涉及欧洲大小调式、布鲁斯调式、中古调式、中国民族调式，曲例全都采用流行音乐作品。记谱法涉及吉他、贝司、鼓、键盘以及合音谱、乐队总谱的读写方法。本书所有曲例均制作音响资料。 尤静波 主编 尤静波，北京现代音乐学院教授，流行演唱学院副院长；中国音乐家协会会员，中国流行音乐学会理事：获得美国国家音乐教育中心(USNational Education Center)颁发的”流行声乐艺术”教师证书。已出版《流行音乐历史与风格》《中国流行音乐通论》《写歌宝典》《写词攻略》《流行演唱法》等音乐著作40余部：出版育儿著作《爸爸我爱你》一书并制作同名亲子歌专辑：出版《将小调进行到底》《时光日记》《如果你只是路过这个世界》等唱作专辑4张；曾受邀在北京大学、中国传媒大学、中央音乐学院、中国音乐学院等高校做流行音乐讲座。

西方艺术音乐的深度探索：一部超越“流行”的音乐理论入门 导言：在古典与学院的殿堂中寻觅音乐的永恒法则 本书并非聚焦于当下排行榜上的热门曲目，亦不涉足电吉他效果器或合成器编曲的特定技巧。我们旨在提供一套严谨、系统且富有历史纵深的音乐理论框架，以古典艺术音乐（Art Music）为核心，深入剖析西方音乐体系的根基、结构及其演化历程。读者将在此书中发现，支撑贝多芬奏鸣曲、巴赫赋格乃至德彪西印象派和声的底层逻辑，才是理解任何音乐形式的钥匙。 第一部分：声音的物质性与听觉的感知基础（声学与听觉心理学） 本部分将从物理学的角度审视声音的本质，并探讨人耳如何将声波转化为富有意义的音乐体验。 第一章：频率、振动与音高体系的建构 我们将详细解析声波的物理属性——频率与振幅，以及它们如何被感知为音高和响度。重点在于介绍纯律（Just Intonation）与十二平均律（Equal Temperament）的历史沿革与声学差异。我们将追溯毕达哥拉斯如何通过简单的整数比建立起音程的最初概念，并深入探讨十二平均律——这种为键盘乐器带来极大便利，却在纯粹音程上做出微小妥协的调律系统——如何在巴赫的时代被最终确立为西方音乐的主流标准。我们将通过数学公式和听觉实验来阐明“三分律”、“五度相生”等概念的实际听感效果。 第二章：音色与泛音列的奥秘 音色（Timbre）是区分小提琴与长笛的关键，它并非一个单一的物理属性，而是由基频及其上叠加的泛音（Overtones/Harmonics）的强度分布决定的。本章将详细描绘泛音列（Harmonic Series）的生成过程，解释为什么自然界中的基础音程——八度、五度、四度——能够听起来如此和谐稳定。我们将结合现代频谱分析（如傅里叶分析的简化概念），展示不同乐器在发声时其泛音结构的差异，从而理解配器法的色彩基础。 第三章：听觉心理学与音乐的组织 音乐的意义存在于听者的感知之中。本章将探讨如“听觉分离”（Auditory Stream Segregation）、“模式识别”等听觉心理学原理，解释我们如何将连续的声波组织成旋律线或和声结构。我们将引入“清晰度”（Clarity）和“模糊性”（Ambiguity）的概念，分析在不同调性（如大调与小调）下，大脑如何处理听觉信息，以及节奏感是如何在预期与实现之间建立的。 --- 第二部分：横向的逻辑——旋律、节奏与动机（Motivic Development） 本部分关注音乐的时间维度，即音符如何沿着一条时间轴展开，构成连贯的叙事结构。 第四章：节奏的架构与量化 超越简单的拍号（如4/4、3/4），本章深入探讨节奏的层级结构。我们将分析复拍子（Compound Meter）与复节奏（Polyrhythm）的复杂性，考察非对称节拍（如5/8、7/8）在20世纪早期音乐中的应用，以及如何通过切分音（Syncopation）来打破稳定的预期感。此外，我们将追溯“节拍的自由化”趋势，讨论鲁托斯拉夫斯基（Lutosławski）等作曲家在节奏处理上如何从精确量化走向概率性的“时间段”处理。 第五章：旋律的线条、轮廓与动机分析 旋律并非随机音高的堆砌，而是具有内在的逻辑性和方向性。本章将运用轮廓分析（Contour Analysis）来描述旋律的形态——上升、下降、弧形等。更重要的是，我们将聚焦于动机（Motif）的辨识、发展与再现。通过巴赫的对位法练习和贝多芬的短小动机（如“命运”动机）的细致剖析，展示如何通过移位（Transposition）、展开（Elaboration）、逆行（Retrograde）等手法，将一个微小的音乐种子扩展为宏大的乐章结构。 第六章：对位法：线条的独立与交织 对位法（Counterpoint）是西方音乐技巧的基石。本章将以严格对位法（Strict Counterpoint，基于Fux的理论）为起点，讲解如何构建两条或多条独立、但相互和谐的旋律线。重点分析严格对位中的“音程关系”规则与“运动方式”（平行、斜行、反向运动）的严格限制，以及自由对位在巴洛克晚期如何服务于音乐的表达。 --- 第三部分：纵向的张力——和声、功能与调性体系的演变 本部分是本书的核心，它系统阐述了从文艺复兴晚期到浪漫主义鼎盛时期，西方音乐如何使用和弦的堆叠来创造稳定与冲突。 第七章：三和弦的建立与功能和声学基础 我们将详细拆解三和弦（Triad）的构成（根音、三音、五音），并介绍大三和弦与小三和弦的音响差异。重点在于功能和声（Functional Harmony）理论：主和弦（Tonic, I）、属和弦（Dominant, V）和下属和弦（Subdominant, IV）之间的拉扯关系，以及它们如何构建出方向感和解决感。本章还将详细阐述导音（Leading Tone）的强导向性，解释为什么半音阶的张力如此强烈。 第八章：调性的扩展与和声的色彩化 随着音乐的发展，和声的色彩和复杂性不断增加。本章将探讨七和弦（Seventh Chords）的引入及其功能——特别是属七和弦的解决机制。随后，我们将进入对导向性不协和音（Dissonance）的处理：如经过音（Passing Tone）、邻音（Neighbor Tone）的运用，以及对准备（Preparation）与解决（Resolution）的严格要求。我们还将分析借用和弦（Borrowed Chords）和变化和弦（Altered Chords）如何丰富了古典时期晚期的和声调色板。 第九章：调性模糊与浪漫主义的张力极限 本部分将分析浪漫主义作曲家如何挑战传统功能和声的界限。我们将深入研究半音化（Chromaticism）对调性中心的侵蚀，重点分析瓦格纳（Wagner）作品中的“三度关系和弦进行”和“模糊终止式”（如《特里斯坦与伊索尔德》中的著名和弦）。我们将讨论远关系和弦（Distant Harmonic Relationship）的使用，以及如何通过延迟解决或完全取消解决，来制造持久的听觉悬念和情感张力。 --- 第四部分：空间的组织——曲式结构与宏大布局 音乐的宏观形态，即音符如何被组织成篇章。本章将提供一套分析古典时期和浪漫主义大型作品（奏鸣曲、交响曲、室内乐）的结构工具。 第十章：乐思的展开：呈示部、展开部与再现部的逻辑 我们将详尽剖析奏鸣曲式（Sonata Form）的三个核心部分： 1. 呈示部（Exposition）：如何建立主调和副调，并利用主题材料进行对比。 2. 展开部（Development）：如何通过动机分解、和声游走、转调等手法，制造出结构性的冲突与不确定性。 3. 再现部（Recapitulation）：如何重新引入主题，并将所有材料统一到主调之中，达成结构上的圆满解决。 第十一章：变奏曲、回旋曲与复合曲式 除了奏鸣曲式，本章还将分析其他重要的器乐曲式： 变奏曲（Variations）：从巴赫的固定低音变奏到勃拉姆斯的自由变奏，探讨对主题的各种改造方式（节奏、和声、织体变化）。 回旋曲式（Rondo Form）：A-B-A-C-A 的重复结构如何平衡统一性与多样性。 复曲式分析：如三部曲式（Ternary Form, ABA）在乐章中的应用，以及分乐章套曲（如组曲、协奏曲）的整体结构观。 --- 结论：理论的回归与未来的视野 本书总结时，将重申音乐理论作为一种分析工具的重要性，而非僵化的教条。我们将简要回顾这些理论法则在20世纪以后的“解构”与“重塑”：如无调性音乐（Atonality）如何完全放弃传统功能和声的束缚，以及如何通过其他系统（如十二音体系或序列主义）来建立新的内部逻辑。目标是让读者带着对传统法则的深刻理解，去欣赏和分析所有跨越时代的音乐创作。 （本书内容不包含任何关于流行音乐的特定和弦进行、编曲范例、现代音色技术或商业制作流程的讨论。）

评分☆☆☆☆☆

作为一个对音乐制作有初步兴趣的人，我一直被流行歌曲中那些丰富多彩的音色和层次感所吸引。这本书的标题“流行音乐基本乐理”，让我好奇它是否会涉及到一些关于“配器”和“编曲”的基础知识。我希望它能解释，为什么有些歌曲听起来那么“饱满”，而有些则显得“单薄”，这是否与乐器的选择和和声的编写有关？我特别想知道，书中会不会介绍一些常用的“和弦色彩”，比如“挂留和弦”或者“七和弦”在流行音乐中是如何被用来增加色彩和张力的。还有，关于“节奏型”的运用，除了简单的四四拍，书中是否会探讨一些更复杂的节奏变化，来营造出不同的律动感？我希望这本书能让我明白，那些听起来很“现代”的流行音乐，背后有着怎样的乐理支撑，甚至能给我一些关于“音响设计”的启发。毕竟，了解音乐的“色彩”和“质感”，才能更好地表达自己的音乐想法。

评分☆☆☆☆☆

我一直对音乐的“情绪色彩”很感兴趣，尤其是流行歌曲，它们总能在短短几分钟内抓住我们的情感。这本书的题目让我觉得，它可能会揭示流行歌曲是如何通过音乐元素来营造和传达特定情绪的。我很好奇，作者会不会分析不同调式（比如大调的明亮，小调的忧伤）在流行音乐中是如何被运用的？还有，节奏的快慢、强弱变化，以及旋律的起伏，这些看似简单的元素，究竟是如何组合起来，才能让我们时而激动、时而沉醉？我特别期待能看到关于“切分音”和“属和弦”在流行歌曲中的应用案例，因为我经常听到一些让人耳目一新的节奏和转折，总觉得背后有门道。我希望能从这本书中学习到，如何去“听懂”一首流行歌的“内心戏”，而不仅仅是旋律的表面。如果这本书能提供一些实际的分析方法，比如如何识别歌曲的情感走向，那对我来说就太有价值了。毕竟，了解音乐的“内在逻辑”，才能更深刻地体会到它的魅力。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计就让我眼前一亮，那种复古又充满活力的配色，一下子就把我拉回了那个充满各种经典流行金曲的年代。我一直觉得，虽然流行音乐听起来好像很随性，但背后一定有着严谨的逻辑和结构。我特别好奇，这本书是如何把那些我们耳熟能详的旋律、和声、节奏，用一种易于理解的方式解析出来的。我最想知道的是，它会不会深入讲解歌曲创作中的“钩子”（hook）是如何形成的？还有，那些让人忍不住跟着摇摆的鼓点，在乐理层面是如何设计的？我对和声的部分也充满期待，比如那些流行的“和弦进行”，是不是有着一些固定的模式？我希望能通过这本书，不仅能更好地欣赏那些我爱的流行歌曲，还能尝试着自己去创作一些简单的旋律。毕竟，了解音乐的“语法”，才能更好地“说话”，不是吗？这本书的标题“流行音乐基本乐理”，让我觉得它不像那些枯燥的理论书籍，而是更接地气，更贴近我们日常听到的音乐。我希望它能让我感受到，乐理并非是束缚创造力的牢笼，反而是激发无限灵感的源泉。

评分☆☆☆☆☆

我对音乐的“结构感”一直有着朦胧的认知，总觉得一首好听的歌，不仅仅是随意的音符堆砌，而是有着巧妙的编排。这本书的标题“流行音乐基本乐理”，让我猜测它可能会讲解流行歌曲中常见的“结构模式”，比如主歌、副歌、桥段的划分，以及它们之间的衔接方式。我特别想知道，为什么有些歌曲的副歌会那么“洗脑”，是旋律上的重复，还是和声上的巧妙运用？还有，那些能把歌曲推向高潮的“桥段”，通常有哪些乐理上的特点？我希望这本书能让我了解到，流行歌曲是如何在短时间内抓住听众的注意力，并让他们在脑海中留下深刻印象的。如果能看到一些关于“乐句”和“乐段”设计的分析，那就更好了。毕竟，了解歌曲的“骨架”，才能更好地欣赏它的“血肉”。我希望能从这本书中获得一些关于“形式美”的理解，让我在听歌时，不再只是被动接受，而是能主动去发现其中的巧妙之处。

评分☆☆☆☆☆

我一直觉得，优秀的流行歌手在演唱时，对“旋律的起伏”和“节奏的把握”有着极高的技巧。这本书的“流行音乐基本乐理”这个名字，让我联想到它可能会从乐理的角度，去分析歌手是如何通过“处理”旋律来增强歌曲的感染力的。我好奇书中是否会探讨“乐句的呼吸点”和“节奏的切分处理”，这些看似微小的细节，却能让演唱变得生动有趣。还有，关于“变奏”和“发展”在旋律创作中的应用，书中会不会举例说明，歌手是如何在演唱中加入一些即兴的装饰音，或者改变原有的节奏，来展现自己的个性和情感？我希望这本书能让我明白，那些动人的歌声背后，其实蕴含着深厚的乐理功底。如果能看到一些关于“人声和器乐”的配合分析，那就更好了。毕竟，了解音乐的“表情”，才能更好地体会到它的艺术性。