俄罗斯作曲家与20世纪 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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[俄] 阿兰诺夫斯基 编，张洪模 等 译

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• 俄罗斯音乐
• 20世纪音乐
• 作曲家
• 音乐史
• 古典音乐
• 音乐文化
• 肖斯塔科维奇
• 普罗科菲耶夫
• 斯特拉文斯基
• 现代音乐

出版社： 中央音乐学院出版社

ISBN：9787810960861

版次：1

商品编码：10288058

包装：平装

开本：32开

出版时间：2005-02-01

用纸：胶版纸

页数：400

内容简介

　　俄罗斯音乐跻身于20世纪艺术文化先列和它完成的业绩再一次证明艺术长河的过程的“客观性”，它的规律不以人的意志为转移，人只是服从它，而不是自己创造它。从事创作的人的作用这时不是缩小了，甚至是增大了，但作用的方式不同，宗旨地不一样；他要找出艺术的语言向他提出的课题的解决方法，这，当然是和作为精神的庇护所的艺术面前产生的问题结合在一起的。不论是20世纪上半叶还是下半叶的俄罗斯作曲家都善于解决时代交替在音乐艺术面前提出的许多问题，这就保证了在20世纪文化史中领先的地位。

目录

20世纪艺术文化史中的俄罗斯音乐艺术（序） 俄罗斯与西方音乐文化的相互关系 穆索尔斯基：走上通往20世纪的道路 拉赫玛尼诺夫浪漫主义世界观的强大生命力 斯克里亚宾的宇宙 斯特拉文斯基的世界 普罗科菲耶夫艺术思想的多彩性 肖斯塔科维奇的音乐“反乌托邦” 交响乐与时间 俄罗斯的战后先锋乐派

前言/序言

《战火中的旋律：20世纪欧洲音乐的变革与抗争》 导言：破碎与新生——欧洲大陆的时代回响 20世纪，是欧洲乃至世界历史上一个充满剧烈动荡与深刻变革的世纪。两次世界大战的硝烟、意识形态的冲突、科技的飞速发展以及社会结构的重塑，共同铸就了一幅复杂而多维的图景。对于音乐而言，这是一个告别了浪漫主义晚期宏大叙事、全面进入实验与探索的时代。本卷旨在深入剖析这一时期欧洲其他主要作曲家群体的创作历程、风格演变及其作品背后的时代精神，尤其关注他们如何应对战争、技术革新以及传统美学体系的崩溃与重建。 第一章：印象的消散与新古典主义的回潮 进入世纪之初，法国音乐在德彪西和拉威尔的领导下，以其对色彩、光影和瞬时印象的捕捉，开辟了通往现代音乐的一条精致之路。然而，随着历史进程的加速，这种感官的沉醉逐渐被对结构和清晰度的渴望所取代。 斯特拉文斯基的“奥涅格”阶段与新古典主义的宣言： 伊戈尔·斯特拉文斯基（Igor Stravinsky），这位早年以《春之祭》震撼世界的“音乐的普罗米修斯”，在“俄国时期”的野性与原始力量爆发之后，迅速完成了风格的转向。他并未简单地回归过去，而是采取了一种审慎的、理性的态度。本章详述他如何从巴洛克和古典时期的形式（如奏鸣曲、协奏曲、清唱剧）中汲取营养，用现代的和声语言进行重构。他的音乐不再是原始的宗教祭祀，而更像是一场精心设计的、带有讽刺意味的室内剧。我们重点分析《普尔钦奈拉》和后期的交响作品中体现出的“清晰的轮廓”与“客观的情感表达”。 法国的“六人团”与对瓦格纳主义的反叛： 在巴黎，以弗朗西斯·普朗克（Francis Poulenc）、达律斯·米约（Darius Milhaud）为代表的“六人团”集体，明确反对德奥晚期浪漫主义的沉重和对瓦格纳式“总体艺术作品”的迷恋。他们倡导一种简洁、幽默、充满法国式机智的音乐语言，借鉴香颂、爵士乐等通俗元素，试图让音乐回归到“可听性”与“生活乐趣”之中。米约的跨国经历（如对巴西音乐的吸收）和普朗克的内敛与虔诚，构成了这一流派内部的张力。 第二章：第二维也纳学派的彻底决裂与十二音体系的诞生 在奥地利，阿诺德·勋伯格（Arnold Schoenberg）及其追随者阿尔诺·贝尔格（Alban Berg）和安东·韦伯恩（Anton Webern），代表了对西方传统调性体系最彻底的挑战与颠覆。 从自由无调性到十二音组织的逻辑： 本章细致梳理了勋伯格如何从德彪西式色彩的和声拓展，最终走向放弃传统调性中心的必然性。重点解析“十二音序列法”的构建原理——即通过对所有十二个半音的平等对待，来实现一种“新的严格的组织性”。这不仅仅是一种作曲技巧，更是一种哲学宣言：在社会秩序崩塌之际，音乐必须建立新的、内在的、数学般的秩序。 风格的两极化：贝尔格的浪漫抒情与韦伯恩的精微结构： 勋伯格的两位杰出学生，在继承导师方法论的同时，发展出截然不同的美学方向。贝尔格的作品，如歌剧《沃采克》和《露露》，虽然运用了十二音技术，但其音乐内核仍饱含着强烈的德奥表现主义情感，是技术与人性的完美融合。而韦伯恩，则将十二音组织推向了极致的“节制”与“纯粹”，其作品篇幅短小，密度极高，被誉为“序列音乐的晶体结构”。 第三章：表现主义的阴影与战后先锋的激进探索 两次世界大战的残酷，使欧洲知识分子群体陷入深刻的怀疑与幻灭，这直接催生了战后音乐的激进转向。 德累斯顿的遗音：理查德·施特劳斯与拉赫玛尼诺夫的坚守： 尽管新浪潮已至，但一些大师依然在传统框架内进行了最后的光辉演绎。施特劳斯在歌剧《没有影子的女人》中展现了对浪漫主义配器法的炉火纯青，而拉赫玛尼诺夫则将其对俄国旋律的深情化作了钢琴协奏曲中的最后挽歌。本章探讨了他们在技术上如何回应时代，但在美学上如何保持了对逝去黄金时代的怀恋。 达姆施塔特的召唤与“全面序列化”： 战后，欧洲音乐的中心一度转移至德国的达姆施塔特夏令营。以皮埃尔·布列兹（Pierre Boulez）和卡尔海因茨·施托克豪森（Karlheinz Stockhausen）为首的年轻一代，将十二音组织的概念推向了“全面序列化”，即不仅音高，连时值、力度、音色等所有音乐参数都纳入序列控制。这是一种对人类主体性及其情感表达的全面“去中心化”尝试，旨在创造一种绝对客观、不受个人偏见影响的音乐结构。 “机遇音乐”与技术之外的哲学： 与结构主义的严谨相对，约翰·凯奇（John Cage，尽管其主要活动在美国，但其哲学深刻影响了欧洲先锋派）倡导的偶然性音乐（Aleatoric Music）也开始抬头。本章简要介绍欧洲作曲家如卢西亚诺·贝里奥（Luciano Berio）如何运用声音的“拼贴”与“文本”概念，探索音乐与噪音、语言、人声的边界，体现出对既有音乐“权威性”的质疑。 第四章：极简主义的喘息与后现代的多元声音 在经历了序列主义的理性高峰后，听觉疲劳和对过度控制的反思促使部分作曲家寻求更直接、更回归感官的表达方式。 过程音乐与重复结构： 本章侧重分析那些开始使用缓慢的、渐变的、基于重复的音乐过程的作曲家。虽然极简主义在美国成熟，但在欧洲，一些作曲家也开始探索利用缓慢的节奏推进和微妙的音色变化来构建音乐体验，使听众能够“进入”音乐的内部运作机制，而非仅仅被动接受结构。 新浪漫主义的回响与复古的交织： 到了世纪末，随着意识形态紧张的缓解，一些作曲家开始在探索性的现代语汇中，重新引入可辨识的旋律与和声元素，形成一种融合了现代技法与传统情感表达的新后现代风格。这标志着欧洲音乐在经历了数次激烈的范式革命后，开始寻找一个更为包容、多元的整合路径。 结语：在断裂中寻找意义 20世纪的欧洲作曲家，置身于一个不断坍塌与重建的世界中。他们的音乐不再是为贵族或教会服务，而是成为了个体面对宏大历史洪流时的呐喊、记录或反思。从斯特拉文斯基的理性净化到勋伯格体系的逻辑重建，再到战后先锋派对一切既有规则的颠覆，这些音乐实践共同构建了一个前所未有的、充满张力和创造力的声响世界。理解这些作曲家的探索，就是理解一个伟大而痛苦的时代在声音中的不朽印记。

评分☆☆☆☆☆

对于我来说，俄罗斯音乐的魅力，更多地体现在它那一种近乎史诗般的宏大叙事感。即使是最细腻的情感表达，似乎也总是与广袤的土地、深邃的民族性格以及历史的沉淀息息相关。20世纪的俄罗斯，经历了如此多的动荡与变革，这种史诗感在那个时代的音乐中，想必得到了更加淋漓尽致的体现。那些描绘战争场景的宏伟乐章，那些诉说民族命运的悲怆旋律，亦或是那些歌颂革命理想的激昂篇章，都可能在这本书中有所提及。我很好奇，那些在特定历史时期下创作的作品，是如何反映当时的社会思潮，又是如何成为那个时代重要的文化符号的。了解这些作曲家，不仅仅是了解他们的音乐技法，更是理解他们所处的时代背景，以及他们如何在那个时代背景下，用音乐来表达自己的思想和情感。这就像是在通过音乐，去读一本厚重的历史书，去感受一个民族的脉搏。

评分☆☆☆☆☆

俄罗斯音乐的辉煌，总让人心生向往。那些激昂的旋律，深邃的情感，如同汹涌的河流，穿越历史的长河，直抵人心最柔软的地方。每当想起柴可夫斯基那充满忧郁的芭蕾舞曲，或是斯特拉文斯基那石破天惊的《春之祭》，总能感受到一种难以言喻的力量。20世纪，这个动荡而充满变革的时代，更是催生了无数艺术的瑰宝。那些在战争与和平、革命与复兴的浪潮中涌现出来的俄罗斯作曲家们，他们的音乐，如同那个时代的缩影，既有对过往荣光的追忆，也有对未来未知的探索。每一部作品，都承载着一个民族的灵魂，一段历史的记忆。聆听他们的音乐，仿佛能穿越时空，与那些伟大的灵魂对话，感受他们内心的澎湃与激荡。我想，这本关于俄罗斯作曲家与20世纪的书，定能为我打开一扇了解这段音乐史的窗户，让我更深入地理解那些触动我心灵的旋律背后，蕴藏着的丰富故事与情感。

评分☆☆☆☆☆

总觉得，20世纪的音乐，是一种截然不同的存在，它不再是19世纪那种对浪漫主义的直接延续，而是充满了实验、打破与重塑。尤其是俄罗斯的作曲家们，他们在那个巨变的时代，既要面对西方音乐思潮的冲击，又要坚守民族音乐的根基，这种挣扎与融合，本身就极具戏剧性。我想象着，在那个风云变幻的年代，他们是如何在创作中寻找突破，如何在既有的框架下开辟新的天地。那些激进的、令人耳目一新的和声，那些充满民族特色的节奏，那些将民间音乐元素与现代技法巧妙结合的作品，都让人好奇其背后是如何孕育出来的。20世纪的俄罗斯，政治、社会、文化都经历了翻天覆地的变化，这些变化无疑深深地烙印在作曲家的创作之中。他们或许在歌颂革命的激情，或许在描绘人民的苦难，又或许在探索艺术的边界。这本书记载的，不仅仅是音乐本身，更是那个时代俄罗斯社会的一幅幅生动画面，是那个民族的精神图腾。

评分☆☆☆☆☆

对于20世纪的音乐，我一直有一种既着迷又有些敬畏的感觉。它不像古典音乐那样容易被大众接受，但它所蕴含的创新和突破，却又无比吸引人。尤其是俄罗斯的作曲家，他们总能带着一股不驯服的劲儿，在音乐中注入一种独特的力量。我想象着，在20世纪那个充满挑战的年代，他们是如何在音乐的道路上不断探索，如何打破陈规，创造出那些至今仍令人惊叹的作品。那些充满张力的和声，那些别具一格的配器，那些将不同风格融合的尝试，都让我对他们的创作过程充满了好奇。这本书，或许会揭示他们是如何在艺术的探索中，兼顾民族传统与时代精神，如何在复杂的社会环境中，保持创作的独立性。我希望从中能够了解到，那些定义了20世纪俄罗斯音乐面貌的大师们，他们的灵感来源，他们的创作理念，以及他们对音乐未来发展的贡献。

评分☆☆☆☆☆

20世纪的音乐，对我而言，就像是一个充满未知的宝藏，每一次的探索都能带来惊喜。而俄罗斯作曲家，在其中扮演着一个尤为重要的角色。他们身上似乎总有一种与生俱来的戏剧张力，既有深沉的情感，又有奔放的想象力。我想象着，在那个充满动荡与变革的时代，他们是如何在音乐的世界里，找到属于自己的声音，如何将时代的烙印融入到旋律之中。那些在战争中奏响的音乐，那些在变革中诞生的作品，都可能承载着非凡的意义。我特别好奇，那些在政治气候影响下，作曲家们是如何在创作中进行权衡与表达的，他们的作品是否又成为了某种特殊的记录，反映了那个时代的社会现实和民族情感。这本书，或许能够为我揭示，那些在20世纪俄罗斯音乐史上留下的璀璨名字，他们是如何用音符描绘时代，用旋律诉说人生，最终在音乐史上留下了浓墨重彩的一笔。

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