勋伯格的作品及创作技法研究论文集 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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姚恒璐 著

图书标签:

• 勋伯格
• 十二音技法
• 音乐分析
• 作曲技法
• 现代音乐
• 音乐理论
• 音乐史
• 音乐研究
• 调性
• 无调性

出版社： 中央音乐学院出版社

ISBN：9787810962827

版次：1

商品编码：10295440

包装：平装

丛书名： 北京现代音乐节理论丛书

开本：16开

出版时间：2008-10-01

页数：349

正文语种：中文

内容简介

《勋伯格的作品及创作技法研究论文集》以收集到的有关勋伯格研究的论文为研究对象，对其进行整理、归类，从“作家作品介绍”、“作品分析”、“作曲技法研究”、“美学研究”、“译著译文”五个方面③，对国内有关勋伯格研究的论文和著作进行梳理、述评，发现、重提一些重要的文献，展现勋伯格在国内研究的现状，并对勋伯格在国内的进一步研究，提出了自己的展望。
尽管勋伯格不是被听众所广泛接受与喜爱的作曲家，但他却是一位对20世纪西方现代音乐发展起着决定性作用的人物。他于1874年9月13日作为家中三个孩子的长子出生在奥地利首都维也纳的第二个行政区里奥波特斯坦（Leopoldstadt），那里是20世纪犹太人的聚集区。他的父母开了一个小鞋店赖以为生，勋伯格在很小的时候即显示出非凡的音乐才能，他八岁起即开始学习小提琴与作曲。十六岁时他的父亲过世，使他不得不中断自己的中学学业而进入一家私人银行工作，不久这家私人银行倒闭，虽然养家糊口很重要，但他还是决定成为一位音乐家。

目录

代序20世纪西方现代音乐的开路先锋
理论分析的实践视角——勋伯格的《作曲基本原理》及其与创作实践的关联
论勋伯格的先知意识在作品中的体现
自由无调性音乐作品中的潜在“调性结构力”——以勋伯格《钢琴小品六首》之六（Op．19，No．6）为例
勋伯格自由无调性时期和声思维与技法研究
国内勋伯格研究现状之研究
平生为不古不今之学——浅析勋伯格《钢琴组曲》（Op．25）中的织体特点及其
结构意义
作为理论家和“勋伯格信徒”的米尔顿·巴比特——译自[美]E．安托科列兹《20世纪音乐》之第十六章
自由无调性作品的创作观念与结构途径——勋伯格《钢琴小品六首》的技法分析
勋伯格是怎样走向“十二音”的
《摩西与亚伦》的创作背景
勋伯格《乐队变奏曲》的十二音处理与配器技术
罗忠镕、朱践耳音乐创作中对新维也纳乐派音乐观念
与技术的借鉴与发扬
三种音高体系创作思维的理念与实践——从勋伯格创立的音列思维谈起
“主导动机”在勋伯格交响诗《佩利亚斯与梅丽桑德》
中的运用及其结构力作用
研究之研究——勋伯格的创作思维与自由无调性作品中的创新
自由无调性音乐的结构逻辑——勋伯格《钢琴小品六首》（Op．19）作曲技术分析
“整体艺术品”《幸运之手》中的视听艺术交融
浅谈“后勋伯格”时代序列思维的发展
集合一音程思维的当代创作实践——潘德列茨基《第四交响曲》的音高材料组织手段
代附录阿诺德·勋伯格年谱

精彩书摘

首先是国内派遣作曲家、学者到国外学习，同时邀请外国作曲家到我国讲学，此后国内有部分作曲家、理论家开始翻译勋伯格的理论技法以及著作，为国内音乐工作者全面而深入地了解和研究勋伯格提供了便利。他们不仅对勋伯格及其技法进行学术上的研究，而且还将这种研究的成果带进了课堂。1981年，中央音乐学院音乐学系的钟子林教授在中央音乐学院开设了“西方现代音乐”课程，其中专辟章节对勋伯格进行介绍；同年，武汉音乐学院的郑英烈教授在武汉音乐学院开设了“十二音序列音乐”课程，对勋伯格及其十二音技法进行介绍。他们的讲稿通过整理、修改后正式出版，分别命名为《西方现代音乐概述》①和《序列音乐写作基础》②。
在20世纪80年代初期，国内研究勋伯格的文章中，以介绍勋伯格及其作品、作曲技法等方面的文章居多。之后，研究的领域开始扩展，涉及作家作品分析以及美学等领域的研究。在作曲技法的研究中，开始研究的仅仅是十二音技法的原理和序列，而后出现了将十二音技法与创作结合的研究以及将十二音技法与中国五声化结合的研究，呈现出逐渐深入、逐步拓宽的趋势。
本文以收集到的有关勋伯格研究的论文为研究对象，对其进行整理、归类，从“作家作品介绍”、“作品分析”、“作曲技法研究”、“美学研究”、“译著译文”五个方面③，对国内有关勋伯格研究的论文和著作进行梳理、述评，发现、重提一些重要的文献，展现勋伯格在国内研究的现状，并对勋伯格在国内的进一步研究，提出了自己的展望。
一、作家作品介绍
和对勋伯格其他方面的研究相比，对勋伯格及其作品的介绍相对较少。之所以这样，笔者认为，可能是由于随着勋伯格及其作品的介绍被写入音乐史教材，逐渐为音乐院校的师生所了解、熟知，加之这方面的介绍很难出新意，所以，在国内以勋伯格及其作品介绍为主的文章不多。而已有的这些文章大部分是面向音乐爱好者（主要是非专业人士）介绍勋伯格，多发表在音乐爱好者们广为熟悉、了解的刊物上。主要介绍了勋伯格以及与勋伯格相关的新维也纳乐派，表现主义，音乐风格，十二音技法以及其跨时代的改革意义等。
在这些介绍勋伯格的文章中，一般都是关于他的生平、创作、创作技法——无调性和十二音技法、作品等。例如徐言的《震撼心灵的音乐——现代派作曲家勋伯格的（华沙幸存者）》一文就是从这几个方面对勋伯格进行介绍的。

前言/序言

　　20世纪西方现代音乐的开路先锋
　　尽管勋伯格不是被听众所广泛接受与喜爱的作曲家，但他却是一位对20世纪西方现代音乐发展起着决定性作用的人物。他于1874年9月13日作为家中三个孩子的长子出生在奥地利首都维也纳的第二个行政区里奥波特斯坦（Leopoldstadt），那里是20世纪犹太人的聚集区。他的父母开了一个小鞋店赖以为生，勋伯格在很小的时候即显示出非凡的音乐才能，他八岁起即开始学习小提琴与作曲。十六岁时他的父亲过世，使他不得不中断自己的中学学业而进入一家私人银行工作，不久这家私人银行倒闭，虽然养家糊口很重要，但他还是决定成为一位音乐家。
　　他勤奋地练习着小提琴和大提琴，并且进入亚历山大·冯·策姆林斯基（Alexander yonZemlinsky）领导的业余室内乐团。这一乐团是由一群热爱音乐的年轻人组成，他们每周活动一次。后来勋伯格成为策姆林斯基的作曲学生，但是策姆林斯基对他的授课并不系统化，而是采用了一种较为自由，但确实是富有实效的教学方法，比如他们常常就值得探讨的作曲技法与多样化的美学思想进行深人的学习与讨论，并且勋伯格以他一贯勤奋的作风与坚韧的毅力，通过学习与分析作曲大师们的经典作品（从巴赫至勃拉姆斯），从而掌握了从古典至浪漫派时期的音乐传统与作曲技术理论。那时勋伯格最喜爱的两位作曲家是勃拉姆斯与瓦格纳，此外他亦受到了李斯特和布鲁克纳以及胡戈·沃尔夫的影响。如他在1897年创作的《D大调弦乐四重奏》（Streichquartett D—Dur）以及在1898至1900年间创作的十二首早期的艺术歌曲（Op，1—op，3），均散发着晚期浪漫派的音乐情调与风格。

好的，这是一份关于 《勋伯格的作品及创作技法研究论文集》 的图书简介，着重于描述该论文集所涵盖的主题和研究深度，但严格避免提及您提到的书名本身，专注于内容本身。 --- 深入二十世纪音乐的先驱：一部关于现代作曲技法与美学探索的论文集 本书汇集了一系列前沿且深刻的学术研究，旨在全面剖析二十世纪音乐史上最具影响力的几位关键人物——特别是那些对传统音乐语言进行彻底颠覆的作曲家——的创作实践、理论贡献及其对后世音乐文化产生的深远影响。本论文集不仅关注宏大的历史背景，更深入到作品的微观结构与技法层面，为音乐学者、作曲家以及资深音乐爱好者提供了一份宝贵的思想和技术参考资料。 第一部分：调性瓦解与无调性体系的构建 本部分聚焦于传统和声体系在十九世纪末至二十世纪初所面临的危机，以及作曲家们如何积极寻求新的组织原则来取代功能和声。 章节一：从晚期浪漫主义到自由无调性 此章节详细考察了早期突破性作品中的和声语言，分析了如何通过非功能性半音化、和弦的垂直聚合而非水平进行来削弱调性中心。研究者们通过对具体乐段的深度和声分析，揭示了从瓦格纳式的模糊调性向彻底去中心化过渡的内在逻辑。重点讨论了如何利用不协和音的持续张力而非解决来构建新的听觉体验。 章节二：十二音技法的起源、原理与发展 这是本论文集的核心研究之一。我们详细探讨了十二音体系（Dodecaphony）并非凭空出现，而是对既有对位法和序列化思想的理性回应。论文系统梳理了该体系的理论基础，包括音列的构成原则（Prime, Retrograde, Inversion, Retrograde Inversion）及其在不同维度上的操作规则。研究深入到具体作品的谱例分析，展示了作曲家如何在严格的序列限制下，保持音乐的有机流动性和表现力，避免机械化操作的陷阱。此外，也探讨了早期十二音实践中出现的风格差异和技法变体。 第二部分：序列化进程的深化与扩展 进入二十世纪中期，音乐组织原则不再局限于音高，而是扩展到节奏、力度、音色乃至演奏方式。 章节三：超越音高的序列控制 本部分考察了作曲家们如何将序列化思维应用于音乐的非音高元素。研究者分析了如何对节奏进行数学化或序列化的组织，例如将特定的时值群或节奏模式作为基础材料进行展开。关于力度的序列化处理，也进行了细致的考察，展示了如何通过精确的力度标记来实现对听觉层次的精细控制。这一部分的分析挑战了传统上认为序列音乐仅关注音高的狭隘理解。 章节四：对位法的再概念化 在抛弃传统调性框架后，对位法获得了新的生命力。本章节探讨了在无调性或十二音语境下，作曲家如何运用传统对位原则（如卡农、赋格），并对其进行改造以适应新的音高材料。重点研究了音列的组合、交叉对位以及如何通过复杂的复调织体来构建音乐的结构性深度，而非仅仅依赖和声的纵向堆叠。 第三部分：对表现主义与象征主义的探索 本论文集也关注了音乐中深刻的心理维度和美学诉求，特别是二十世纪初叶音乐对人类内在冲突和非理性世界的关注。 章节五：极度表现主义的音响景观 本章节深入分析了那些倾向于表达内心极端情绪的作品，这些作品往往伴随着极端的记谱要求和演奏技巧的挑战。研究探讨了如何通过密集的不协和音、极速或极慢的节奏处理，以及对人声特有发声技法的探索（如“音色爆炸”或极高/低音区的开发），来营造出强烈的心理震撼效果。分析关注了“痛苦”与“异化”在音响上的对应关系。 章节六：音色作为结构要素的革命 本部分将焦点从传统的旋律、和声转移到“音色”（Klangfarbe）本身。论文系统考察了如何将音色视为与音高同等重要的组织材料。研究者分析了早期作曲家如何通过对乐器音区、演奏法（如指定演奏法、特殊弓法）的精确控制，以及在多层织体中对不同音色进行“排列”和“叠加”，从而在缺乏调性引导的情况下，依然构建出清晰的音乐形态。 第四部分：技法的遗产与二十世纪的跨界影响 最后的篇章将视角投向这些开创性技法的后续影响及其在其他艺术领域的回响。 章节七：序列技法在后世音乐中的演变 本章节追踪了早期序列技法的传播与分化，分析了后来的作曲家群体如何对这些技法进行激进化的或保守的继承与发展。讨论了整体序列主义（Total Serialism）的出现及其理论上的得失，同时也探讨了某些作曲家如何有意识地“解构”或“简化”这些复杂体系，以重获表达的自由。 章节八：对位法与结构化思维的普适性 总结性的章节强调了结构化思维在二十世纪音乐中的核心地位。它超越了具体的十二音规则，成为一种分析和组织复杂音乐材料的通用方法论。本章探讨了这种结构化思维如何渗透到音乐的宏观布局、动机的演变以及声部间的逻辑关联中，为理解当代复杂的音乐作品提供了坚实的分析工具。 --- 本论文集以其严谨的学术态度、详尽的谱例分析以及对技术细节的精确把握，为读者提供了一扇直通二十世纪音乐思维深处的窗口。它不仅仅是对历史的回顾，更是对作曲技术潜能的持续探索。

评分☆☆☆☆☆

我抱着一种探索未知、寻求启发的态度来翻阅这本《勋伯格的作品及创作技法研究论文集》。勋伯格的名字，在我心中一直是现代音乐史上一座难以逾越的高峰，他的音乐既是革命性的，又是极具挑战性的。我渴望在这本论文集中找到关于他如何颠覆传统音乐观念的线索，尤其是他对于“无调性”音乐的开创性探索。文章是否会深入剖析他早期作品中，调性逐渐瓦解的过程，以及这种瓦解所带来的音乐表现力的拓展？我特别想了解，在脱离了传统调性束缚之后，勋伯格是如何组织和构建他的音乐的？他的“情感表达”是否因此获得了前所未有的自由？此外，十二音技法作为他最著名的创作手段，其背后是否存在某种超越单纯技法的哲学或美学考量？论文集是否会从更宏观的视角，探讨勋伯格在音乐思想上的发展脉络，例如他对艺术的本质、音乐的功能等问题的思考？我期待作者们能够提供一些新颖的视角和独到的见解，让我们得以窥见这位音乐大师的内心世界和艺术追求，而不仅仅停留在技法层面的客观描述。

评分☆☆☆☆☆

对于任何对二十世纪音乐发展轨迹稍有了解的人来说，勋伯格的名字绝不陌生，他无疑是这场音乐革命的核心人物之一。因此，当我看到这本《勋伯格的作品及创作技法研究论文集》时，内心充满了期待。我希望这本书能够像一把手术刀，精准地解剖勋伯格音乐的肌理，尤其是他那独树一帜的十二音体系。我非常好奇，在看似严谨甚至有些枯燥的音列构建背后，勋伯格是如何注入生命力和情感的？论文集是否会提供一些分析工具，帮助读者理解那些复杂的音高关系，以及它们如何在作品中形成独特的张力和色彩？我尤其期待能够看到一些关于他具体作品的细致分析，比如《室内交响曲》Op.9中，那种充满张力的和声和复杂的织体是如何打破传统界限的？又或者，《彼埃罗月光》Op.21中，那种表现主义的戏剧性如何通过音高、节奏、音色等多种手段得以淋漓尽致地展现？我希望这本书能够不仅停留在理论的介绍，更能带领读者走进勋伯格的音乐现场，去感受他音乐的震撼力和创造力。

评分☆☆☆☆☆

这本《勋伯格的作品及创作技法研究论文集》仿佛是一扇通往现代音乐神秘殿堂的钥匙，我迫不及待地想一探究竟。勋伯格的作品，对我而言，常常是一种既令人敬畏又充满魅力的存在。我希望在这本论文集中，能够看到关于他如何突破传统和声逻辑的深入探讨。例如，他如何处理那些曾经被视为“不协和”的和弦，并将它们融入到自己的音乐语汇中？论文集是否会提供详细的乐谱分析，揭示他在和声进行、音色运用、节奏处理等方面的创新之处？特别地，我对勋伯格的十二音技法充满了好奇。我希望看到它不仅仅被当作一种纯粹的作曲技巧，更能被理解为一种全新的音乐哲学和美学观念。论文集是否会探讨十二音体系对音乐结构、形式以及情感表达的影响？以及，在复杂的技法之下，勋伯格的作品如何依然能够传达出深刻的人文关怀和艺术张力？我期待这本书能够提供一种更为立体和多元的视角，让我们不仅仅了解勋伯格“怎么写”，更能理解他“为什么这么写”，从而真正领略他作为一位革命性作曲家所带来的深刻启示。

评分☆☆☆☆☆

这本书的出现，简直是为我这样的勋伯格狂热者量身打造的。我一直对勋伯格的“十二音体系”感到既着迷又困惑，总觉得它像一把精密的钥匙，却又不知道如何才能完全打开音乐的宝藏。我非常好奇，论文集中会不会有专门的文章，深入浅出地解析十二音技法的具体运用？比如，如何构建十二音列？如何进行转位、逆行、逆行转位？更重要的是，在遵循这些“规则”的同时，勋伯格是如何保持作品的情感张力和艺术感染力的？我殷切地希望能看到一些具体的乐谱分析，将理论与实践相结合，这样我才能真正理解那些看似“不和谐”的音符背后是如何被精心编织在一起的。除了十二音技法，我对勋伯格早期的作品也非常感兴趣，那些充满了浪漫主义色彩的旋律和和声，以及他晚期在回归调性音乐时所展现出的不同面貌，都让我充满了探索的欲望。如果论文集能够对这些作品进行多角度的解读，例如从和声语言、旋律构造、曲式结构等多个层面进行剖析，那将大大拓宽我对这位音乐大师认识的维度。总而言之，我期待这本书能提供扎实的学术论证和精彩的案例分析，让我对勋伯格的音乐世界有更深入、更全面的理解。

评分☆☆☆☆☆

这本《勋伯格的作品及创作技法研究论文集》无疑是一本引人入胜的学术著作。从封面设计就能感受到一种严谨与深刻的学术氛围，仿佛预示着一场关于音乐巨匠勋伯格内心世界与创作奥秘的深度探索。我最期待的是其中能够剖析勋伯格音乐语言的独特性，例如他如何从晚期浪漫主义的宏大叙事转向十二音技法的精确构建，这种跨越式的变革究竟蕴含着怎样的思想动机？论文集中是否会细致地梳理出他不同创作时期的作品特点，比如从《古老的歌曲》的丰富和声到《月光下的彼埃罗》的革新性表现主义，再到《乐队协奏曲》等晚期作品的深刻内省？我希望作者们能够不仅仅停留在技法层面的罗列，更能深入探讨这些技法背后所承载的哲学思考和时代精神。勋伯格作为现代音乐的奠基人之一，他的理论和实践对后世产生了深远影响，因此，论文集若能探讨其理论体系，如“不协和音的解放”等概念在具体作品中的体现，那将极具价值。此外，关于勋伯格如何处理音色、节奏、曲式等音乐元素，以及他与同时代其他作曲家之间的思想碰撞，如果能有详细的案例分析，那就更臻完美了。对于音乐史爱好者和作曲专业学生而言，这无疑是一份不可多得的学术宝藏。

评分☆☆☆☆☆

研究现代音乐创作技法的论文集，作为了解，需要认真阅读之后才会有感想，现在还不能发表任何观点。

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里边全是各位大师的分析勋伯格的论文

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