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Quarto出版集团 著

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店铺： 梅凯瑞图书专营店

出版社： 广西美术出版社

ISBN：9787807462477

商品编码：30012299030

包装：平装

出版时间：2007-11-01

基本信息

书名：数字日本动画技法

定价：45.00元

作者：Quarto出版集团

出版社：广西美术出版社

出版日期：2007-11-01

ISBN：9787807462477

字数：

页码：128

版次：1

装帧：平装

开本：16开

商品重量：0.740kg

编辑推荐

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本书将带您领略自创日本动画的基础技术。从编写剧本到完成动画，本书将传统的动画技巧与新的数码技术相结合。此外，本书还详细说明了日本动画区别于别国动画的一些非常重要的特点。因此，即使不熟悉日本文化，您同样能够创作出栩栩如生的动画作品。不过，本书并非教您简单地模仿，而是简明扼要地解释各种日本动画技术，足以创造出具有日本风格的原创性动画作品。说不定您的作品还将影响观众，广为传播呢。

内容提要

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日本动画，近几年风靡日本以外的国家。不仅是日本动画电影在世界各地剧场上演，而且对于日益增长的有线电视、卫星电视和在线频道，日本动画电视节目也塞满黄金时段。
日本动画源自日本漫画（出版物中的连环画），种类繁多，并且往往针对特殊的目标观众。目标观众不仅有儿童、少女、电脑高手，还有成年人。由于日本动画越来越流行，观众对日本动画新形象的需求也与日俱增，也就意味着，您开始创作自己日本动画风格的卡通画，今天正是理想时代。
本书将带您领略自创日本动画的基础技术。从编写剧本到完成动画，本书将传统的动画技巧与新的数码技术相结合。至关重要的是，在有效地使用眼花缭乱的电脑工具之前，您首先得学习、理解基本的动画原理。
但是，这些原理仅仅是工具性手段，而不是能够带来创意作品的魔棒。
世界各地的动画基本原理大同小异，但是日本动画却具有某些非常重要的特点。本书对这些与众不同的特点给予详细说明。因此，即使不熟悉日本文化，您同样能够创作出栩栩如生的动画作品。不过，本书不是教您简单地模仿，而是简明扼要地解释各种日本动画技术，足以创造出具有日本风格的原创性动画作品。说不定您的作品还将影响观众，广为传播呢。
本书也包括了部分常见的日本动画人物类型，它们可以是您的灵感源泉。
本书的目标在于为动画制作的新手提供指导，因此，从免费软件一直到专业程序，本书点评了一系列的软件解决方案。面对这些方案，您好像置身于布满新技术的工作室里，随时随地都可以用简单的设备创作出的动画作品。对于创作日本动画，为重要的是创作天赋，而且创作天赋是不能买来的（除非您是大牌的好莱坞制片人）。您可以将本书看作入门指南，但要切记，真正学会日本动画技术的方法就是实践。一旦您翻阅完本书，您就足以开始制作部日本动画短片。如果仍感到迷茫，回头再翻翻本书，但千万不要放弃自己的日本动画理想：实践才能完美呀。

目录

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作者介绍

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文摘

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序言

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数字时代的光影魔术：经典动画制作深度解析 一、 角色设计的灵魂塑造：从概念到荧幕的蜕变 本书聚焦于现代动画制作流程中至关重要的一环：角色设计。我们深入剖析如何将一个抽象的创意概念转化为具有鲜明个性和视觉冲击力的二维或三维角色模型。 1. 基础造型学与人体动态捕捉： 详尽讲解人体解剖学在动画设计中的简化与夸张原则。探讨如何运用“结构线”、“平衡点”和“动作曲线”来赋予角色生命力，使其在静态设计阶段就预示出动态表现的潜力。内容覆盖从写实比例到Q版造型的风格化处理，并辅以大量经典案例对比分析。 2. 表情符号学与情绪传达： 角色设计远不止于外形，更在于情感的表达。本章系统梳理了面部表情的“黄金比例”，讲解如何通过眉眼、嘴型的细微变化来准确传达喜怒哀乐等复杂情绪，并探讨“符号化表情”在快节奏叙事中的应用，例如日式动画中常见的“汗滴”、“青筋”等视觉符号的有效运用。 3. 服装与道具的叙事功能： 服装和道具是拓展角色背景故事的无声语言。内容涵盖材质表现、光影反射模拟以及文化符号嵌入。我们将分析如何通过服装的磨损程度、色彩搭配和功能性设计，间接揭示角色的社会地位、职业背景乃至心理状态。 二、 场景与环境的沉浸式构建 成功的动画需要一个令人信服的世界观。本书将详尽阐述如何运用技术与艺术相结合的方式，构建出具有深度和氛围感的动画场景。 1. 空间透视与构图法则在背景设计中的应用： 讲解传统透视法（单点、两点、三点）在二维手绘背景和三维场景搭建中的严格要求。深入探讨如何运用“前景、中景、远景”的层次划分，结合景深模拟，引导观众的视线，增强画面的立体感和空间深度。 2. 光影与色彩的情感调控： 光是场景的灵魂。本章重点分析自然光、人工光源的物理特性模拟，以及它们在烘托特定情绪（如温暖、压抑、神秘）中的关键作用。色彩心理学在环境色设置中的应用将作为核心内容，指导读者如何建立一套自洽且富有表现力的色彩系统。 3. 材质表现与纹理贴图的精细化处理： 针对三维动画制作，详述PBR（基于物理渲染）流程中，不同材质（金属、织物、皮肤、有机物）的纹理、粗糙度、金属度等参数的设定技巧，以达到照片级的真实感或高度风格化的视觉效果。 三、 动态之美：动画原理与运动规律的实践 动画制作的核心在于运动的呈现。本书回归动画的本质，系统阐述十二项基本动画原理（The 12 Principles of Animation）在数字工具中的具体实现路径。 1. 时间与空间控制： 重点讲解“挤压与拉伸”（Squash and Stretch）如何赋予物体弹性与重量感；“预备动作”（Anticipation）如何为主要动作积蓄能量；以及“时序与间距”（Timing and Spacing）如何控制动作的速度和流畅度，是区分业余与专业动画的关键。 2. 辅助动作与次要动作的层次叠加： 探讨如何利用头发的飘动、衣摆的摆动、面部微表情等次要动作，来丰富主动作的表现力，使角色运动更加自然和真实。 3. 镜头运动与摄影机语言： 动画中的“镜头”如同电影镜头。分析平移（Pan）、推拉（Zoom/Dolly）、跟随（Follow）等摄影机运动方式如何配合角色动作，增强画面的冲击力和叙事节奏。探讨如何模拟电影摄影机中常见的失焦、镜头晃动等效果。 四、 现代数字制作流程与工作流整合 本书全面梳理了当前主流的数字动画制作流程，强调跨软件协作与效率优化。 1. 2D/3D混合制作的挑战与机遇： 探讨在现代项目中，如何将传统手绘感与三维模型的优势结合。内容包括三维模型转线条渲染（Cel-Shading）的优化技术，以及二维骨骼绑定在快速布局中的应用。 2. 绑定（Rigging）系统的深度构建： 详细介绍高级角色绑定技术，包括反向动力学（IK）与正向动力学（FK）的切换逻辑，肌肉变形器（Deformers）的设置，以及面部表情控制（Facial Rigging）的复杂结构搭建，确保角色动作的自由度和可控性。 3. 合成（Compositing）的魔力： 最后一步，我们将聚焦于后期合成技术。讲解如何通过景深叠加、运动模糊精确控制、色彩校正、粒子效果（如烟雾、火花）的整合，将所有元素无缝地融合在一起，提升最终画面的专业质感和视觉冲击力。 本书旨在为有志于深入理解现代动画制作工艺的爱好者和专业人士提供一套系统、深入且注重实践的技法指南。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计就相当吸引人，封面上色彩鲜明，构图也很有动态感，让人一眼就能感受到其中蕴含的日本动画的活力和魅力。我迫不及待地翻开，想看看里面到底有哪些精彩的内容。开篇的一些视觉效果图真的非常惊艳，它们展示了日本动画在色彩运用、光影处理和角色设计上的一些独到之处。我尤其喜欢其中关于“动态模糊”的讲解，虽然我不是专业人士，但通过书中清晰的图示和生动的文字描述，我大致明白了它如何能有效地营造出速度感和冲击力，让画面动起来，仿佛触手可及。还有关于“镜头语言”的分析，让我了解了不同景别、不同角度的运用是如何影响观众的情绪和故事的叙述的。书里似乎还涉及了一些基础的动画原理，比如帧数、间隔帧等概念，虽然我之前对这些一知半解，但这本书用比较通俗易懂的方式将其解释清楚，甚至还穿插了一些经典的日本动画片段作为例子，这让我觉得学习起来一点也不枯燥，反而充满乐趣。整体来说，这本书给我的第一印象是，它不仅仅是理论的堆砌，更注重实际的视觉呈现和技巧的应用，这一点非常符合我这种喜欢“看得懂、学得会”的读者。

评分☆☆☆☆☆

在我看来，这本书的讲解方式非常新颖，它没有采用枯燥的学术术语，而是巧妙地融入了很多实际的案例分析。我尤其喜欢关于“角色情感表现”的那一部分。书中通过大量对比图，生动地展示了同样的表情，在细微的五官变化下，能够传达出截然不同的情绪。例如，同样是“惊讶”，可以是通过瞪大的眼睛和微微张开的嘴巴，也可以是通过眉毛的上挑和脸颊的微红，而这些细微之处，往往是区分角色性格和内心活动的关键。书里还提到了“肢体语言”的重要性，通过分析角色站姿、坐姿，甚至走路的姿态，来刻画人物的性格和状态，这让我意识到，一个角色的魅力，不仅仅在于他的外貌，更在于他的一举一动。我还有一个惊喜是，书中似乎还涉及了“拟声词”的视觉化表现，虽然我还没完全理解，但看到那些用线条和形状来模拟声音的画面，我觉得非常有趣，也很有启发性。这本书让我觉得，原来创作动画角色，不仅仅是画好几张图，而是要将一个鲜活的生命注入到画面之中，让观众能够真正地感受到角色的喜怒哀乐。

评分☆☆☆☆☆

我特别欣赏这本书在“构图与节奏”上的深入讲解。它不仅仅是教你如何将元素摆放在画面中，更重要的是如何通过构图来引导观众的视线，控制画面的节奏，从而更好地传达信息和情感。书中对“黄金分割”、“三分法”等经典构图原则的运用，通过大量的实际案例来展示，让我理解了为什么某些画面会让人感到舒适和平衡，而另一些画面则能产生视觉冲击力。我尤其关注的是关于“动态构图”的分析，它如何通过倾斜的线条、不对称的布局来营造出动感和紧张感，这对于表现激烈的动作场面至关重要。同时，书中也深入探讨了“视觉节奏”，这不仅仅是画面切换的速度，更是画面内部元素之间的时间和空间关系。例如，人物的眼神交流、动作的连续性，这些都需要精妙的节奏把控才能达到最佳的观赏效果。总的来说，这本书让我意识到，构图和节奏是动画创作的骨架，它们决定了作品的骨骼是否强健，动作是否流畅，情感是否能够直达人心。

评分☆☆☆☆☆

我一直对日本动画的背景美术情有独钟，尤其是那些充满想象力又细节丰富的场景。这本书在这方面的内容让我眼前一亮。它不仅仅展示了精美的背景图，还深入剖析了这些场景是如何通过色彩搭配、构图布局和材质表现来营造出特定的氛围和世界观的。例如，书中对“天空的色彩学”的探讨，就让我意识到不同色调的天空能够传递出多么丰富的情感信息，从晴朗的蓝天到压抑的乌云，再到梦幻般的夕阳，每一种色彩都蕴含着深意。此外，对于城市景观和自然风光的描绘，我也学到了一些新的视角。书中详细讲解了如何通过线条的粗细、明暗的对比来表现建筑的立体感和空间的纵深感，以及如何运用笔触的虚实来模拟植物的纹理和光影的流动。我还发现书中有一个章节专门讲到“道具设计”，里面有很多充满巧思的机械装置和生活用品，每一个都仿佛有自己的故事。这种对细节的极致追求，正是日本动画一直以来令人着迷的原因之一吧。总而言之，这本书在背景美术的呈现上，做到了既有宏观的艺术指导，又有微观的技巧分析，让我对动画场景的构成有了更深刻的认识。

评分☆☆☆☆☆

让我印象深刻的是，这本书在讲解技术技巧的同时，并没有忽略对“叙事性”的探讨。虽然它以“技法”为主，但很多技巧的运用，都巧妙地与故事的推进和情感的渲染联系在一起。例如，书中关于“镜头切换”的讲解，不仅仅是如何平滑地从一个镜头过渡到另一个镜头，更重要的是，它阐述了不同切换方式如何影响观众的节奏感和对情节的理解。有时候，快速的剪辑可以制造紧张感，而缓慢的推镜头则能营造出深沉的情感。此外，书中还可能涉及到“色彩在叙事中的作用”，例如，用饱和度高的颜色来表现欢快的场景，用暗淡的色调来烘托悲伤的氛围。甚至，我注意到书中还可能分析了一些“潜意识的视觉暗示”，比如通过特定物体的出现，来预示故事的走向或者角色的命运。这种将技术与艺术深度融合的讲解方式，让我觉得这本书不仅仅是一本“How-to”手册，更是一本能够帮助我理解日本动画“为何如此动人”的解读指南。