{RT}狗头拍牛片:给摄影者的8堂美术入门课:2-张松涛 化学工业出版社 97871222 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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张松涛 著

图书标签:

• 摄影
• 美术
• 入门
• 教学
• 技巧
• 构图
• 色彩
• 绘画
• 张松涛
• 化学工业出版社

店铺： 华裕京通图书专营店

出版社： 化学工业出版社

ISBN：9787122287892

商品编码：29799272491

包装：平装-胶订

出版时间：2017-08-01

图书基本信息
图书名称	狗头拍牛片:给摄影者的8堂美术入门课:2	作者	张松涛
定价	98.00元	出版社	化学工业出版社
ISBN	9787122287892	出版日期	2017-08-01
字数		页码
版次	1	装帧	平装-胶订

内容简介

什么样的照片是好照片？如何突破摄影的瓶颈？本书从摄影与美术的关系谈起，剖析审美对摄影的重要性。接下来用“8堂美术课”的形式详解在摄影用光、色彩、构图、取景、后期处理中需要用到的美术知识和技巧，探讨牛片中包含的美术知识和实践运用。“生活中不缺少美，缺少的是发现美的眼睛。”本书正是通过打造镜头后面的审美之眼，帮助摄影发烧友突破目前可能面对的摄影困境，进阶摄影水平；帮助零基础的摄影爱好者摆脱对器材的依赖，找到正确的成长之路。

作者简介

张松涛，中国民俗摄影协会会员，长期从事摄影文化的实践、探索与创新研究，凭借其对摄影的狂热追求、深厚的艺术功底，深得广大网友，特别是摄影发烧友的追捧。其亲身实践关于摄影器材、技艺所总结出的摄影心得“牛帖”——“我用过的平民镜头逐个说”，在蜂鸟网创下5天19万点击量的超高人气，每周点评网友片子的“语录”，被众多摄影爱好者定期整理，通过各种形式被广泛传播。

目录

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文摘

序言

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《光影的秘密：艺术家之眼看摄影》 引言：当相机遇见画布 我们生活在一个影像爆炸的时代，手机摄像头几乎人人标配，随手就能记录下生活中的点滴。然而，究竟什么是“好”的照片？一张照片如何才能触动人心，传递情感，甚至引发思考？摄影，作为一种现代的艺术形式，其魅力远不止于简单地按下快门。它是一门视觉的语言，一种表达的方式，更是一种与世界对话的途径。 然而，许多摄影爱好者在创作过程中，常常感到力不从心。他们或许拥有先进的设备，扎实的拍摄技巧，却难以突破瓶颈，拍出具有艺术感染力的作品。这并非技术上的不足，而是对视觉语言本身理解的缺失。摄影，与绘画、雕塑、建筑等传统艺术门类一样，都遵循着一套普适的视觉原理和审美法则。忽视这些基础，即使掌握再多的摄影技巧，也如同空中楼阁，难以真正地升华。 本书并非一本教你如何操作相机、如何后期调色的技术指南。它旨在为你打开一扇通往艺术殿堂的大门，从美术的视角出发，深入浅出地剖析那些决定一张照片是否成功的关键因素。我们将一同探索光影的魔力，理解构图的韵律，品味色彩的语言，感受形式的力量，并最终引导你用“艺术家之眼”去观察世界，去捕捉那些稍纵即逝的美丽与真谛。 第一章：光影的诗篇——塑造空间的灵魂 光，是摄影的生命线。它不仅照亮了被摄体，更赋予了它们形状、质感和立体感。如同画家用笔触来描绘明暗，摄影师则通过操纵光线来构建画面。 光的性质与运用： 我们将从最基础的光源说起，区分自然光与人造光，理解直射光、散射光、侧光、逆光等不同光线的特性。每一种光线都如同一个拥有独特性格的艺术家，能带来截然不同的视觉效果。柔和的散射光能营造宁静、梦幻的氛围，而硬朗的直射光则能勾勒出鲜明的轮廓，赋予物体力量感。侧光能强调纹理和立体感，让被摄体“站”起来，而逆光则能勾勒出迷人的轮廓光，制造神秘或神圣的氛围。 明暗对比的戏剧性： 明暗对比，即画面的“光影关系”，是构建空间深度和营造情绪的关键。高对比度的画面（如剪影、大光比场景）往往充满张力与戏剧性，适合表现力量、神秘感或强烈的对比。低对比度的画面则显得柔和、宁静，适合表现细腻的情感或温婉的氛围。我们将学习如何通过控制曝光、运用反光板、柔光板等工具，来引导光线，塑造画面的明暗层次，从而创造出视觉上的冲击力。 光影的叙事性： 光影不仅仅是形式上的构成，它更承载着叙事的功能。一道穿过窗户的斜阳，可能诉说着一个关于孤独与思念的故事；夜幕降临，城市灯火的点点辉煌，则展现着都市的繁华与喧嚣。学会观察和运用光影，就如同掌握了一种无声的语言，能够赋予你的照片更深层的含义。 第二章：构图的魔方——引导视线的秩序 构图，是摄影师安排画面的“蓝图”。它关乎如何将画面中的元素进行有机的组织，引导观者的视线，最终形成和谐统一的视觉整体。一张好的构图，能让画面简洁有力，主次分明，信息传达高效。 黄金分割与三分法： 这两种经典的构图法则，并非僵化的教条，而是基于人类视觉感知习惯的经验总结。黄金分割点和线，能为画面带来自然的平衡感和美感。三分法将画面划分为九个等份，将主体置于交叉点或线上，能有效避免画面呆板，增加视觉趣味。我们将深入理解这些法则的原理，并学会如何灵活运用，而非生搬硬套。 引导线与视觉焦点： 引导线是画面中能够吸引并引导观者视线的线条，如道路、河流、栏杆等。它们能将观者的目光引向主体，增加画面的纵深感和故事性。视觉焦点则是画面中最吸引眼球的部分，通常是主体所在。学会如何通过构图，巧妙地设置引导线，突出视觉焦点，是让照片“说话”的关键。 简洁与留白的艺术： 在信息爆炸的当下，简洁的力量尤为可贵。学会“减法”构图，去除画面中不必要的干扰元素，突出主体，能让照片更加纯粹和有力。留白，如同音乐中的休止符，能为画面带来呼吸的空间，衬托主体，引发观者的想象。我们将探讨如何通过选择合适的角度、焦距，以及精炼的画面语言，来实现简洁与留白的艺术。 对称、重复与变化： 对称构图能带来稳定、庄重的美感，而重复的元素则能产生节奏感和秩序感。然而，过度的重复也会显得单调。理解如何在对称与变化、重复与节奏之间找到平衡，是构图的更高境界。 第三章：色彩的交响——唤醒情感的共鸣 色彩，是视觉的精灵，它直接而强烈地触动着我们的情感。不同的色彩组合，能够传递出丰富的情绪和意境，让照片“唱”出动人的旋律。 色彩的基本属性： 我们将学习色彩的三要素：色相（颜色本身的名称，如红、黄、蓝）、饱和度（色彩的鲜艳程度）和明度（色彩的深浅）。理解这些属性，是掌握色彩语言的基础。 色彩的心理学效应： 红色象征着热情、活力、危险，蓝色代表着宁静、忧郁、广阔，绿色则传递着生命、希望、自然。不同的色彩组合，会唤起观者不同的心理感受。例如，冷暖色调的对比，能够制造视觉冲击力和情绪上的张力。 和谐与对比的色彩搭配： 邻近色搭配（如红与橙）能带来和谐、统一的视觉感受，适合表现柔和、温馨的主题。对比色搭配（如红与绿）则能制造强烈的视觉冲击和活力，适合表现兴奋、激烈的场景。我们将学习如何根据想要表达的情绪，选择恰当的色彩搭配方案。 色彩的情绪表达： 如何通过调整白平衡、运用滤镜，甚至后期调整，来强化或改变照片的色彩基调，从而更好地传达画面情感，是我们探索的重点。例如，温暖的色调适合表现幸福、喜悦，而冷峻的色调则能烘托出寂寥、悲伤的氛围。 第四章：形式的肌理——勾勒世界的轮廓 形式，是指画面中各种视觉元素的形状、线条、纹理等，它们共同构成了我们感知世界的“骨骼”与“皮肤”。理解形式，能帮助我们捕捉到事物独特的内在秩序和美感。 线条的力量： 直线、曲线、折线、S形线……不同的线条拥有不同的性格。直线常给人以力量、坚定、秩序感；曲线则带来柔美、流畅、动态的感受；而S形线则常用于引导视线，制造优雅的动感。我们将学习如何通过观察和取景，去发现和运用这些具有表现力的线条。 形状与剪影的抽象美： 几何形状（圆形、方形、三角形）具有天然的秩序感和纯粹性。当被摄体被简化为基本的形状，或者在逆光下呈现出清晰的剪影时，其内在的结构和美感便会更加突出，带来一种抽象的艺术魅力。 纹理与质感的表现： 粗糙的岩石、光滑的丝绸、细腻的肌肤……不同的纹理和质感，赋予了物体独特的触感和视觉特征。学会捕捉和表现这些细节，能极大地增强照片的真实感和感染力。我们将探讨如何利用光线的方向和强度，来突出物体的纹理和质感。 节奏与韵律的生成： 画面的节奏与韵律，来自于重复的元素、线条的流动，以及明暗、色彩的对比变化。好的节奏感能让画面充满生命力，引导观者在画面中“漫步”。 第五章：意境的升华——从“拍”到“创作” 当掌握了光影、构图、色彩和形式的语言，你便拥有了创作的利器。然而，真正的艺术创作，不仅仅是技巧的堆砌，更是情感的注入与思想的表达。 主题的确立与表达： 你的照片想要讲述什么故事？想要传达什么情感？明确而深刻的主题，是优秀作品的灵魂。我们将探讨如何从日常生活中发现灵感，将个人化的感受与普遍的情感相连接，从而创作出具有深度的作品。 观察力的训练： 艺术家之眼，是经过训练的眼睛。它能够穿透表象，发现事物的本质和内在的美。我们将学习如何放慢脚步，用全新的视角去审视熟悉的事物，发现那些不为人注意的细节与光彩。 情绪的传递与感染： 摄影不仅仅是记录，更是情感的传递。一张成功的照片，能够引发观者的共鸣，让观者感受到作者的情感。我们将探讨如何通过对以上视觉元素的巧妙运用，来营造特定的氛围，唤起观者内心深处的情感。 从“记录”到“表现”的转变： 摄影的最终目的，往往不是简单地记录某个瞬间，而是通过这个瞬间，去表现更广阔的世界，去探讨更深层的问题。我们将鼓励你打破思维定势，尝试不同的表现手法，让你的作品拥有独特的个性和思想。 结语：你的相机，你的画布 掌握了美术的基础，你手中的相机便不再只是一个记录工具，而是一支充满无限可能的画笔。你可以用它来描绘光影的诗篇，谱写色彩的交响，雕刻形式的肌理，最终，创作出属于你自己的、独一无二的视觉艺术作品。 本书将为你提供一把钥匙，去开启艺术的大门。接下来的旅程，需要你用自己的眼睛去观察，用心去感受，用相机去实践。愿你在光影的世界里，找到属于自己的表达方式，创作出更多触动人心的精彩瞬间。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计非常吸引人，我一眼就被那个有点儿调皮的“狗头”形象和“拍牛片”这个充满趣味性的标题所吸引。虽然我不是专业的摄影师，但对摄影一直有浓厚的兴趣，总想拍出更具艺术感的照片。书名中的“美术入门课”更是让我眼前一亮，我一直觉得摄影不仅仅是技术，更是艺术的表达。拿到书后，我迫不及待地翻阅，内容果然没有让我失望。作者张松涛老师的语言风格非常幽默风趣，他将一些看似高深的艺术理论，通过生动形象的比喻和例子，讲解得通俗易懂。我尤其喜欢他将摄影与素描、色彩、构图等美术基础知识相结合的讲解方式。例如，在讲解构图时，他会类比油画中的黄金分割和三角形构图，并结合具体的摄影作品进行分析，让我一下子就明白了如何运用 S 型构图、对角线构图来增强照片的视觉冲击力。这本书不仅仅是教我如何按快门，更是引导我用艺术的眼光去观察世界，去发现美、捕捉美。我常常在生活中尝试书中的一些小技巧，比如尝试不同的角度去拍摄同一景物，或者关注光影的变化，渐渐地，我发现自己拍摄的照片似乎有了“灵魂”。这本书对我这个摄影初学者来说，绝对是一本不可多得的启蒙读物，它打开了我通往摄影艺术殿堂的大门，让我对未来的摄影之路充满了期待。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，我一开始是被书名里的“狗头”和“牛片”这两个词给吸引进来的，总觉得这名字背后隐藏着什么特别的“套路”。但当我真正打开这本书，深入阅读后，才发现这不仅仅是标题的噱头，而是作者张松涛老师用一种非常接地气的方式，来拆解摄影中那些看似神秘的美术元素。我一直觉得自己拍照只是“随手拍拍”，构图、色彩什么的，都是一知半解。但这本书，就像一位经验丰富的老友，耐心地手把手教我。他讲到色彩时，不是枯燥地罗列色轮理论，而是通过分析大师级的摄影作品，讲怎么运用色彩来营造氛围，比如冷暖色的对比如何影响情绪，互补色的搭配如何突出主体。我印象特别深刻的是他讲到“光影”的那一章节，他把光比作画笔，把暗部比作画布，让我恍然大悟，原来摄影的光影运用，和绘画中的明暗处理是相通的。他没有直接给我一大堆枯燥的理论，而是通过大量的实例，让我看到光影如何塑造形体，如何制造戏剧性，如何引导观者的视线。我之前总觉得自己的照片“灰蒙蒙”的，看完这一章，我开始留意日常的光线，尝试在不同的光线下拍摄，比如清晨的侧光、傍晚的逆光，效果果然有了质的飞跃。这本书让我明白，摄影的美术入门，并非遥不可及，它藏在我们日常的光影和色彩之中，需要的是一双善于发现的眼睛和一些基础的艺术理论指导。

评分☆☆☆☆☆

我一直认为，摄影是门技术活，但这本书彻底颠覆了我的认知。张松涛老师用一种非常轻松、幽默的方式，将美术的精髓融入到摄影的实践中。我之前买过一些摄影教程，大多是讲解器材、参数设置，看多了难免感到枯燥乏味。而这本书，则从艺术审美的角度切入，让我看到了摄影的另一种可能性。我尤其喜欢他讲到“透视”和“空间感”的部分。以往我只知道要拍出景深，但这本书让我明白了，如何在二维的平面照片中创造出三维的视觉效果，如何运用线条、前景、背景的呼应来增强画面的空间感。他会引用一些古典绘画作品来举例，讲解画家是如何通过构图来引导观众的视线，如何通过光影来营造层次感。然后，他会立刻将这些原理运用到摄影的实践中，给出具体的拍摄建议。比如，在拍摄建筑时，如何利用线条透视来强调纵深感；在拍摄人物时，如何通过景深来虚化背景，突出人物。我尝试着按照书中的方法去拍摄，惊喜地发现，同样的场景，用不同的构图和视角去拍摄，呈现出的效果截然不同。这本书就像一个艺术启蒙老师，它教会了我如何“看”照片，而不仅仅是“拍”照片。它让我开始思考，如何通过我的镜头，去表达我眼中的世界，去传递我的情感。

评分☆☆☆☆☆

这本书的语言风格真的是太独特了！“狗头拍牛片”这个名字就足够让人好奇，而内文的讲解更是充满了智慧和趣味。张松涛老师的文字功底深厚，他用一种非常亲切、幽默的语言，将枯燥的美术理论变得生动有趣。我一直对摄影感兴趣，但总觉得自己的作品缺乏“灵魂”，拍出来的照片总是死板、没有生命力。这本书就像是为我量身定做的。他从最基础的美术概念讲起，比如“形体”和“质感”。他会用很多贴近生活的例子来解释，比如如何通过光线的明暗变化来表现物体的体积感，如何通过细节的捕捉来展现物体的质感。我之前只知道要“拍清楚”，但这本书让我明白，真正的摄影，是通过光影和线条去塑造“形”，去捕捉“神”。我特别喜欢他讲解“留白”的那一部分，他把留白比作音乐中的休止符，让我瞬间领悟了留白在画面中的重要性，它不仅能让画面更简洁，还能引导观者的想象空间，让照片更耐人寻味。我尝试着在自己的拍摄中运用“留白”的技巧，效果真的非常惊艳。这本书不仅仅是摄影的技术手册，更是一本艺术的哲学书，它让我重新认识了摄影，也重新认识了生活中的美。

评分☆☆☆☆☆

这本书的开本设计很精致，拿在手里很有质感，封面设计也很有创意，让人一看就忍不住想翻阅。作为一名对摄影有浓厚兴趣但又稍显理论“小白”的读者，我一直渴望找到一本既能讲解摄影技巧，又能提升艺术审美素养的书籍。这本书恰好满足了我的需求。张松涛老师的讲解方式非常接地气，他没有使用太多晦涩难懂的专业术语，而是用生动形象的比喻和丰富的案例，将美术中的核心概念，如“透视”、“空间”、“色彩”、“光影”等，巧妙地融入到摄影的教学中。我印象深刻的是他关于“色彩的心理学应用”的章节，他分析了不同色彩在视觉和情感上产生的效果，并给出了在摄影中如何运用色彩来营造特定氛围的实用建议。例如，暖色调的运用可以营造温馨、活泼的感觉，而冷色调则能带来宁静、沉思的氛围。这让我意识到，色彩不仅仅是照片的“装饰”，更是传递情感和信息的重要媒介。通过阅读这本书，我不仅学到了如何在构图上更具艺术性，更重要的是，我学会了如何从更深层次去理解和欣赏摄影作品，也开始尝试着用艺术的眼光去观察和记录生活中的点滴。这本书为我的摄影之路打开了一个全新的视角，让我受益匪浅。