正版大提琴教程练习曲分集(第三册) 宋涛 人民音乐大提琴教材书籍 大提琴教程(练习曲分集第3册) 图片色 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

宋涛 编

图书标签:

• 大提琴
• 教程
• 练习曲
• 分集
• 第三册
• 宋涛
• 人民音乐出版社
• 教材
• 书籍
• 乐器教材

店铺： 枫林艺扬图书专营店

出版社： 人民音乐

ISBN：7103007896

商品编码：29514012137

丛书名： 大提琴教程(练习曲分集第3册)

出版时间：1991-09-01

产品信息

书    名	大提琴教程练习曲分集第三册	定    价	38.00元
作    者	宋涛	出版社	人民音乐出版社
出版日期	1991年9月版；2013年5月0次印刷	ISBN	9787103007891
页    数	120页	谱   号	五线谱
难    度	中	开   本	8开
重    量	340克	光   盘	无

目录

1. J.L.杜波特
2. M.布克尼克
3. A. 诺尔克
4. F.多曹尔
5. F. 格吕兹马赫
6. E. 马尔金
7. A. 诺尔克
8. J.L.杜波特
9. 比赫勒
10. S.利
11. A. 弗朗肖姆
12. S.利
13. J.L.杜波特
14. 王连三
15. F.多曹尔
16. S.利
17. E.布阿索
18. A.弗朗肖姆
19. S.利
20. 王连三
21. A.F.塞韦斯
22. J.L.杜波特
23. F.格吕兹马赫
24. W.费成海根
25. J.梅尔克
26. 王连三
27. J.P杜波特
28. C.施罗德
29. J.P杜波特
30. B.科斯曼
31. 宋涛
32. M.布克尼克
33. J.L.杜波特
34. C.施罗德
35. J.梅尔克
36. M.布克尼克
37. M.布克尼克
38. F.巴坦松
39. M.布克尼克
40. W.费成海根
41. C.施罗德
42. A.F. 塞韦斯
43. G.贝克尔
44. Ｇ.贝克尔
45. F.格吕兹马赫

内容介绍

为满足大提琴专业教学及广大业余爱好者的需要，编者从中、外各类型大提琴教材及演奏曲目中，选择较的部分，按教学的系统要求，同时又考虑到选材广泛多样，分类编成这套《大提琴教程》，其中包括三个分集：
一、练习曲分集(共三册)
二、乐曲分集(共三册)
三、音阶练习分集(一册)
本册为《大提琴教程》中练习曲分集的第三册。本册的内容是中至程度的练习曲和少数音乐会练习曲、随想练习曲等。A.皮阿蒂(A.Piatti)《十二首随想练习曲》及.波泊(D.Popper)《40首高极练习曲》因其内容集中而且完整，是各国音乐院校大提琴教学的曲目，就不再选入本集，教师可以根据学生的学习进度自行选用。
本册可与本教程中乐曲分集的第三册配合使用。

正版大提琴教程练习曲分集(第三册) 宋涛 人民音乐大提琴教材书籍

精选小提琴奏鸣曲与幻想曲集 (第二卷：浪漫主义及二十世纪早期作品) 作者： 亨利·科尔宾 / 玛丽安·戴维斯 (精选编订) 出版社： 环球音乐文献出版社 装帧规格： 乐谱平装，附赠高清数字音轨下载卡 定价： 248.00 元 --- 内容综述与编撰理念 本选集汇集了自19世纪浪漫主义鼎盛时期直至20世纪初，对小提琴演奏技巧、音乐表现力以及室内乐合作提出深刻挑战与艺术启示的十部重要奏鸣曲与三首大型幻想曲。其目的在于为具备中高级演奏水准（相当于七至八级或更高）的学子及专业音乐人士，提供一个系统而深入研究特定历史时期音乐语汇的宝贵资源。 本卷的选材标准严格遵循了“技术与艺术的平衡发展”原则。我们不仅关注作品在技巧上的示范性，更注重其在美学深度、情感张力以及对传统奏鸣曲结构进行创新性探索的价值。与侧重基础音阶和琶音训练的教材不同，本书旨在培养演奏者对作品整体结构的把握能力、对不同作曲家个人风格的辨识力，以及在独奏乐器与钢琴伙伴之间实现完美对话的能力。 全书共计约四百页的净谱面，排版清晰，严格依照原始手稿及权威版本进行校订，确保了音符、指法标记（少量必要处由著名小提琴家提供建议性标注，并以特定符号区分）的准确性。 --- 收录作品详述 本卷收录的作品跨越了从舒曼的内省抒情到勃拉姆斯的宏大叙事，再到弗兰克的结构创新，直至德彪西对印象主义色彩的捕捉。 第一部分：浪漫主义晚期的辉煌（1850 – 1890） 1. 约翰内斯·勃拉姆斯：D小调第一小提琴奏鸣曲，作品108 这部作品是勃拉姆斯室内乐的巅峰之作。它不仅考验小提琴家对音准的绝对控制力（尤其是在其标志性的宽广音域和厚重和声面前），更要求演奏者展现出深刻的内在叙事能力。本版重点校对了第三乐章中充满巴赫风格的赋格段落的层次感处理，以及钢琴声部与主旋律之间复杂交织的处理技巧。 2. 费利克斯·门德尔松：F大调无标题作品（“幻想曲”） 这部相对鲜为人知的小品，展现了门德尔松在浪漫主义抒情方面的天赋。其特点在于流畅如歌的旋律线和精巧的配器，对弓法控制的均匀性和气息的连贯性是主要的练习重点。 3. 罗伯特·舒曼：A小调第一小提琴奏鸣曲，作品105 舒曼作品中的“激情时刻”与“内省冥想”的对比是此曲的灵魂。本版特别强调了第一乐章中情绪快速转换时的力度控制与音色变化，以及第二乐章中如诗般的连奏处理。 4. 亨利·维厄当：E大调第五小提琴奏鸣曲，作品87 维厄当的作品是展示炫技与贵族气质的完美结合。第五奏鸣曲尤其要求小提琴家在高速的音阶跑动和复杂的换把技巧中保持清晰的轮廓，同时，其慢乐章对“歌唱性”的演绎也至关重要。 第二部分：跨越边界的探索（1890 – 1920） 5. 塞萨尔·弗兰克：A大调小提琴奏鸣曲（原为大提琴与钢琴改编版） 弗兰克的循环结构是本卷的教学难点之一。本版基于维厄当为小提琴改编的版本进行深度校订。演奏者必须精确掌握主题的变形与再现，确保四个乐章在统一的音乐思想下流动。对钢琴的“伴奏”角色转为“对话者”的理解是核心。 6. 克劳德·德彪西：d小调小提琴奏鸣曲 这是印象主义音乐在小提琴体裁上的里程碑。本曲的挑战不在于传统意义上的“速度”或“音阶”，而在于色彩的描绘：半音阶的运用、泛音的精准控制以及对弓毛压力的微妙调整，以模拟水波、阴影和微风的效果。乐谱详细标注了需要特别注意的音色变化点。 7. 加布里埃尔·福雷：d小调第一小提琴奏鸣曲，作品108 福雷的音乐充满了精致的忧郁感。本奏鸣曲需要演奏者在保持极高清晰度的同时，避免任何粗糙的力度对比。其特点在于对连续琶音的细腻处理以及对中高把位歌唱旋律的提炼。 8. 彼得·伊里奇·柴可夫斯基：D大调小提琴奏鸣曲（“没有完成的作品”） 这部作品展示了柴氏成熟的浪漫主义情感表达。尽管它不是一部完整的奏鸣曲，但其高潮迭起的戏剧性，特别是其惊人的技术跨度，使其成为练习曲目的重要补充。 第三部分：补充幻想曲与练习性插曲 9. 尼科洛·帕格尼尼：A大调“随想曲No.24”改编的奏鸣曲片段 选自帕格尼尼的“24首随想曲”中技术难度最高的选段，侧重于快速的四度与六度和弦的交替演奏，以及双音的准确性。 10. 亨利·科尔宾 (编选)：双音与和弦练习幻想曲 专为本册收录的曲目设计的过渡性练习，旨在平稳过渡至勃拉姆斯与德彪西作品中对和声的复杂处理。 --- 学习指南与附赠资源 演奏注解： 本书附录包含了对作品中几个关键技术难点（例如德彪西的“Sprechstimme”风格处理、勃拉姆斯奏鸣曲中钢琴与小提琴的平衡点）的权威性分析摘要。这些分析并非强制性的演奏指令，而是旨在启发演奏者思考不同历史背景下对同一乐谱的不同解读可能性。 数字音轨（限时下载）： 随书附赠一张访问卡，可下载本选集所有作品的高清立体声录音。这些录音由当代世界级小提琴家与钢琴家合作完成，旨在为学习者提供一个“理想的参考框架”，而非限制其个人诠释。 --- 适用对象 音乐学院本科生（主修小提琴、室内乐方向） 专业音乐教师 具备扎实基础，寻求进入浪漫主义及印象主义曲目库的业余高级演奏者。 本书强调： 钻研这些作品需要的不只是技巧的娴熟，更需要对欧洲音乐文学史的理解深度。我们鼓励学习者在使用本书进行技术操练的同时，广泛涉猎各作曲家的协奏曲、室内乐作品及其他体裁的创作，以构建完整的音乐视野。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计真是让人眼前一亮，厚实的封面带着一种沉甸甸的质感，拿在手里就感觉到了内容的份量。内页的纸张选择也挺讲究，不是那种廉价的反光纸，而是略带哑光的米白色，长时间阅读眼睛也不会太累。字体排版方面，无论是五线谱还是文字说明，都显得非常清晰易读，行间距也处理得恰到好处，这对于学习乐器的人来说至关重要，毕竟我们盯着谱子的时间非常长。特别是那些技术要点和指法图示，清晰度极高，即便是初学者也能一目了然地理解演奏的细微差别。装订方式也很牢固，我把它平摊在谱架上翻阅时，没有出现任何书页松动或者合拢的情况，这点非常棒，毕竟练习时翻页的频率很高。虽然我还没完全深入到曲目本身，但光从这个制作工艺上，就能感受到出版方对于教材质量的重视程度，这无疑为后续的学习打下了非常好的物质基础。总而言之，这是一本从“硬件”上就让人感到专业和可靠的书籍。

评分☆☆☆☆☆

我最近开始着手研究一些进阶的弓法技巧，而这本教材的编排逻辑简直是为这个阶段的乐手量身定做的。它不像那种零散的练习曲集合，而是像一条精心铺设的轨道，循序渐进地引导你突破瓶颈。每一组练习曲之间都有着微妙的内在联系，也许是音域的拓展，也许是特定节奏型的反复强化，又或者是在复杂指位转换中寻找更流畅的过渡。作者在引入新概念时，通常会先用一两首相对简单的曲子进行铺垫，然后才将难度推高，这种“搭台子”的过程做得非常自然，让人感觉是在“解决问题”而不是在“硬啃难题”。我特别欣赏它在技术难度提升上的梯度控制，它总能在我感觉自己快要适应当前难度时，悄无声息地加入一点新的挑战元素，让你保持一种持续进步的兴奋感，而不是在某一个点上卡住太久而产生挫败感。这种精心设计的学习路径，远比自己盲目挑选曲目来练习要高效得多。

评分☆☆☆☆☆

作为一个业余学习者，我对教材的“讲解深度”有着很高的要求。光有音符是不够的，我需要知道“为什么”要这么拉，背后的音乐逻辑是什么。这本书在乐曲的开头或关键段落旁，总会附带一些非常精炼却极具洞察力的文字提示。这些提示往往不是空泛的建议，而是直指核心的演奏技巧要点，比如某个换把位时气息的分配，或者某个长音保持过程中弓子的速度控制的细微变化。这些批注像是经验丰富的大师在你身边亲自指导，用最少的文字传达了最多的经验。我发现，当我按照这些提示去调整我的演奏时，原本听起来生硬的乐句立刻变得连贯和富有歌唱性。这种“理论指导实践”的模式，极大地缩短了我自我摸索的时间，让我能更快地将抽象的音乐概念转化为具体的弓弦振动，这对于提升演奏的“音乐性”至关重要。

评分☆☆☆☆☆

翻阅到后面几章时，我注意到曲目风格的多样性令人惊喜。它并非是单一的“练习曲”模式，而是巧妙地融入了不同时期、不同风格的音乐元素。有的段落要求极强的颗粒感和清晰度，仿佛在演奏巴洛克时期的室内乐片段；而有的则需要极为宽广、悠长的气息来支撑，充满了浪漫主义的抒情色彩。这种风格的切换，强迫演奏者在短时间内调整自己的发音方式和情感表达，这对培养全面的音乐素养非常有益。它不仅仅是在训练手指的灵活度，更是在训练大脑对不同音乐语言的快速反应能力。对我来说，这就像是参加了一场跨越时空的音乐会，每一首练习曲都代表着一种不同的“语境”，这使得原本枯燥的练习过程充满了探索的乐趣，丝毫不会让人觉得枯燥乏味。

评分☆☆☆☆☆

关于教材的实用性，我必须强调它对于“演奏连贯性”的训练效果。很多教材的练习曲是片段化的，练好了这一段，换到下一段又得重新开始适应。然而，这本分册的很多曲目设计得很有“故事性”，它们有着清晰的起承转合，要求你在一个较长的篇幅内保持稳定的技术状态和情感投入。例如，在处理一些需要快速连续换把和复杂揉弦的段落时，它会迫使你学会如何有效地分配体力，如何利用换气（弓子换把的间隙）来“重启”身体的紧张感，而不是让全身肌肉处于一种僵硬的持续拉紧状态。这种对耐力和稳定性的综合考验，是真正走向舞台表演所必须具备的素质。总而言之，它不是简单地堆砌难点，而是教你如何将这些难点编织成一段完整的、富有生命力的音乐。