正版肖邦夜曲集 钢琴练习曲谱教材书籍 人民音乐钢琴教程 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

图书标签:

• 肖邦夜曲集
• 钢琴谱
• 钢琴练习曲
• 钢琴教材
• 人民音乐出版社
• 钢琴教程
• 古典音乐
• 乐谱
• 钢琴学习
• 夜曲

店铺： 情深似海图书专营店

出版社： 人民音乐

ISBN：7103008337

商品编码：29483163586

丛书名： 肖邦夜曲集

出版时间：1992-01-01

产品信息

书    名	肖邦夜曲集	定    价	34.00元
作    者	(波)帕德雷夫斯基	出版社	人民音乐出版社
出版日期	1992年1月第1版；2014年3月第16次印刷	ISBN	9787103008331
页    数	99页	谱   号	五线谱、指法
难    度	初中级	开   本	8开
重    量	300克	光   盘	无

目录

1 Larghetto
2 Andante
3 Allegretto
4 Andante Cantabile
5 Larghetto
6 Lento
7 Larghetto
8 Lento sostenuto
9 Andante sostenuto
10 Lento
11 Lento
12 Andante
13 Lento
14 Andantino
15 Andante
16 Lento sostenuto
17 Andante
18 Lento

内容介绍

《肖邦夜曲集》收录了肖邦的所有乐曲的谱子。

在线时间：09:00AM-24:00AM

乐曲解析与演奏技法精选：古典钢琴作品赏析 本书旨在为广大钢琴学习者、演奏者以及古典音乐爱好者提供一份全面而深入的古典钢琴作品解析与演奏技法指南。内容涵盖巴洛克时期至浪漫主义晚期，精选了数位代表性作曲家的重要钢琴作品，重点剖析其音乐结构、和声语言、织体特点，并结合历史背景，指导演奏者如何准确把握作品风格，提升演奏表现力。 第一部分：巴洛克时期的结构与对位 本部分聚焦于巴赫及其同辈作曲家的作品，着重阐释复调音乐的精髓。 一、 约翰·塞巴斯蒂安·巴赫：赋格的逻辑与装饰音的运用 1. 《平均律键盘曲集》（选段）： 详细分析了d小调第一号前奏曲与赋格的结构。前奏曲部分，探讨了琶音分解和弦的连贯性处理，强调触键的均匀与气息的绵长，模拟管风琴的连奏效果。赋格部分，深入剖析主题的呈示、展开与再现，解析主调与转调关系。重点讲解“模仿”技巧，即左右手在不同声部间的清晰分离与主题的交织。针对练习，提供了关于保持各声部独立性和平衡性的具体建议，特别是对位声部清晰度的训练方法。 2. 法国组曲与英国组曲（选段）： 选取其中的前奏曲、阿列曼德、库朗特和加沃特舞曲进行对比分析。阐述巴洛克舞曲的节拍特点和速度要求。在演奏装饰音时，区分了“约定俗成”的演奏法与巴赫手稿指示的差异。特别针对“滚花”（如碎音的快速重复），指导如何运用手腕的放松与手指的精准控制来实现流畅的颗粒感，而非僵硬的机械运动。讨论了巴洛克时期钢琴（羽管键琴）与现代钢琴在触键深度和力度控制上的适应性调整。 二、 乔治·弗里德里克·亨德尔：宏大叙事与清晰的线条 选取《组曲》中的几首赋格性作品，对比其与巴赫赋格在主题动机发展上的差异。亨德尔作品中常出现的歌唱性旋律与伴奏织体的关系处理被作为重点。解析如何通过重音的设置和旋律线的强调，塑造出宏伟的、具有歌剧色彩的演奏效果。 第二部分：古典主义的平衡与清晰 本部分转向海顿、莫扎特，研究奏鸣曲体裁的发展及其对清晰度、比例感的要求。 一、 约瑟夫·海顿：幽默与精巧的结构 1. 奏鸣曲（Hob. XVI系列选段）： 探讨海顿作品中常见的“突变”与“幽默”元素如何通过节奏的细微处理和力度对比来体现。解析奏鸣曲中的呈示部、发展部和再现部的结构逻辑，指导演奏者如何预见主题的发展方向，从而在演奏中保持结构上的“远景感”。重点讨论了古典时期力度记号（如 p 和 f 之间的快速切换）的力度边界。 2. 幻想曲与回旋曲： 分析其即兴色彩与规范结构之间的张力。在处理炫技段落时，强调手指的轻巧和清晰度，避免浪漫主义作品中常见的过度揉弦。 二、 沃尔夫冈·阿马德乌斯·莫扎特：歌唱性与触键的精致 1. 奏鸣曲（K. 331, K. 545选段）： 莫扎特作品的核心在于“歌唱性”。本书详述了如何在钢琴上模仿小提琴或长笛的连贯性。这要求极度放松的手腕和均匀的音量控制，确保旋律声部如同吟唱一般。对于倚音和装饰音，强调其必须服务于旋律，而非成为炫耀的工具。 2. 钢琴协奏曲改编（选段）： 探讨了莫扎特对位法的精致运用，特别是在慢乐章中，如何处理木管乐器声部（如双簧管、单簧管）的音色模拟，通过指尖触感的变化来区分不同音色的颗粒。 第三部分：浪漫主义的激情与色彩 本部分深入探讨肖邦、舒曼、李斯特等人的作品，关注情感表达、踏板的革新性使用以及对键盘性能的拓展。 一、 弗雷德里克·肖邦：诗意与技巧的融合 1. 玛祖卡（Mazurka）与圆舞曲（Waltz）的民族性： 深入解析波兰民间音乐元素如何融入其作品。玛祖卡中，强调重音的“摇摆感”和三拍子中第二拍或第三拍的微妙延迟，体现其特有的“不确定性”。圆舞曲则要求旋律的华丽与伴奏的轻盈形成鲜明对比。 2. 夜曲（Nocturne）的抒情处理： 探讨夜曲中“如歌的慢板”（Lento cantabile）的实现。核心在于极细致的力度控制和踏板的“溶解”效果。指导如何利用不同的踏板深度来创造和声的色彩变化，而非简单的延长。分析了肖邦在织体中对中声部的处理，如何利用中声部支撑起高声部的旋律，形成深邃的背景。 3. 练习曲（Étude）的演奏难点： 选取几首著名的练习曲，如革命、琶音练习曲。技术训练的重点并非机械重复，而是“功能性”。例如，在琶音练习中，训练的是“手腕的轴心旋转”和“手指的独立支撑”，而非单纯的速度提升。讲解如何将技术练习融入音乐表达，使炫技段落听起来充满激情而非枯燥。 二、 罗伯特·舒曼：内心的独白与文学性 1. 《童年情景》（Kinderszenen）与《蝴蝶》（Papillons）： 舒曼作品强调文学性与象征意义。在演奏《童年情景》时，指导演奏者如何捕捉瞬间的情绪变化，例如《梦幻曲》中“内心的凝视”如何通过柔和的触键和极弱的音量来实现。分析舒曼对和声的偏爱（如密集的和弦与不协和音的解决），以及这些如何烘托出内心世界的复杂性。 2. 即兴性： 舒曼的“即兴”感往往建立在清晰的结构之上。指导如何控制复调线条的起伏，使之听起来像是思绪的自然流淌，而非刻意的断裂。 三、 弗朗茨·李斯特：钢琴性能的极限探索 1. 练习曲与炫技作品： 重点分析李斯特对钢琴键盘潜能的挖掘。针对极快的音阶、三度、六度与八度跑动，提供了“虚拟”与“实际”的触键练习法，旨在通过手腕和手臂的整体协调来减轻手指的负担。 2. 后期作品的色彩与和声： 简要探讨李斯特晚期作品中模态化（调式化）和声的运用，以及如何通过踏板的“模糊”效果来营造空灵、神秘的音响氛围。 第四部分：踏板法与音色塑造 本部分独立成章，系统梳理钢琴演奏中的踏板艺术。 1. 历史演变： 从古典时期的有限使用到浪漫主义时期的广泛运用，解析不同时期对踏板的审美要求。 2. 深度踏板（Deep Pedaling）： 讲解如何在保持和声清晰的前提下，利用延音踏板制造丰富的泛音共鸣，特别是针对大型教堂或音乐厅的共鸣特点进行调校。 3. 半踏（Half-Pedaling）与快速换踏（Quick Release）： 结合特定的快速音群段落，指导如何通过精确的半踏控制，实现音色上的“朦胧”效果，避免声音的浑浊。 本书旨在提供一套系统的、以音乐理解为核心的演奏方法论，帮助学习者跨越技术瓶颈，真正走进作曲家的内心世界。每一章节都配有具体的练习建议和听觉辨识指导。

评分☆☆☆☆☆

这部教材的排版设计简直是灾难，简直是想考验演奏者的视力极限。乐谱的字号小得可怜，而且行距也密得让人喘不过气来，稍微走神一下，眼睛就容易迷失方向，尤其是在处理那些快速的音型时，简直是雪上加霜。我拿着它练习巴赫的赋格时，感觉就像在老式放大镜下辨认古老的羊皮卷，每次练完都觉得视力下降了好几个度。而且，最让人抓狂的是，有些小节的指法提示简直是混乱不堪，有时候直接叠印在音符上，根本看不清原谱，不知道是出版社节省纸张还是故意设置的障碍。如果真是一本面向严肃学习者的教程，至少在基础的阅读体验上应该做到清晰、舒适，而不是这种让人如临大敌、步步惊心的排版风格。我宁愿花多点钱买一本纸质好、印刷清晰的版本，也不想在这本上浪费我的时间和视力。对于那些对视力保护有要求的音乐学生来说，这本书简直是个视觉陷阱，购买前一定要三思。

评分☆☆☆☆☆

当我翻开这本教材时，最先吸引我的是它封面那种复古的、略显陈旧的油墨味，这似乎暗示着它内容的权威性，但深入阅读后，我发现这种“权威感”更多是建立在一种过时的教学理念之上。它对于乐曲的背景介绍和情感阐释部分显得极为单薄和刻板，完全没有跟上当代音乐理解的多元化趋势。例如，在处理某段浪漫主义时期的作品时，它给出的情绪指导还停留在上个世纪的僵硬标准上，完全忽略了演奏者个体情感的介入和现代演奏流派的多样性表达。这让我在尝试用自己理解去诠释音乐时，处处感到束缚，仿佛有一双无形的手在身后紧盯着，生怕我“跑调”了它预设的模板。对于渴望在技术之余，寻求更深层次音乐哲思的练习者而言，这本书提供的“营养”实在是过于稀薄和单一，更像是一份五十年前的官方标准答案，缺乏激发个人思考和创新的空间。

评分☆☆☆☆☆

关于这本教程的练习曲选择和编排逻辑，我持保留意见。它似乎过于偏重于某种特定技巧的堆砌，而忽略了不同技术板块之间的平滑过渡和有机联系。很多练习曲的难度跨度过大，前一页还在做相对简单的琶音练习，下一页直接跳跃到需要极高手指独立性和速度的复杂的和弦分解，中间完全没有设置缓冲地带或循序渐进的中间练习来帮助肌肉和神经系统适应这种强烈的转变。这导致我在练习过程中，经常因为准备不足而导致某个技术难点完全无法攻克，不得不回过头去找其他补充材料进行铺垫，这极大地打乱了我的学习计划和节奏。一本优秀的教材应该像一位耐心的导师，引导你一步步攀登，而不是直接把你丢到悬崖边上让你自己摸索绳索。这种教学设计上的断层和跳跃性，让这本书的使用效率大打折扣，更像是一份技巧集合的目录，而不是一套系统的教程。

评分☆☆☆☆☆

让我感到非常困惑的是，这本书的装订质量简直令人发指。我只是非常小心翼翼地打开它准备练习，结果书脊就已经发出了令人不安的“咯吱”声，感觉只要我稍微用力按平展开某一个双页乐谱，它就可能彻底散架。纸张的选择也过于轻薄和光滑，油墨很容易在上面晕开，稍微沾染一点点手指上的汗渍或灰尘，就会留下永久性的污渍，这对经常需要翻阅和做笔记的练习者来说是致命的。我甚至不敢将它完全平放在钢琴谱架上，生怕它在使用过程中因为结构松散而突然塌陷，打断我的演奏。要知道，学习钢琴本来就需要高度集中精神，如果连乐谱本身的物理稳定性都无法保证，这种体验无疑会让人感到极度沮丧和不被尊重。对于这种需要长期使用的学习工具，基本的耐用性难道不应该是首要考虑的吗？这种粗制滥造的工艺，实在让人无法对它所承载的内容产生应有的敬畏感。

评分☆☆☆☆☆

这本书对于现代钢琴演奏技术的前沿探讨几乎是空白的。它所收录的注释和技巧分析，全部聚焦于古典主义到浪漫主义晚期的传统范畴内，对于二十世纪以来，尤其是当代音乐中广泛应用的触键方式、踏板的细微控制、或是节奏的复杂复合性等方面的指导，几乎是只字未提。当我尝试去理解一些需要更精细化触键控制的段落时，书中提供的建议依然是那种“有力、均匀”的概括性描述，完全无法帮助我深入挖掘声音的层次感和色彩变化。这使得它在作为一本全面的“教程”时显得力不从心，它更像是一本特定时期曲目的选集附带基础指法说明，而不是一个能够引领学习者走向更广阔的钢琴艺术世界的指南。在信息爆炸、演奏风格日益多元化的今天，一本真正优秀的教材应该具备前瞻性和包容性，而这本书明显在这方面有所欠缺，显得过于保守和滞后了。