音乐的分析与创作(修订版上下)(精)/作曲技术理论丛书 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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杨儒怀 编

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出版社： 人民音乐

ISBN：9787103024966

商品编码：29460070435

开本：32

出版时间：2003-09-01

基本信息

• 商品名称：音乐的分析与创作(修订版上下)(精)/作曲技术理论丛书
• 作者：杨儒怀
• 定价：148
• 出版社：人民音乐
• ISBN号：9787103024966

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2003-09-01
• 印刷时间：2016-01-01
• 版次：2
• 印次：6
• 开本：32开
• 包装：精装
• 页数：1286

编辑推荐语

由杨儒怀著的《音乐的分析与创作(修订版上下)(精)/作曲技术理论丛书》在探索分析音乐的方法及相应的实例分析与指导创作、阐述各种技术理论两方面，是交替进行、相互补充的。为进一步分析和理论的多方面验证提供实例，书中还列出大量作品出处。 全书的理论阐述和内容安排也与这一总体系相符合。在**部分“音乐的基本表现手段与旋律”中，各种理论和分析所涉及的结构范畴是从音乐*小的形式出发的，既可认为是表现核心乐思或基础音调或动机的*小存在形式，也可认为是独立、抽象的因素。只有这种存在形式通过“发展音乐的基本手法”，才能成长发育起来。然而即使它不成为乐曲的主题或只是一般的旋律的话，它也必须按照一定的“音乐陈述结构形式”成型起来。 本书还将我国民族民间音乐中一些有特点的创作手法也包容进来，力图扩大我们分析研究的范围；说明在表达思想内容时手法的共**和民族性之间的联系。

目录

上册
序言
**部分 音乐的基本表现手段与旋律
第一章 绪论
第一节 音乐的形成
第二节 乐思陈述的层次
第三节 旋律的音调基础和表现力
第二章 旋律的节奏和节拍
第一节 节奏与节拍的作用
第二节 节奏的重要类型
第三章 旋律的调式与调性
第一节 大小调调式体系
第二节 西欧特种调式
第三节 我国民族的五声性调式
第四章 旋律的音高－旋律线
第一节 进行中的音程和方向
第二节 旋律型
第三节 高潮
第五章 旋律运动的逻辑
第一节 逻辑的含义与四阶段运动
第二节 三阶段与二阶段的运动
第三节 运动阶段的级差
第六章 旋律中其他表现手法
第一节 其他基本表现手法
第二节 和声与织体
第二部分 发展音乐的基本手法
第七章 材料保持方面的手法
第一节 原始陈述、重复和在线
第二节 迭奏、变奏、模进
第三节 宽放与紧收
第八章 材料变动方面的手法
第一节 溯型、演化（引申）和出新
第二节 合头、合尾；换头、换尾和头尾合
第三节 扩充、减缩与裁截
第四节 叠入和补充
第九章 多声陈述及其写作手法
第一节 复调的对比与模仿
第二节 间补与多层次陈述
第三节 陈述写法类型
第十章 整体的构思方面
第一节 调性的变换
第二节 乐曲的起伏与高低潮
第三节 整体作用的综合发展
第三部分 音乐陈述的结构
第十一章 绪论
第一节 音乐陈述的结构的含义和作用
第二节 乐逗及陈述结构形态
第三节 结构的类型及其区分原则
第十二章 基础结构
第一节 乐段
第二节 乐段的扩展
第三节 乐句、乐节和乐汇
第十三章 衍生结构
第一节 连句结构和散体结构
第二节 模进结构和诗句结构
第三节 自由结构、联合结构及结构的组合
第十四章 陈述结构的分析
第四部分 作品的曲式结构
第十五章 绪论
第一节 曲式与曲式功能
第二节 规范化曲式结构体系及曲式结构的组成部分
第三节 关于作品分析的方法
第十六章 并列曲式
第一节 一部曲式
第二节 二部并列曲式
第三节 三部及多部并列曲式
第十七章 再现曲式
第一节 再现部和再现二部曲式
第二节 再现三部曲式
第三节 再现四部与再现多部曲式
第十八章 复合曲式
第一节 复合再现三部曲式
第二节 其他复合曲式
第十九章 循环曲式
第一节 绪论
第二节 回归曲式
第三节 回旋曲式
第二十章 变奏曲式
第一节 绪论
第二节 固定基础变奏曲
第三节 变体主题变奏曲
第四节 变奏的民族特点及变奏套曲的组成
第五节 实例分析及变奏曲式的应用
第二十一章 奏鸣曲式
第一节 绪论
第二节 呈示部
第三节 展开部
第四节 再现部
第五节 收尾部与前奏
第六节 奏鸣曲的变体和应用与奏鸣曲式的历史演变
第二十二章 回旋奏鸣曲式
第二十三章 复调音乐曲式
第一节 绪论
第二节 赋格曲的组成部分
第三节 赋格曲的整体结构
第四节 二重和三重赋格
第五节 其他复调音乐曲式
第二十四章 套曲曲式
第一节 绪论
第二节 组曲
第三节 奏鸣－交响套曲及其他套曲曲式
第四节 声乐套曲
第二十五章 边缘曲式
第一节 绪论
第二节 边缘曲式的形成
第三节 中介性边缘曲式
第四节 两原则结合的边缘曲式
第五节 原则的三重结合与附生性结合
下册
第一章
第二章
第三章
第四章
第五章
第六章
第七章
第八章
第九章
第十章
第十一章
第十二章
第十三章
第十四章
第十五章
第十六章
第十七章
第十八章
第十九章
第二十章
第二十一章
第二十二章
第二十三章
第二十四章
第二十五章

音乐的理论与实践前沿探索 一本深入解析音乐结构、历史演进与现代创作手法的综合性学术著作 导言：超越音符的对话 本书旨在为音乐学习者、研究者以及所有对音乐内在逻辑充满好奇的读者，提供一个广阔而精深的平台，用以审视音乐这一人类最古老、最复杂也最富情感的艺术形式。我们摒弃了仅仅停留在表面技巧或流派划分的传统叙事，转而深入探究音乐作为一种结构化语言的本质、其历史演变中的驱动力，以及在当代语境下如何被重新构想和实践。 本书的结构设计遵循逻辑递进的原则：从最基础的听觉感知与分析工具入手，逐步过渡到宏观的历史语境构建，最后聚焦于跨学科的创作视野。我们相信，真正的音乐理解，来源于对“如何构建”与“为何如此构建”的双重探问。 --- 第一部分：音乐的分析基础与听觉认知重构 本部分致力于构建一套严谨的分析工具箱，帮助读者将感性的音乐体验转化为可量化的、可交流的知识体系。我们不再将传统乐理视为僵化的教条，而是将其视为理解复杂织体、预测听觉走向的有效框架。 第一章：听觉的科学与美学 本章首先探讨人类听觉系统如何处理声音的物理属性（频率、强度、时值），并引入心理声学（Psychoacoustics）的概念。我们将分析和弦、音色在人脑中形成的认知结构，探讨“和谐”与“不和谐”的主观性与文化依赖性。深入讨论了傅立叶分析在音乐结构解析中的应用，解释如何通过频谱分析来揭示复调音乐中的层次关系和音色特征。特别关注了非西方音乐体系中对泛音列和音高的不同感知模式。 第二章：形式的解构与功能分析 核心聚焦于音乐结构（Form）的构建逻辑。我们详尽剖析了从巴洛克时期的精细对位结构（如赋格的逻辑链条）到古典主义奏鸣曲式中主题展开的戏剧性张力。不同于仅描绘乐段划分，本章强调功能性分析：特定乐段（如呈示部、再现部）在整体叙事中的作用，以及如何通过调性运动和动机发展来驱动音乐的内在能量流。同时，我们引入了拓扑学思想来分析二十世纪音乐的形式实验，如系列结构或无限重复结构（Minimalism）中的空间感构建。 第三章：节奏的深度维度 节奏远非简单的节拍划分。本章将节奏视为时间组织中的哲学问题。从原始的重复性律动（Pulse）到复杂的复节奏（Polyrhythms）和非对称节拍（Asymmetrical Meters），我们分析了节奏如何影响听众的身体反应和时间感。我们考察了斯特拉文斯基、巴托克作品中对民间节奏的借鉴，以及当代电子音乐中对“格状节奏”（Grid Rhythm）的解构与重构，探讨微观时间（如音与音之间的停顿）在塑造音乐表情中的关键作用。 --- 第二部分：音乐史观的批判性回顾与跨文化视野 本部分将历史考察从年代顺序的堆砌中解放出来，聚焦于驱动音乐风格变革的社会、技术和哲学思潮。 第四章：欧洲音乐的“中心”与“边缘” 本章挑战了传统的“进步史观”。我们不仅回顾了从格里高利圣咏到浪漫主义高峰的演变，更着重分析了技术革新（如记谱法的发展、键盘乐器的普及）如何塑造了音乐的可能边界。关键在于考察“边缘”声音的价值——如早期记谱的模糊性、民间音乐对学院派的渗透，以及“被遗忘的”作曲家及其作品对主流观念的挑战。 第五章：二十世纪的结构性革命 重点解析了两次世界大战前后，音乐如何应对社会剧变和科学理性主义的危机。我们详细梳理了十二音体系（Serialism）的数学逻辑与美学诉求，对比分析了“第二维也纳乐派”的严密性与德彪西、拉威尔作品中对非传统音色的探索。本章对随机性音乐（Aleatoric Music）和音乐录音技术的出现如何颠覆了“作品”与“演奏”的传统界限进行了深入探讨。 第六章：非西方音乐的结构范式 本章扩展了读者的文化视野，聚焦于与西方十二平均律体系截然不同的音乐组织方式。我们分析了印度古典音乐中的“拉格”（Raga）系统——一种基于情绪和调式规则的即兴创作框架，以及印尼加美兰音乐中基于循环往复和细微速度差异的复调织体。通过对这些范式的比较研究，揭示了音乐结构作为文化载体的多样性与内在一致性。 --- 第三部分：当代创作视野与技术赋能 本部分将理论与历史洞察应用于当下的创作实践，探讨新技术如何拓宽音乐的表达疆域。 第七章：新调性与色彩和声的复兴 在后序列主义时代，作曲家们对调性的态度趋于多元。本章分析了“新调性”（Neo-tonality）的回归，这并非简单的复古，而是将传统调性关系与现代和声语言（如全音音阶、增和弦、和弦聚合）进行混搭，以达到新的色彩效果。重点研究了拉赫玛尼诺夫晚期作品中的“晶体化”和声，以及当代电影配乐中如何利用大和弦与小和弦的并置来营造复杂的情感张力。 第八章：声音设计与电子音乐的架构 本章视为对“乐器”概念的彻底扩展。我们探讨了合成器、采样技术和数字信号处理（DSP）在音乐创作中的核心地位。分析了如何从物理声源的录制与处理中提取“音乐材料”，而非仅依赖预设音色。详细阐述了模块化合成器的逻辑结构，以及在算法作曲中如何用数学模型来模拟自然过程（如湍流、生长）来生成音乐结构。 第九章：跨媒体音乐的叙事策略 探讨音乐在与其他艺术形式（如戏剧、舞蹈、影像）互动时所采取的策略。本章尤其关注交互式音乐系统的设计，即作品的走向不再完全由创作者预设，而是由观众或环境输入来实时决定。分析了配乐的“潜文本”作用——音乐如何不动声色地引导观众的心理预设，以及在纯器乐作品中如何通过暗示性的音响景观来构建内在的“戏剧性”。 结语：未完成的交响 音乐的分析与创作永无止境。本书提供的是一套思考的框架，而非最终的答案。我们鼓励读者将所学工具应用于发现自身独特的听觉世界，并在不断的实践与反思中，推动音乐表达的边界向前发展。

评分☆☆☆☆☆

这本书在我书架上已经摆了有一段时间了，每次翻开它，总能带来新的启发。我尤其喜欢它在梳理乐理基础知识时那种循序渐进的方式，不同于很多教材上来就一堆枯燥的符号和概念，这本书更像是引导你一步步走进音乐的世界。从最基本的音程、调式开始，作者会用非常生动形象的比喻来解释，比如将调式比作不同的“色彩”或者“情绪”，瞬间就让那些抽象的概念变得鲜活起来。然后，它会慢慢深入到和声的分析，怎样理解和声的进行，不同和弦组合产生的张力与解决，这些内容在书中都被拆解得非常细致。我记得有一次，我正在研究一首巴赫的赋格，感觉有些地方的连接处理很巧妙，但又说不上来具体是哪里。翻到这本书里关于对位法的章节，里面详细讲解了各种声部线条的独立性与相互关系，以及如何通过模仿和声来构建复调织体。我对照着书上的图例和分析，终于豁然开朗，原来作者正是用了某种特定的对位手法，使得音乐在保持清晰的同时，又充满了丰富的变化。这种能够解决我实际创作中遇到的困惑，让我感觉这本书不仅仅是理论的堆砌，更是实实在在的“工具书”，它的价值在于能够帮助我更好地理解和处理音乐中的各种细节。

评分☆☆☆☆☆

每次读这本书，我都会被它严谨而又富有逻辑性的论述所吸引。它在介绍和声理论的时候，不仅仅是罗列各种和弦的名称和功能，而是会从和声的“逻辑”出发，解释为什么某些和弦的连接是“自然”的，为什么某些转调是“合理”的。作者会花很多篇幅来讲解和声的功能性，以及不同调性之间的联系，这使得我对和声的理解不再是机械的记忆，而是上升到了对音乐“语法”的理解。我记得我曾经对一些不常见的转调处理感到困惑，总觉得像是“硬加进去”的。但当我仔细阅读了书里关于“离调”、“转调”的原理，以及“调性中心的转移”的讲解后，我才明白，原来很多看起来“大胆”的和声进行，背后都有着深刻的音乐逻辑支撑。书里还非常详细地分析了不同时期作曲家在和声运用上的特点，从巴洛克时期的严格功能和声，到浪漫主义时期更加自由和色彩化的和声，这种历史性的梳理，让我能够更清晰地看到和声理论的发展脉络。这种对和声根源性的探讨，让我觉得自己的和声知识体系变得更加扎实和完整。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我最大的感受就是它的“实在感”。它不像有些理论书，读完之后觉得好像什么都懂了，但一回到创作，脑子又空了。这本《音乐的分析与创作》给我的感觉，是作者真正把“创作”这个过程剖析得淋漓尽致。他不仅仅讲解了“是什么”，更重要的是讲解了“怎么做”。比如在讲到曲式结构的时候，它不会仅仅列举奏鸣曲式、回旋曲式这些名词，而是会深入到每个部分的写作技巧，如何处理主题的发展、如何进行转调、如何安排高潮等等。我曾经尝试写过一首小奏鸣曲，一开始总是觉得头重脚轻，或者高潮来得太突然，显得很突兀。后来我翻到书里关于乐句、乐段的组织，以及如何通过动机的展开来构建更大结构的章节，书中提供了很多具体的例子，分析了大师们是如何一步步将一个简单的乐思扩展成一个完整的乐章。特别是它里面关于“动机的变形”和“主题的对比”这些章节，给了我很多灵感。我学会了如何将一个核心的音乐材料，通过节奏、旋律、和声等多种方式进行变化，从而使得整个作品在统一中有变化，有发展，而不是简单的重复。这种从微观到宏观的指导，让我的创作变得更有条理，也更有层次感。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我的感觉是“全面”且“深入”。它在涵盖乐理、和声、曲式等基础理论的同时，还触及到了一些更深层次的作曲技法，比如配器、对位、以及音乐的织体分析。我尤其对其中关于“织体”的分析印象深刻。作者会从不同角度来剖析音乐的织体，比如线条的清晰度、声部的数量、声部之间的互动关系等等。这些内容对于我理解不同风格的音乐，特别是器乐作品，有着极大的帮助。我记得我曾经在听一首交响乐的时候，总觉得音乐的“厚度”和“层次”感很强，但又说不上来具体是什么原因。翻到书里关于“织体”的章节，里面对主调织体、复调织体、以及混合织体进行了详细的划分和举例分析。通过书中的图谱和文字说明，我才明白，原来作曲家是通过巧妙地运用不同的织体，来营造出音乐的宏大感和丰富性。这种对“音乐的骨骼”的分析，让我对音乐的听觉体验有了更深层次的认识，也指导了我自己在写作音乐时，如何去构思和安排声部的关系。

评分☆☆☆☆☆

这本书在我看来，最大的价值在于它将“分析”与“创作”这两者紧密地结合在了一起。它不像一些纯粹的分析类书籍，只是告诉“这是什么”，也不像一些创作指导书，只是给出一些技巧。这本书的独特之处在于，它在讲解各种分析方法的同时，总是会引导你去思考，这些分析方法如何应用于实际的创作。比如，在讲解乐曲的结构和动机发展时，它会立刻引申到如何运用这些原理来构建自己的作品。我曾经在创作过程中，总是感觉自己的音乐缺乏“动感”和“发展”，很多想法都很零散。读了这本书之后，我才意识到，原来音乐的“动感”和“发展”很大程度上来自于动机的不断变化和主题的推进。书里提供的很多关于“变奏”、“模仿”、“卡农”等技法的分析，以及如何在不同段落中进行主题的对比和发展，都给了我很多启发。我学会了不再是凭空去“想”一个旋律，而是从一个小的动机出发，不断地对其进行变形、扩展，使其成为一个有生命力的音乐材料。这种“分析即创作，创作即分析”的思路，让我觉得这本书的指导意义非常深远。