【多本低折扣】正版费顿焦点艺术家对现代艺术大师的经典介绍罗伯特·劳申伯格了解现代艺术的入门读物艺术理 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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秦文华 译

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店铺： 亚丁祥瑞图书专营店

出版社： 广西美术出版社

ISBN：9787549408320

商品编码：28692454382

丛书名： 费顿焦点艺术家 罗伯特.劳申伯格

开本：16开

出版时间：2014-01-01

 

《罗伯特·劳申伯格》——从《艺术的故事》出版社费顿新引进出版，了解现代艺术的入门读物。
罗伯特·劳申伯格（ROBERTRAUSCHENBERG，1925-2008）是“二战”之后多产也富创新才华的艺术家之一。他的作品横跨多个领域，对20世纪50年代以后的先锋派艺术有深远的影响。在“组合”艺术——一种将绘画和装置融合在一起的作品中，劳申伯格把大众文化和日常生活的元素带入自己的艺术，其手法是拼贴，将令人瞠目的材料和想法放置到构图中。“组合”艺术之后，劳申伯格的艺术创作进一步多样化，发展了版画复制、丝网印刷画、表演——这些艺术将技术和很多其他活动都包含在内。《罗伯特·劳申伯格》作者凯瑟琳·克拉夫特还检视了劳申伯格对表演艺术的大力投入，回顾了他与美国先锋舞蹈之间的关联性，以及他与编舞梅尔塞·坎宁安和特莉莎·布朗之间的合作。

在艺术和生活的间隙间行动 
早年时光―从得克萨斯到纽约 
焦点1摄影 
黑白照片和实验作品 
焦点2擦掉德·库宁的画 
组合 
焦点3组字画 
移画、版画复制和丝网印刷画 
焦点4但丁的地狱 
焦点5驳船 
绘画之外：20世纪60年代后期和70年代早期 
焦点6技术 
焦点7表演 
焦点8织物 
回到绘画和摄影 
焦点9劳申伯格海外文化交流（ROCI） 
焦点10自行车（“北极光”系列） 
年表 
扩展阅读/图片版权 
作品列表

 

 

从《艺术的故事》出版社费顿**引进出版，了解现代艺术的入门读物。著名艺术理论家、批评家朱青生、黄专、邵宏倾力推荐！

 

《文艺复兴的辉煌：人文主义与艺术的革新》 一、引言：时代的曙光与艺术的觉醒 本书旨在深入探讨欧洲文艺复兴时期（约14世纪至16世纪）在意大利及其他地区所爆发出的文化、思想与艺术的伟大变革。这不是一本关于当代艺术手法的入门指南，而是对奠定西方现代艺术基石的“古典回归”运动的细致剖析。文艺复兴，意为“再生”，是古典文明光辉的复苏，也是对中世纪神学束缚的挣脱，标志着西方世界从神本主义向人本主义的决定性转变。我们将重点考察这一时期艺术创作的核心驱动力——人文主义精神，以及它如何重塑了绘画、雕塑和建筑的面貌。 二、人文主义的基石：回归古典与颂扬人性 文艺复兴的核心精神在于人文主义。它将注意力从彼岸的永恒天堂转向此岸的现世生活与人的潜能。学者们重新发掘并翻译了柏拉图、亚里士多德、西塞罗等古希腊罗马的思想巨匠的著作。 1. 对“人”的重新定义： 人不再仅仅是等待救赎的罪人形象，而是具有理性、创造力和完美可能性的主体。这种对人类尊严和成就的肯定，直接影响了肖像画的发展，以及对人体结构与解剖学的精确研究。 2. 古典范式的回归： 艺术家们渴望恢复古希腊罗马艺术所代表的和谐、比例与理想化的美学标准。这种对古典遗迹（如帕拉蒂尼山丘上的废墟、古罗马浴场）的考察，催生了对“完美”几何结构和平衡构图的追求。 3. 世俗主题的兴起： 虽然宗教题材依然重要，但神话故事、历史事件、贵族赞助下的私人委托以及对自然世界的描绘，开始占据显著地位。这反映了社会财富积累和贵族阶层对文化品味的提升。 三、透视法的革命：空间与现实的重建 文艺复兴早期，尤其是佛罗伦萨，迎来了一场关于空间表现的革命性突破——科学透视法（Linear Perspective）的发明与完善。 1. 布鲁内莱斯基的发现： 建筑师菲利波·布鲁内莱斯基被认为是第一个将焦点透视法系统化的人。他通过实验证明了如何利用数学原理在二维平面上创造出可信的三维深度感。 2. 马萨乔的实践： 在绘画领域，马萨乔的壁画《圣三一》是运用焦点透视的典范之作，它在教堂墙壁上创造了一个看似可以步入的拱形空间，彻底改变了传统壁画的平面性。 3. 透视法的哲学意义： 这种精确的、以观察者为中心的空间划分，不仅仅是一种技术手段，它也体现了人文主义对理性秩序和清晰可测量的世界的信仰。画家通过这种方式，将观众“置于”画面之中，成为场景的见证者。 四、巨匠风范：盛期文艺复兴的巅峰艺术 16世纪初（盛期文艺复兴），艺术创作达到了一个前所未有的高峰，主要集中在罗马，教皇成为主要的艺术赞助人。这个时期出现了“三杰”——达·芬奇、米开朗基罗和拉斐尔，他们的作品代表了古典理想与人类精神的完美结合。 1. 达·芬奇（Leonardo da Vinci）： 他的艺术活动是跨学科研究的体现。他将解剖学、光学和心理学融入创作。《蒙娜丽莎》中著名的“晕染法”（Sfumato），模糊了轮廓，赋予人物一种难以捉摸的内在生命力，这正是对复杂人性的深刻洞察。 2. 米开朗基罗（Michelangelo Buonarroti）： 他主要被视为雕塑家，强调人体形态的内在力量与情感张力。西斯廷教堂天顶画，尤其是《创世纪》中的“亚当的创造”，以其雄健的肌肉结构和戏剧性的叙事张力，将人体表现推向了崇高（Sublime）的境界。 3. 拉斐尔（Raphael Sanzio）： 被誉为“完美和谐的化身”。他的作品，如梵蒂冈的《雅典学院》，是人文主义理想的视觉宣言。通过对称的构图和清晰的逻辑排列，拉斐尔将柏拉图、亚里士多德以及历代思想巨匠汇聚一堂，赞颂理性与知识的和谐统一。 五、北方文艺复兴：媒介与细致入微的观察 与意大利侧重于宏大叙事和古典理想不同，北欧（尼德兰地区）的艺术家们在文艺复兴期间发展出一条独特的道路，主要得益于油画媒介的成熟和中产阶级赞助的兴起。 1. 油画技术的完善： 扬·凡·艾克等人对油画颜料的精细调配，使得色彩的层次感、光线的微妙反射以及对物体表面的质感描绘达到了前所未有的逼真程度。 2. 细节的崇拜： 北方艺术家热衷于描绘日常生活的细节、室内陈设以及自然界中的微观景象。例如，凡·艾克的《阿尔诺菲尼的肖像》中，镜子、水果、窗帘上的每一个光影反射都承载着象征意义，体现了当时强烈的道德观念和对现实的精确记录。 3. 宗教与世俗的交织： 北方艺术中，宗教主题常常被放置在具有当时时代特征的室内环境中，模糊了神圣与世俗的界限，预示了后来的荷兰风俗画的兴起。 六、建筑：秩序、比例与理想之城 文艺复兴建筑彻底摒弃了哥特式建筑的垂直向上感和繁复装饰，转而追求古典的理性、清晰的几何结构和人体比例的和谐。 1. 核心元素： 柱式（多立克、爱奥尼、科林斯）、拱券、山花（Pediment）和圆形穹顶被重新启用。建筑师致力于创造出清晰可辨的模块化空间。 2. 阿尔伯蒂与帕拉第奥： 莱昂·巴蒂斯塔·阿尔伯蒂倡导将数学原理应用于建筑设计，强调和谐源于各部分之间的精确比例关系。后来的安德烈亚·帕拉第奥更是将这种理想化的古典别墅设计传播至欧洲各地，其影响深远，构成了后世新古典主义的蓝本。 七、总结：古典遗产与现代视角的形成 文艺复兴的艺术运动，本质上是一场对人类自身价值的重新确认。它通过对古典范式的学习、科学方法的引入（如透视法）和人文主义精神的注入，为西方艺术建立了一套以“观察世界”和“表达理想”为核心的创作体系。它确立了“天才”艺术家（而非单纯的工匠）的地位，并为后世巴洛克、新古典主义乃至现代艺术的诸多流派提供了探索和反思的起点。本书旨在带领读者回到这场艺术复兴的源头，理解那些塑造了我们今日对“美”与“艺术”认知的根本原则。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计非常吸引人，那种色彩的碰撞和构图的独到之处，让人一眼就能感受到一种现代艺术的活力与冲击力。我记得我是在一个旧书店里偶然翻到的，当时的灯光有些昏暗，但这本书的插图部分却显得格外醒目，即便是用泛黄的纸张承载，那些艺术作品的细节依然清晰可见，仿佛能穿透纸面与观者对话。装帧上看得出是经过用心设计的，拿在手里沉甸甸的，有一种收藏的价值感，不像现在很多快餐式的读物，读完就扔了。我尤其喜欢它在介绍某些画作时，对于笔触和肌理的文字描述，非常细腻，即便是没有亲眼见过原作，也能在脑海中构建出一个立体的、可触摸的画面。这本书的排版也很有章法，文字与图片的穿插布局合理得体，不会让人觉得拥挤或者信息量过大，读起来节奏感很强，让人很自然地沉浸其中，仿佛跟随一位经验丰富的导览员，缓缓走入一个充满惊喜的艺术殿堂。

评分☆☆☆☆☆

这本书的文字部分，我感觉作者在讲述艺术家的生平故事时，运用了非常人性化的叙事手法。他并没有采用那种高高在上、晦涩难懂的学术腔调，而是像一个老朋友在分享自己对某位天才的观察与感悟。比如，对于艺术家创作生涯中那些至关重要的转折点，作者会用非常生动的故事来烘托当时的社会背景和艺术家的内心挣扎，让读者可以感同身受地体会到那种“不得不如此”的艺术驱动力。阅读过程中，我常常会停下来思考作者提出的那些观点，它们往往是犀利而富有洞察力的，挑战了我原有的认知框架。这种引导性的写作方式，极大地激发了我的主动思考，而不是被动接受。我不是一个科班出身的艺术爱好者，但这本书让我感觉，艺术的门槛并没有我想象的那么高，关键在于你是否愿意去理解创作者当时所处的“场域”和“心境”。

评分☆☆☆☆☆

关于这本书的选材和内容的广度，我必须点个赞。它似乎精心挑选了一些在艺术史上具有里程碑意义的案例进行深入剖析，而不是泛泛而谈地罗列一堆人名。每一位被介绍的艺术家，其核心思想和关键作品都被放在一个清晰的脉络下进行解读，使得复杂的艺术流派演变变得井井有条。特别是对于那些在当时引起巨大争议的作品，作者的解读角度非常平衡，既呈现了批评界对它的不解与排斥，也阐述了它为何能在历史长河中被重新评估和推崇的价值所在。这种立体的呈现方式，避免了将艺术史简单化为“对与错”的二元对立，反而展现了艺术发展本身的复杂性和多义性。读完之后，我对整个二十世纪中后期的艺术思潮有了一个结构化的认识，不再是零散的片段记忆。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧和印刷质量，特别是对色彩还原度的处理，给我留下了深刻印象。我曾经看过一些艺术图册，因为印刷工艺的限制，那些微妙的色彩过渡和光影变化完全丢失了，使得观赏体验大打折扣。但这本书在这方面做得非常出色，即便是对于那些色彩饱和度极高或者对比度极强的作品，它都能尽可能地接近原作的视觉效果。我知道这背后需要投入大量的技术和成本，所以当我在阅读那些涉及媒介和材料的章节时，我能真切地感受到作者团队对“再现”艺术的敬畏之心。他们明白，对于视觉艺术而言，没有准确的图像支持，再好的文字描述也显得苍白无力。这本书让我在家里的书桌前，也能享受到一场高质量的“虚拟看展”体验。

评分☆☆☆☆☆

这本书的附加价值在于，它不仅教授了“看”艺术的方法，更培养了一种“理解”的视角。它并非仅仅停留在介绍“这是什么作品”，而是更进一步探讨了“为什么是这个时代需要这样的作品”。作者在行文中时不时穿插一些对当时社会文化、政治气候的简短评述，这些看似“题外话”的背景信息，却是理解艺术核心价值的钥匙。它让我意识到，艺术家从来都不是生活在真空中的，他们的创作是时代精神的投射与回应。这种将艺术置于宏大历史背景下审视的习惯，被这本书成功地植入到了我的阅读体验中。现在再去接触其他领域的文化产品时，我也会不自觉地去探究其背后的时代语境，这是一种非常宝贵的思维习惯的养成。